What ever happened to RnR ?

Nicolas, 24 , UNDER-PAID UNDER-SEXED AND UNDER COMPLETE CONTROL

2011-12-31T17:54:00.000+01:00

Alors, on me croyait mort hein? Huits longs mois d’absence, ça semble encore plus long quand on l’écrit. Dégagé, terminé, liquidé le vieux Nico. Vous me pensiez vidé, fini, agrippé au comptoir d’un tripot de Pukhet, loin de tout ce bordel. Une fesse rebondie de travelot sous la main, à essuyer mon propre vomi sur mes derniers baths. Le tout sous l’œil incrédule de sa majesté Bhumibol Adulyadej, roi de Thailande, ni plus, ni moins.
Ou peut-être même encore pire : parti bloguer ailleurs, sans un mot, sans un au-revoir convenable, sans un adieu humide et rétrospectivement gênant. Parti comme il était venu le connard, une main devant, une main derrière, avec ses phrases malignes et ses simagrées, de toute façon, ce pauvre type ne trompait personne.
Et bien détrompez-vous, c’est bien connu, les meilleurs partent les premiers et les tâches restent. Elles s’agrippent, elles s’accrochent. Même après huit mois d’apnée, la houle les rejette des bouches d’égout, et elles finissent toujours par échouer sur vos godasses. Surprised to see me?

Ce genre de personnages méprisable va vous sortir avec aplomb une phrase coquette, joliment tournée pour vous demander pardon. Pour vous dire qu’ils sont désolés, qu’ils ne voulaient pas, que la vie est une chienne et que chaque seconde sans vous a été un déchirement. Autant vous dire que je compte, vous épargner ces salamalecs.

D’ailleurs, tout ce temps j’ai fait des trucs, mais qui n’ont intéressé que moi et ma petite personne, négligeant par la même occasion vous, mes fidèles lecteurs et bons amis de l’internet.
J’ai essayé de gagner ma croûte, essayé de sortir mon pays de l’ornière économique (avec le succès que l’on connait).
J’ai appris très peu de choses utiles et belles ces derniers temps à vrai dire. J’ai juste lu Nimier et Blondin assez pour que leur talent et leur panache me foutent les glandes. Pour que leurs phrases à la fois si belles et si sèches vous laissent étourdi comme la balle qui vous loupe. Interdit et la main sur la tempe, tiède de sang, essayant benoitement de comprendre (je pense que c’est aussi le genre de truc que doivent ressentir les emos et les psychotiques au quotidien). Oui, vous l’avez compris, ce sera cela mon projet, la coller à ces cadavres, leur prouver que les vivants peuvent être aussi bons qu’eux et que de parler de disque est un alibi aussi légitime que celui de parler vélo.

Mais s’il vous plait, parlons de vous dans tout ça. C’est con, mais je ne pouvais pas vous laisser tomber. Je me devais de rester votre fidèle et loyal compagnon, le chroniqueur zélé, sincère et maladroit de cette époque fantastique. Après une année 2011 chargée, riche en catastrophes naturelles, révolutions et cataclysmes nucléaires, je me devais, d’être à vos côté, le regard trouble et la bouteille de Whisky déformant mes poches de veste.
La récession nous chatouillant nos orteils de petits bourgeois bien nourris, des bêtises restent à dire. Cela tombe bien, un album attend sa review et je ne pouvais pas vous la balancer comme ça, à sec, comme un viol de prison. Il me fallait une petite remise en jambe après cette inactivité et cet article proprement inutile est parfait.

Non, en fait il ne sera pas si inutile que ça, car j’en profite pour vous souhaiter une bone année 2012, en tout cas meilleure que 2011.
On attaquera cette année comme on a commencé la dernière, le flingue sur la tempe, le doigt sur la gachette, mais ensemble, et ça, ça change tout. A très vite.

Driving lesson

2011-05-07T11:58:00.000+02:00

Nico, don’t you know how to drive ?
No, I don’t. Why? Because I fucking hate cars, I fucking hate traffic lights, I fucking hate crossroads, I fucking hate clutches, I fucking hate roundabouts, I fucking hate road signs, I fucking hate gas stations, I fucking hate highways, I fucking hate patronizing driving teachers, I fucking hate “pschtt pschtt cleanin’up my windshield with a sip of spray cos’ ya can’t see folks driving your way cos’ ya have dead insects or bird poop on ya windshield ya”, I fucking hate dickheads drivers that cut roads and don’t give a shit about it, basically negating your right to live as a human being.

That is the problem. The road is not made for humans to live decently. It’s for cars. Period.
The road is basically made for douchebags fighting over the size of their dick in epic duels of morroness and brutal stupidity.
They don’t give a fuck about who you are, about what you do, they’re just slapping in your learner face the big fat cock of injustice in a tired honking sound of excitement and cruelty.
I’m not usually scared of people when I walk in the streets, because actually, you have a very small risk of actually DYING when bumping into someone.
It’s not the same when you’re driving because basically any idiot who don’t even know how to read can kill you, and it will be his fault. And you, well you’ll be sorry, because you’ll be dead.

The teacher is not your friend.
I used to like my driving teachers because I admired their raw exhalation of mannish virility. You know this complex mix of coffee and cigarette breath, this little twinge of old sweat when it’s hot outside, the stains of diesel on their shoes…
I respected their not-giving a fuck attitude with girls, whistling at skirts and following asses like if it was the brand new Maseratti Quattoporte (“Oh what, you didn’t see it yet? how gay you must be son?”).
The reason I’m also slowly starting to hate them is how they see everything as a big deal.
For instance when you pull your car over to park : “What ?!? You didn’t double checked the dead angle when you were parking your car in this lousy abandoned by all parking lot? You must be retarded!”
To them, everything is a matter of one-second-do-it-or-not-or-die-like-a-fucking-loser-situation and never let you go with it. You’re just trying to do your job at the driving wheel as well as you can and it’s not enough.
You’re an upstanding citizen working hard and contributing to society as a whole and they treat you like shit.
Don’t forget that in the meantime, you have in mind the sorry ass example of your relatives, family and friends driving stoned to death or passably drunk, something that you’ll never do because you’re a caring and decent well educated person.
I could list you a whole bunch of other examples when this guy sitting lazily at your right wants you to behave like fucking Robocop and each time you don’t makes you feel deeply sorry about it.

Mental Mayhem.
Word after word, mistake after mistake the anger grows slowly when watching this swarm of tall four graders fucking around with your nerves.
Your primal hate grows and goes away in mental spurts that you try to hide in the back of your mind (when concentrating on which way to go on this damn twisted road, designed by a sick bastard that was a local because everybody knows here that you have to go right-right-left, watch the double traffic lights arrows and make a pause on a white line as thin as my ball's skin and wait a little while because otherwise, a train can slice the car in two. And then turn left. It’s as simple as that).

And the guy goes “Open your eyes! Are your sleeping or what?”

And you’re like “I’ve got my eyes wide opened you fucker, see that truck coming?”

*HORN SOUND/FLASH/THUNDER/RAGGED NOISE OF TORN METAL AND TWISTED PLASTIC/BLACKOUT*

Stunning quiet. Yes. You’re better off dead.

Finding the last man standing

2011-03-20T19:17:00.003+01:00

Alors comme ça 2011 sera donc l’année de la vérité, celle des braves. Celle où l’on fait le tri. Celle où l’on gardera le minimum vital. Ce sera Europe 1 sans cette burne de Fogiel. Ce sera Dior sans John Galliano reparti planter des bégonias en désintox. Ce sera le Japon sans âme qui vive, quand le dernier samouraï ravalera sa thyroïde comme un gros sashimi au plutonium encore frétillant. Plus de patrie du jeu vidéo. Disparue tel un mirage sublime englouti dans une grande faille au radium. Comme si la terre toute entière nous disait d’aller nous faire voir en détruisant le pays de Ken le survivant. Si ce dernier n’était pas Ken, alors qui ?

Qui seraient les derniers malades assez fous pour faire un dernier bras d’honneur à tous les éléments. Qui resterait comme Khadafi le doigt sur la gâchette de son flingue plaqué or et le nez dans le saladier de coke jusqu'à ce que la grande déferlante salée du destin lui lèche les orteils ? J’ai cherché dans ma collection d’album et la réponse était simple.

Elle me provoquait sur la pile de CDs par le biais d’un chiotte tout droit sorti d’un boui-boui de la nouvelles Orléans. Qui pouvait se sortir vivant de là à part des démons clochards vibrionnant. Ces enfoirés de Stones, déjà cramés dix fois, des blagues vivantes, des running gags humains pas mécontents d’être là.

La chose était sure : ces enfoirés de Stones seraient là jusqu’à la fin des temps, jusqu’à la chute finale dans la grande étendue d’eau. Le déluge. La fin biblique par excellence qu’allait rencontrer Brian Jones dans une cinquantaine de mètres cubes d’eau chlorée peu après l’enregistrement laborieux de cet album. Le petit bain avant le grand, avec bagnoles flottantes et bateaux en flammes de rigueur. Oui c’est sur, ça, se serait une fin stonienne. Et le dernier Jukebox jouera les dernières mesures de Beggar’s Banquet échoué sur le grand toit métallique du Auchan de Fontenay sous Bois. Pourtant tout le monde savait que c’étaient eux les démons, ils l’avaient même clamé. « Simpathy for the Devil » Où l’on marche sur les traces de la bande des connards favoris de Satan sur une ligne de tambours africains, et de congas agrémentés de pianos.
On imagine très bien cet enfoiré de Mick, trahissant Jesus, traversant les steppes sèches de Russie, accoudé sur le blindage brulant d’un panzer, flinguant les Kennedys les uns après les autres. Ces chœurs de Woo hoo légers et provocants ponctués de quelques échardes de riff le savaient et se moquaient de leurs victimes passées et à venir. « I’ve got No Expectations » prend le revers du problème avec philosophie.
Le Bottleneck trainant prend d’ores et déjà la mesure de la chute. Rien ne vaut le coup, la beauté, l’amour et l’honnêteté sont des valeurs bien trop complexes et trop humaines. Il faut s’en débarrasser, car dans une situation difficile, elles ne vous servent à rien. Alors, autant se dire au revoir tout de suite.
A ces maux déchirants, un seul et unique remède est possible, c’est celui long et trainant du Blues du sud. Celui des histoires tristes à mourir et implorant le bon docteur, censé soigner à coup de bistouris un cœur mariné dans un bocal de bourbon.
L’appel au secours en question était « Dear Doctor ».
Le registre de l’harmonica trainant et du blues rauque continue avec « Parachute woman » restant dans le registre du rock du sud le plus classique. Il faudra attendre « Jig-Saw Puzzle » pour revoir le groupe ressortir de la dépression et se contenter de plus que quelques saillies improvisées de Keith Richards. La batterie se raffermie, le bottleneck arrive, enroué de quelques bruits blancs. La basse souple rebondie pour encadrée cette histoire de paumé absolu, le petit Mick Jagger semblant planer sur la chanson, comme un macaque autiste tentant désespérément de singer le Rubik’s cube Dylanien avec ses pieds. En témoignent ces quelques paroles :

“There's a tramp sittin' on my doorstep, Tryin' to waste his time; With his methylated sandwich, He's a walking clothesline; And here comes the bishop's daughter, On the other side; She looks a trifle jealous, She's been an outcast all her life”

Le moment venu est venu de pousser un cocorico avec une chanson directement inspirée aux Stones par note Danny Cohn Bendit national. « Street Fighting Man » a été en effet inspirée par les évènements de Mai 68 par un Mick Jagger littéralement sidéré par le spectacle de rue vivant livré par la police anti émeutes et des étudiant se coursant à tour de rôle dans le quartier latin.
En a résulté cette grande chanson, agressant l’auditeur avec une attaque de guitare distordue digne d’un pavé volant s’écrasant sur le coin de votre tronche. Le rythme martial de la batterie rappelle lui les bâtons en caoutchouc battant sur les boucliers des flics quelques minutes avant le choc.
La piste suivante « Prodigal Son » est elle tout à fait logique, voire banale, très basse, se contentant de singer, (certes, une fois de plus me direz vous) le vieux blues du Delta. « Stray Cat Blues » remet quand à elle au centre du disque un élément clef de la grande mythologie stonienne : celle des groupies dévouées corps et âme à leur super groupe de bad boys. De vraies chattes sauvages hurlantes, griffant allègrement le dos du petit Mick, pauvre petite souris à bouclette avides de stupre et de luxure, perdue entre les pattes de ces panthères au charme félin.

On quitte ensuite le territoire de la chambre à coucher, pour celui de l’usine. Une chanson ou peuvent s’exprimer les percussions indiennes et africaines de Charlie Watts qui s’ennuyait alors à mourir derrière les futs et teste toutes les choses possibles. Sont ajoutés au mix violons européens et harpe chinoise bizarre. « Factory Girl » est une sorte de gigue dédiée au melting pot musical post moderne (nous sommes alors en 1968, ne l’oublions pas, l’année de toutes les utopies).
Cependant, avouons –le, cet album grandiose ne pouvait pas se terminer de la sorte. La copie acharnée et bâclée du style country-bluegrass livré tout au long de l’album aurait été incomplète sans une grande chanson chorale. Le forfait complet, avec breaks de batterie prévisible à deux cent miles à vol d’oiseau, piano de saloon, chœurs féminins ponctués par des gimmicks de guitares.

Ce monument sera dédié aux foules laborieuses, simples, silencieuses et discrètes, aux paysans et autres pouilleux du bayou, à la peau recouverte de tiques et au front perlant de sueur et tanné par le soleil, le sel de la terre (« Salt Of the Earth ») selon la Bible et Hattie Howard. Les mortels, les autres, les humains, les simples, ceux qui ont gagné leur place au paradis, pour les bonnes et les mauvaises raisons. Je leur dédie humblement ce 100eme billet.

Walk like an Egyptian

2011-02-13T16:58:00.000+01:00

Bon, alors ça y est. Les copains égyptiens ont fait le boulot. Well done guys. Vous nous avez donné au monde une leçon ainsi qu'un bon spectacle bien rock and roll. Tout ceci avec la mythologie révolutionnaire qui va avec : grosses bastons, caillassages en règle des fourgonnettes blindées, volutes épaisses de lacrymogènes, concours de T shirts mouillés avec des véhicules lance à eau, F-16 en rase mottes, cocktails Molotov, foule debout sur les bagnoles, V de la victoire derrière les barricades, scènes de liesses de grandes grappes humaines agrippées aux T 84 aux teintes de scarabées des sables.

On aura même vu des fleurs et des bougies à la con, style révolution de velours. On a même eu le droit à du hardcore rioting couleur locale avec des agitateurs à dos de chameau, fonçant dans la foule à coups de bâton, ambiance bataille des pyramides.

Il ne manquait que les fiers mamelouks et leurs cimeterres.

Je ne vous cache pas non plus que (cerise sur le gâteau) les journalistes et autres observateurs sont tombés à cours de noms de fleurs à la con à donner à ce grand soulèvement populaire. Ce qui ne gâche rien à la fête.

Du grand spectacle les mecs, bravo à vous. C’est votre instant, profitez en bien, vous avez bien mérité ces quelques trop rares instant de joie et d’espérance, d’enthousiasme collectif aussi pur qu'irraisonné.

Que notre cher lecteur prenne ces biens modestes écrits avec recul et dérision. Point de condescendance de ma part, ni de réjouissances fraternelles à peu de frais. Pour quelles raisons me direz-vous ?

Premièrement parce que n’est pas Bernard Henri Levy qui veut et deuxièmement, l’auteur de ces mots est bien conscient que la seule scène de liesse populaire qu'il a réellement vécu à été par un soir chaud de juillet 1998 la victoire de la France pendant la coupe du monde de football. Une expérience qui permet un certain relativisme, vous en conviendrez.

Dévorez donc ce moment mes amis. Rêvez un peu avant de vous faire claquer le beignet ou de vous faire ôter le baklava de la bouche par le premier militaire de passage ou le premier frère musulman revenu de son exil. Ne laissez personne vous ôter ces instants merveilleux, gardez ces morceaux de béton agglomérés tachés de sang.

Vous les revendrez à prix d’or aux touristes gras et écarlates, abrutis par le soleil, beats d’admiration, vous demanderont comment c’était, le sourire en coin et la lèvre tombante, l’œil avide.

Et ce vendeur de souvenirs racontera encore et encore son histoire. Les rideaux des commerces tirés, les rumeurs, les grandes bousculades et l’odeur rance de la sueur, celle métallique du sang dans la bouche. Tous ces détails qui font les petites et les grandes histoires sont fugaces et précieux. Je vous laisserais donc en compagnie de mots bien plus importants que les miens, ceux du romancier Pierre Clostermann, quelqu’un qui a connu le combat, la peur et l’oubli des choses:

« Le grand cirque est parti. Le public a été satisfait. Le programme était assez chargé, les acteurs pas trop mauvais, et les lions ont dévoré le dompteur.

On en reparlera en famille quelques jours encore.

Et même quand tout sera oublié - la fanfare, le feu d’artifice et les beaux uniformes -, sur la place du village subsistera encore l’auréole de sciure de la piste et les trous des piquets.

La pluie et l’oubli en effaceront vite les traces. »

Bonne soirée à tous.

Quatre anglais en K-Way

2010-12-29T17:25:00.000+01:00

Pas évident d’écrire à son aise ces derniers temps, et je m’en excuse auprès de vous, rares lecteurs de ce vague radeau moribond. ~~Les putes, l'excès de chair et mon skyblog passion consacré à la Wehrmarcht m'ont considérabl~~ Le boulot qui me prend pas mal de temps, les projets à coté, le permis de conduire, et toutes ces choses prenantes m’ont tenue éloigné de vous. On va donc parler de choses compliquées, difficiles, de combat véritables combats quotidiens à mener.

Les choses n’étaient pas simples non plus pour les rockers anglais du début des nineties. Il en fallait une bonne dose de courage pour tenter de se mesurer à 40 ans de passif local à la fois génial et révéré. Il en fallait des louchées de sueur pour tenter de damer le pion à Oasis, un rival aussi stupide qu’encombrant par sa verve démoniaque et elle aussi toute british.

Cerise sur le gâteau, le mal être, dernier refuge des désespérés venait d’être tiré des cendres encore tièdes de Joy Division par une bande d’américains aussi chevelus et crasseux que géniaux : Nirvana.

Damon Albarn savait que son petit groupe devait la jouer fine et que Blur devait frapper fort une bonne fois pour toute : un album et dedans un hit qui devait conquérir l’Angleterre toute entière de pubs en stades, de school shuttles en tube stations. Ces quatre jeunes devaient opérer le grand syncrétisme, la grande synthèse pour fédérer et enfin exploser. Pour reconquérir les juke-boxes de leur Essex natal et aller chatouiller ceux de Manchester en mettant au passage les tempétueux frères Gallagher à l’amende.

Les dosages sont simples : une base de Velvet Underground mais livrée comme si les Kinks auraient repris du Iggy Pop. Ajouter à cela un accent à la David Bowie, des harmonies vocales piquées aux Beatles et vous obtenez « Blur » l’offensive rock la plus marquante de 1997.

On entame l’ouvrage fort avec le hit N°1 de l’album « Beetlebum » et son riff mélancolique et paresseux, aussi flou que le groupe-lui-même. Soudain, après une minute d’écoute, la pépite arrive, ces grands couplets d’harmonies vocales volées aux Beatles eux-mêmes qui disparaissent avant de revenir, fugace, comme le souvenir de votre premier baiser.
Doux et amère comme le souvenir de cette peau devenue inaccessible à jamais.
La nostalgie à portée du jeune urbain encapsulée dans une seule chanson. Le clou est enfoncé plus loin avec « Song 2 » qui est avant tout une super chanson rock avant (aïe) d’être entonnée en soirée par une bande de bourrés (malaise) bas de plafond. La fuzz est de sortie, Albarn et Coxon sont allés la piquer dans la tombe de Bolan avant de la poser sur une batterie aussi musclée qu’entêtante.

« Country Sad Ballad Man » prend le contrepied total de cette énergie et livre une ballade folk piquante et distordue ponctuée de grandes échardes de guitares et de petits effets sonores électroniques croquignolets.

Bizarrement, l’énergie pure reprend sur « M.O.R » comme si le groupe ne pouvait se retenir de jouer piano. Une montée de guitare et de batterie bâtissant un punctum de pression relâchée comme une catapulte projetant le son dans une mer de fuzz et de charleys à laquelle Dinosaur Jr ou The Jesus and Mary Chain nous avait déjà bien habitué avant que nos amis se noient dedans.

La chanson suivante est bien plus relax. Il s’agit d’une petite fresquette si réaliste qu’elle sera officiellement prise comme hymne de la Britpop. L’auditeur attentif saura se passer de ce genre de considération et il appréciera « On Your Own » pour ses chœurs et ses voix en canon répondant les unes aux autres.
Décidément, les Beatles ont bel et bien fait des émules. « Theme From Retro » est une expérimentation un peu flippante que l’on croirait tout droit tirée d’un Luna Park abandonnée de Blackpool. Ces orgamonds entêtants évoquent une salle de jeux hantée par une horde de clowns morts (on pourra les entendre distinctement à la fin de la chanson). Si le rétro badant était visé, c’est bel et bien réussi.

La chanson suivant est chère au cœur de votre serviteur, car elle a constitué ma porte d’entrée à cet album (en savoir plus sur cette théorie fumeuse ici). Cette petite mélodie croisant guitare sèche et électrique, est la parfaite chronique de la dépression quotidienne. Rarement ces moments de fin de soirée ont été mieux évoqués.

Le morceau suivant fait lui aussi partie de la série d’expérimentations entamées par le groupe sur ce disque. « Death of a Party » raconte très bien cette minute où la musique s’éteint pour laisser les convives éparpillés dans l’appartement sombrer dans un sommeil comateux. Cet orgue tremblant c’est la radio qui grésille encore, ce robinet qui goutte, cette fille éméchée et poisseuse de whisky coca qui vous ronfle dessus.

Le combo renoue pile après avec une énergie folle sur « Chinese Bombs » où la fuzz hurle encore et résonne comme l’écho d’un réacteur de Mig rugissant dans une passe de l’Himalaya avant de blaster un monastère tibétain.

Le rythme ralentit pour laisser la rythmique de Alex James et Dave Rowntree prendre le contrôle à grands coups de ride fainéante et de basse groovy qui, a vrai dire, nous perd un peu en route. C’était « I’m Just a Killer for your love ».

La chanson venant juste après est « Look Inside America » et autant dire que le groupe reprend du poil grâce à l’excellent songwriting de Damon Albarn qui dépeint avec simplicité la vie ennuyeuse et pétrie d’obligations d’une tournée américaine. Un point de vue rare sortant de la trilogie dope-alcool-déconne (voire filles). Le tout porté par une mélodie et des arrangements des plus classieux.

Le son n’en cesse plus de monter et de durcir. Les guitares et claviers se décomplexent sur le remuant « Movin’On ».

L’album se clôt sur un interlude expérimental de plus « Essex Dogs ». Une piste laissant une fois de plus libre cours aux méditations mélancoliques et leur lot de souvenirs confus.

C’était donc cela Blur. Un opus alternant pistes courtes et nerveuses de power pop-rock terminales et de longues plages d’expérimentations sonores.

C’est cela que Blur a réussi à accomplir par sa musique. Remettre vitesse et énergie au centre de l’équation, se défaire des oripeaux inutiles tout en montant le son encore un peu plus. Quelque chose capable de vous faire danser. Verglas ou non.

De l'autre coté de la grande muraille

2010-10-03T18:14:00.000+02:00

Il y a des endroits où jouer de la guitare en chantant ce que l’on pense est dangereux.

Dans ce genre de pays, chanter des textes sortant du politiquement correct ne vous mènera qu’à une chose : faire parvenir à vos parents par lettre recommandée une facture de 20 yuans. Une somme correspondant au prix (taxes comprises) de la balle de 9mm parabellum logée dans votre nuque par les soins d’un fonctionnaire pénitentiaire.

Avec les compliments du comité central du parti communiste de Chine populaire.

Les Carsick Cars (un nom qui est un paradoxe en soi) prennent ce risque et se font discrets dans les médias francophones. Peut-être parce que les textes chantés, sont incompréhensibles à moins de posséder de solides notions de Mandarin. Un désavantage pour une culture qui a toujours dans son cœur placé les mots avant la musique. Mais une partie de la beauté du travail des Carsick Cars se trouve ici. Elle nous pousse à nous rappeler l’époque candide et bénie où l’on ne comprenait rien aux paroles affligeantes des Beatles (au moins pour le début de leur carrière, avouez-le).

La visite Pékinoise commence avec « Zhi Yuan De Ren - 志愿的人». Le morceau démarre comme une Geely hors d’âge. L’arbre à came frappe sur la basse et la seconde s’enclenche, ce vent, c’est celui qui siffle par les fenêtres entrouvertes et vous balaye les cheveux. Zhang Shouwang vous parle de sa ville et vous raconte ces grands immeubles et ces jeunes qui fument des cigarettes à la sortie de l’école en vous dévisageant.

Après cette mise en bouche très américaine, cloches et carillons reviennent. Les palais d’or de l’Asie éternelle entrouvrent leurs portes, renfermant leur lot de secrets et d’horreurs sur Zhang et Li Quing (la sorcière des cloches, oui ce n’est pas un homme). Sur « Gun - 棍 » ce n’est pas l’opium de Pou Yi le dernier empereur que l’on fume, mais bien de la coke dangereuse que les jeunes sniffent sur des tables en bois rouge laquée. C’est la descente, cette grande plage noise, c’est la peur, qui borde cette lente descente aux enfers.

La chanson suivante «Zhong Nan Hai 中南海 » est le hit de cet album. La basse semble rouler comme celle des débuts de Joy Division et la guitare gratouille un petit riff que l’on jurerait piqué à Sonic Youth. On dérivera ensuite dans une plage de noise et de reverb complètement maitrisée est ahurissante de finesse et d’harmonies. Cet éther sonique vous laisse abasourdi après avoir dégoupillé vous-même la grenade chinoise. La mélodie revient ensuite et se reforme alors qu’ encore hébété, vous vous relevez des pavés de la place Tiananmen le visage collant de sang pour vous relancer en courant vers ce Zhong nan hai, cette partie de la cité interdite d’où dirige le tout puissant parti.

Le ton s’apaise et s’allège sur le titre suivant sur «Hou Dao - 厚道 ». Les musiciens cabotinent, la basse s’arrondie et Zhang se relâche, se permettant des vocalises alors inédites sur cet album. On est bien là, à siroter notre Tsing Tao sous les grands platanes des quartiers résidentiels.

« Xiong Mao - 熊猫 » est une chanson comme on les aime. Une voix trainante, celle de Zhang, qui sonne nostalgique er rêveuse, comme absente. Li chante dernière les nappes de guitares, comme les deux Kims l’on fait en leur temps (Gordon et Deal). La section rythmique complétée par Lei Weisi fonctionne superbement bien.

Pour preuve, le véritable wall of sound hallucinant et vertigineux présent sur la piste suivante. On ne sait plus si l’on écoute les enfants des amours des Ramones, de Jesus and Mary Chain et de Dinosaur Jr ou juste une resucée punk minimaliste des Who, mais une chose est certaine « Guang Chang - 广场 » met le son chinois sur la carte du rock mondial. Ces vagues, ce rythme alterné de batterie est proprement incroyable. Puis la voix de Zhang, plaintive et cassée, qui sonne comme celle d'un Viêt-Cong blessé pris dans les barbelés de l’ambassade américaine le soir de l’offensive du Têt… Cette complainte, cette voix trainante et écorchée, est aussi moche que touchante.

La batterie de Li ouvre « Re Shen - 热身 » un des morceaux chantés en anglais sur l’album. Une chanson sur des gens qui ne se parlent pas, qui s’ignorent et ne disent rien. Sur l’inhumanité de la fourmilière. Cette analyse se poursuit sur un deuxième pendant le la réflexion « He Sheng - 和声 ». Tous ces gens qui marchent dans le rue, leurs rêvent se perdant dans le fracas des machines sur lesquelles ils travaillent à longueur de Journée. La seule fuite possible, la seule issue face à cette routine, c’est de devenir, à l’instar de Johnny un rock and roll hero. Il faudra attendre faire nos adieux à nos amis pékinois sur « Hui Shou - 回授 » au tempo ralenti et à l’ambiance éthérée et aux sonorités de cordes chinoises. On est triste de partir, à contrecœur. Les valises bourrées de faux polos Lacostes et les tympans pleins de ce son de transistor écrasé. Cette bouillie de puce électronique agressive, aigue et rugueuse qui est celle de la ville, qui est la notre.

C’est cela Carsick Cars, des jeunes qui aiment et qui souffrent, à mille lieux des pluies de roses et des lendemains qui chantent. C’est le quotidien au cœur d’une ville de béton tentaculaire, ceinturée par 7 périphériques, au soleil masqué par des nuages de pollution marrons et aspergée par des pluies acides qui ravagent jusqu’à votre selle de vélo.

Loin de la masse impersonnelle et silencieuse, des jeunes mènent le changement et rompent avec le masque de cire d’une société forcenée de travail et cosmopolite s’étirant de Pékin à Canton. Loin de la clinquante image d’une génération ambitieuse, avide et sans morale ni scrupules.

C’est ce tour de force que les Carsick Cars sont en passe de réaliser : nous faire embrasser la beauté et la fragilité des multitudes.

La presse Rock à l'heure du digital, lettre ouverte à Rock & Folk

2010-09-01T11:38:00.002+02:00

Pour une fois, je pense faire un billet utile. Ecrire quelque chose d’éducatif, structurant et si possible un peu humble, comme un prof du collège de France. Ce serait agréable. Les gens resteraient là, à m’écouter déblatérer ma prose dans un luxe de style et d’intelligence. Cependant non, je ne vais pas le faire comme cela, mais avec un ton agressif et maladroit, en espérant dire toutefois quelque chose d'utile. C’est un peu le deal entre nous non ?

Vous me donnez un peu de temps d’audience (qui me donnera l’impression de combler le vide de ma vie) contre l’impression d’un enrichissement éphémère (qui vous fera sourire un peu, si possible).

Mais ce n’est pas la question d’aujourd’hui alors reprenons, et disons ces choses utiles.

Je me suis plongé, à l’instar de quelque uns d’entre vous dans le grand dossier central de l’édition d’aout de Rock & Folk.

Et bien j’ai été surpris, par une publication qui devrait être ni plus ni moins la NRF de la musique pop en France (je n’ai pas dit de la musique française). Tout d’abord une super couverture, annonçant d’alléchantes spéculations sur le retour éventuel de noir désir. Force est de constater que le lecteur sera déçu, car il devra se coltiner les divagations de quelques oncles Paul. Qui savent bien faire ce que l’on attend de l’oncle Paul, c’est à dire raconter de belles histoires. Ce qui n’est pas gênant en soi, car tout le monde aime les belles histoires.

Mais non, car l’accroche est mensongère (Un peu comme un autre numéro précédant titrant « Jack White tacle la concurrence », tout ça pour s’entendre dire au détour d’une question un truc de ce genre « Beaucoup de gens enregistrent avec des ordis actuellement, et bien moi désolé les mecs, je préfère l'analogique [...] »).

Le résultat est le suivant : huit belles pages traitant du rock français, de cette grande obsession du grand retour. De l’être providentiel.

Un sentiment très français depuis Jeanne d’Arc et De Gaulle. Une sorte d’apparition post messianique de 4 types à même de faire se remuer tout un pays à l’unisson. Et bien sûr pas un semblant de réponse, ni sur Noir Desir, ni sur le rock français en général.

On a bien un petit moment sur le Do It Yourself un peu intéressant ou personne n’avoue qu’il aurait pu faire mieux, et puis quelques lignes croustillantes en forme d’aveux « Aucun rock critic ici n’a vu venir Phoenix ». Tout cela peu être encore défendu avec un peu d’argumentation et bien amené avec quelques pirouettes.

Mais là ou le bat blesse, c’est quand nos sages nous parlent d’internet. Ces respectables, ces puissants, ces musiciens, ces immortels évaluent les succès « au nombre de connexions internet ». Mais sans dire de quoi l’on parle, de visiteurs uniques (ce qui est le plus probable), de pages vues, etc… malgré un petit moment de bravoure sur le nombre d’écoutes, de téléchargements et le business modèle de Radiohead. Au détour de ces quelques lignes, le visage hideux de la vérité apparait, amenant avec lui son funeste cortège de désillusion.

Ces rockers respectables sont des notables. Des gens qui se retrouvent dans le 17eme en écoutant des vinyles sur des grandes enceintes JBL aux basses bien rondes, sirotant lentement leur verre de brandy. Attention, je ne blâme pas leur situation, on peu être riche et être intéressant, agréable, bien apprécier la musique et bien en parler.

Je blâme leur âge, ou peut être plus leur manque d’ouverture d’esprit. A traiter le web comme la dernière roue du carrosse, on perd le sens des réalités. On perd de vue le fait que les jeunes lecteurs sont des kids sans un rond qui téléchargent toute leur musique, roulent en mp3, échangent des titres et donnent leurs avis sur des albums obscurs et des textes apocryphes (à l’image de ce modeste blog), le tout sans compter leurs heures ni leurs efforts.

C’est quand même dommage, car le temps passant ce magazine vient à manquer sérieusement de slip. Les Ungemuth, Farkas et autres sont bons, mais sacré bon sang... Quand on me parle d’un live qui tue je veux des références Youtube, des notes de bas de page qui me redirigent vers les blogs spécialistes et les revues online qu’ils ont pompé.

Je veux que les journalistes livetwitt le Hellfest comme Alex Hervaud. Je veux une plateforme de blog brandée comme le magazine (à l’images des blogs Le Monde ou Libé) qui tiennent la route. Je veux voir des making of. Je veux voir des débats, enflammés en vidéo. A l’heure actuelle, les politiques et les économistes qui se jettent leurs notes à la tronche sont dix fois plus excitants. Je me souviens d’ailleurs d’un premier essai, le punk press club qui n’était pas mal en soi, qui amorçait un truc super intéressant.

Et puis depuis, rien, silence radio sur le site, qui est d’ailleurs une sacrée bouse. Je suis sur qu’ils ont des rédacteurs plein de bonne volonté qui pourraient bénévolement lâcher un billet ou deux par mois. J’adorerais le faire si j’en avais le talent. Mais les Inrocks et Technikart s’en sortent et des milliers de blogs rocks pullulent et nous sommes loin de tous les connaitre. Je veux une page de ce mag consacrés aux sites et blogs du mois, chroniqués comme des albums, indiquant leurs sujets de prédilection, etc.

Je veux des reprises des meilleurs articles thématiques du web comme le fait Owni. Je veux des articles sur l’avenir de la musique payante et gratuite comme on peut en lire dans Wired. Je veux un comparatif des meilleures plateformes de streaming musicales légales, Deezer, Spotify, Grooveshark et toute la clique. Je veux que vous parliez de choses neuves, de trucs pratiques, qui donnent envie d’ouvrir son blog, de lâcher des playlists. Je ne veux pas baver sur la Triumph ou la Vespa que ne n’aurais jamais.

Je veux que l’on me parle de Pandora et des raisons pour lesquelles c’est rideau en France. Je veux de l’utile. Je veux des critiques croisées à la Pitchfork. Je veux que l’on m’en donne pour mon argent. Je veux que vous fassiez votre boulot comme en 2010. Pour que je puisse vivre ma passion, comme en 2010, comme j’espère la vivre en 2020, un verre de brandy et un iPad en main. Un peu d'allant que diable !

Merci à ceux qui ont ce roboratif article lu jusqu’ici. Et a très bientôt.

Le bal des sorcières

2010-08-07T01:22:00.000+02:00

L’été est là. Et vous le savez, l’été c’est l’ennui. La mort moite et fumante, dont la torpeur humide et collante s’exhale par tous les pores de votre peau. Accablé par la chaleur, il ne reste rien à faire, que vous soyez au travail ou au chômage, vous le savez.
Vos clients, vos patrons sont partis ou sont sur le point de le faire. C’est un moment douloureux pour tous. Personne ne se soucie plus de rien. Rome ou Berlin en feu devaient être remplis de ça, de gens qui s’en foutaient.
Il n’y a plus personne pour se soucier de quiconque.
A l’heure qui l’est on se soucie d’expedia.com, de lastminute.com, de hertz.com, de voyagessncf.com.
Autant d’institutions aux cases à cocher et aux montants à remplir qui vous insultent à chaque fois qu’ils sont prononcés.
Alors on va faire comme tout le monde et s’en foutre. Mais attention, avec élégance, avec détachement et distinction, et s’enfermer dans un délire musical dangereux.

On mettra autant de ferveur à écouter ce disque que les autres en mettent dans le choix de leurs horaires de trains et de ferry. On se recueillera devant le tourne-disque tout comme ils le feront devant la machine Selecta de l’aire d’autoroute du Loup (à 40 km de Valence environ). On choisira avec cet album avec minutie, comme un billet d’avion. Sauf que là, le décalage horaire, se comptera en bpm, l’excédent bagage en décibels et la taxe aéroportuaire en watts.
C’est drôle, car je suis justement tombé sur un album à vous faire préférer le ciel noir de vinyle à celui bleu de beaucoup de destinations.

Les Warlocks sont un groupe atypique. C’est la formation de Bobby Hecksher qui chante et gratouille la sèche après avoir passé quelques temps au sein du Brian Jonestown Massacre. Autant dire qu'il figure en bonne place dans l'aristocratie rock indé californienne.
Bien sur hautement influencé par Anton Newcombe, le leader s'entoure d'un noyau solide (JC Rees : guitare, Ryan McBride: guitare, Bob Mustachio [!!!] : batterie) et d'autres acolytes de passage.
19 personnes sont déjà passées dans les rangs du groupe cultivant un son (et un mangement) assez similaire à celui du BJM, bien qu'un peu plus noise et mélancolique. Une sorte de croisement entre les Jesus and Mary Chain et les Dandy Warhols saupoudré par un Velvet Underground ésotériquo-new age.
Si vous n’avez pas décroché après ce pot pourri foireux, le mal est fait, vous allez adorer ce groupe.

Le bal s’ouvre d’ailleurs sur un couinement de scie à métaux, orgie de reverb et de saturation dont va s’extraire peu à peu quelque chose ressemblant à un beat de batterie et une mélodie de guitare aussi déglinguée que ses auteurs. Oui, « Jam Of The Witches » est bien un bœuf déjanté, le sabbat d’une bande de sorcières balais electriques en bandoulière. 14 minutes sombres et instrumentales qui sonnent comme des lament le prélude à une odyssée nocturne.
Les shamans sonnent le gong et posent la transe, le tambour lent et les guitares l’installent dans une ambiance aérienne et éthérée et transparente. On se retrouve transporté dans la « House Of Glass » un songe confortable, quelque par autour du feu, à demi endormi dans l’herbe sèche. Cette petite voix vous rappelle qu’il n’y a que vous, l’immensité du ciel et les étoiles et que tout va très bien comme ça.
Le « Skull Death Drum Jam » porte bien son nom. Oui, je l’affirme car on peu compter sur les doigts d’une main les groupes signés osant débuter leurs morceaux par des plages de batteries pures de plus d’une minute sont rare. Même si cet interlude tribal installe une petite atmosphère, on aurait bien voulu une petite voix sur cette disto buzzante, histoire de combler le vide percer dans notre espace limbique.
La piste suivante, « Whip Of Mercy » revient sur des variations plus classiques et plus régulières. Cette petite voix, sa batterie caressée par des pinceaux rappelleront des choses aux amateurs du Brian Jonestown Massacre et d’Elliot Smith. Et dieu sait qu’il y en a dans la salle. La petite mélodie de voix a tout ce qu’il faut pour réconforter les cow girls parmi vous. Mais tout ceci n’est rien. Non, strictement rien vis-à-vis du frisson que l’on ressentira à l’écoute du morceau suivant. Celui-ci est une sorte de caresse hallucinée. Une de celles qui partent des tréfonds de la nuit pour vous accrocher à votre plafond au milieu d’un rêve. « Song For Nico » est ni plus ni moi qu’une des plus belles chansons d’amour écrites durant la fin des années 2000. Rien que ça. Non seulement l’aspect musical de la chanson et proprement imparable (les accords d’Heroin du Velvet, mixés avec une livraison vocale digne d’Anton A. Newcombe et des plages soniques sonnant comme du Jesus et Mary Chain). On saura aussi apprécier un songwriting aussi percutant que minimaliste :

“Roses are so red
They make me want to sleep on the floor with you.
Is it okay to taste the salt and wake up on a Saturday?
I think it is.
I know it is."

Se pourrait-il que ce diable de Bobby Hecksher parvienneà reprendre le dessus ?

La confirmation nous en est donnée sur « Left And Right Of The Moon ». Rien que le rythme de batterie et de basse augurent tout d’un excellent morceau. Vient ensuite la voix de ce satané Bobby. Ce maudit qui a vendu son âme au diable. Hantant les rues à la recherche de sa dulcinée dans la nuit, il n’a d’autre choix que d’errer sous la lune laiteuse et insolente. Le solo pathétique et malingre sonne de ses cordes usées dans le vide. Décidément, cet album est celui d’un ouest fantomatique.
« Motorcycle », la chanson suivante est encore un grand jam instrumental planant totalement maitrisé étirant ses guitares de tout leur long. C’est un retour sur terre en douceur, à la cadence des pistons qui cognent et du métal qui brûle
L’ultime chanson est le réveil «Heavy Bomber/Laser Beam » est un live. Le temps du rêve est fini, le son se dégrade. Le fantasme de la perfection disparait dans les derniers échos du songe que la foule impie ose déchirer à coup de murmures et d’éclat de rires.

Ça y est, c’est le retour sur terre, et l’on a du mal à y croire. On se retrouve dans son lit et le réveil matin nous rappelle qu’une nouvelle journée commence. Mais qu’elle était bien cette nuit bleue pétrole. Une couleur logée au plus profond de crâne, que tous les ciels et les mers du globes auront à vous envier pour longtemps.

Bonnes vacances.

Manhood lesson

2010-07-24T19:48:00.001+02:00

Some of you are maybe familiar with Jean Claude my school driving monitor, here is a nice piece of today’s lesson I'd like to share with you:

-Nick, why the fuck are you always stuck in second gear? Do you see this fucking sign? It says 50 km per hour, not 35 Okay?
-It’s a speed limit, I can drive under 50.
-Oh here it is, mister smart ass, I’m gonna cry. Now come on, speed this shit up. Do you know Steeve Mc Queen? Do you know Superman? That’s the kind of man I want you to be on the road.
Now try to be that man. Why wouldn’t you be such a man?
-I’ll try sir.
-Don’t call me sir, you can call me Jean Claude, I’m your pal, it’s been what, forty hours we’ve been driving together. I would have already banged the shit out of you if you’d been a girl. But now, considering the way that you drive I’m starting to wonder. Do you have a pair of balls?
-Uh yeah
-I hope so, because if you keep on driving this slow, I’ll chop yours off, put them in an ice bucket and give it to a charity like “Balls for all” if you know what I mean. You gotta be proud of it.
-Ok
-Great, now show me your balls.
-…
-Come on grab your balls!
-Like this (me grabing my crotch while driving).
-Yeah now say it “I’m a man!”
-I’m a man.
-Shit no you faggot, louder.
-I’m a man !
-Fuck yeah, do you smoke?
-No
-Oh shit, it’s exactly what it’s all about. Come on, have one.
-I’m driving.
-So pull over, right here.
-What?
-Pull the fuck over now, that’s an order, that’s an exercise. Do it.
-OK, here we are.
-Come one, have one. Here’s a light.
-I feel like my head is spinning.
-Don’t you feel more relaxed?
-Hum, kinda.
-That’s what the deal is all about. Now drive fucking fast.
-Like this?
*Motor roaring*
-Yeah man! Don’t you feel so free and so happy you could die and still don’t give a shit?
-Yes, but someone wants to cross the road.
-Oh? That girl? She’s ugly anyway, don’t let her pass.
-Ok.
-Well, end of the lesson; let’s go back to the school.
-Right on
-Ok, now I’m gonna give you some homework.
-What?.
-Yes, what day is it, Friday or Saturday?
-Saturday.
-Perfect. Here is your homework: find a geaorgeous girl and do yourself a favor. Bang the shit out of her, and never call her again. Next week, you’ll tell me if your balls are working. Thats all I want to know as far as I’m concerned. I’m worried about you man.
-Ok, have a nice week end.
-Thanks, you too buddy.

Les chansons incontournables [pourraves] de la fête de la musique

2010-06-25T18:31:00.001+02:00

Un petit classement des quelques tubes à mon sens les plus repris que vous avez fatalement déjà entendu un 21 Juin au soir dans les rues encombrées. Cette digression est basée sur une idée originale de mon boss qui est d'ailleurs un lecteur occasionel de ce misérable weblog, qu'il soit ici remercié pour m'avoir consciemment laisser opérer ce ripp off honteux.

« No Women No Cry » (Bob Marley)

Où ? Dans le parc municipal, assis en rond

Accessoire obligatoire : Un Djumbe ou un bâton magique au cas où un jongleur de rue ivre mette en cause votre habilité naturelle aux sports artistiques

Cette chanson est à la musique ce que Bayrou est à la politique. A mi chemin entre Reggae et Pop Rock, on ne se mouille pas. Assez militante pour attirer les élèves de sciences humaines en sarouel et assez rassurante pour faire oublier vos dreadlocks à une assistante DRH en galère.

« Knocking On Heaven’s Door » (Bob Dylan)

Où ? Devant une sortie de garage

Accessoire obligatoire : jean slim gris et t shirt décolleté en V. Une paire de bottillons en daim est un plus.

Ce sont les tous premiers accords plaqués par un baby rocker à sa naissance. Pourquoi ? Tout simplement parce que c’est facile à faire, et que le petit trémolo de voix émue peut décider à lui seul si vous choperez ou non ce soir. Autant mal le beugler dans la rue au cas où passerait une Plasticine.

« Smells Like Teen Spirit » (Nirvana)

Où ? Devant leur garage des parents

Accessoire obligatoire : cheveux gras et chemise à carreaux, jean troué.

Parce que jamais rage adolescente n’avait jamais été mieux évoquée en musique. Cette chanson est l’exutoire de rêve pour une bande de post grunge que leurs parents ont laissé à eux même pour apprécier un concert de musique Baroque à la Sainte Chapelle. Partez de préférence avant que leurs amis à BMX ne soient saouls à la bière.

« La Foule » (Edith Piaf)

Où ? devant un troquet PMU

Accessoire obligatoire : être pied nus

Cette interprétation libre hurlée sur une sono mal réglée est bien souvent le fruit du hasard. Deux typologies d’interprètes se la disputent : Gisèle, le pilier de comptoir, chauffée à blanc après quelques ballons de rouge et les vivas de ses camarades de zinc ou une pseudo Camille arty et peinturlurée ponctuant sa prestation de cris, de claquement de langue et autres bruitages corporels inusités.

“Smoke On The Water” (Deep Purple)

Où ? Sur la scène municipale de la MJC

Accessoire obligatoire : cheveux gras, T shirt Opeth et des instruments Squier (et oui, budget limité)

Rock is not dead ! Ces jeunes chevelus sont là pour vous le prouver puissance 10 000. Privés de Hellfest à cause de tarifs prohibitifs, ils comptent bien transformer la scène municipale de Vaires Sur Marne en communion Heavy Metal orgiaque. Le tout sous le regard dépité de Love Mary & the Jeanne, la formation de Ska Festive locale assurant le prochain set.

« Memories » (David Guetta)

Où ? Dans les transports en communs, de préférence blastée via haut parleur de portable

Accessoire obligatoire : téléphone portable, bouteille de Sminorff Ice

Les putafranges sont de sortie ! :) Elles aussi kif tro grav la zik lol !!! ;) Et comptent bien le prouver en allumant pendant la soirée quelques groupes de racailles agressives. Autant commencer par un de leurs lieux de prédilection, c'est-à-dire les transports publics. Effet lâchage de 06 et de garet’ci garanti !

« Le Diner » (Bénabar)

Où ? Devant un bar à vin – bibliothèque labélisé commerce équitable

Accessoire obligatoire : un vélib, une chemise bien coupée et une paire de lunette pour madame

Qu’on se le dise Les trentenaires n’ont pas vieilli. Même après une journée passé en conf calls, en courses de Velib’ endiablées et après en week end riche en brocantes et autre marchés éco citoyens, des tablées entières sont prêtes à reprendre à tue tête tous les classique de Bénabar. La sauterie prendra fin lorsque les enfants seront fatigués et les hôtes à cours de cubitainer de côtes de Provence bio.

« La Femme Chocolat » (Olivia Ruiz)

Où ? Un angle de rue entre le café du commerce et la Pharmacie Brugier

Accessoire obligatoire : Un chapeau trouvé dans une poubelle et un corsage à fleurs

Les petites artistes en devenir comptent bien célébrer dignement le plus long jour de l’année. Elles installent leur petit clavinova sur un tapis persan et joueront jusqu’à ce que leurs cheveux soient en bataille et que leurs petits ongles vernis transpirent dans leur bottent en plastique. Barrez vous avant que les gitans locaux improvisent de grands solos de violon electriques.

« Bulletproof » (La Roux)

Où ? Entendue à une fenêtre d’un appartement trop bien pour vous.

Accessoire obligatoire : un t shirt à tendance graphisante et un hoodie à couleur vive.

C’est ben connu, chez les 24h party people, c’est la fête de la musique toute l’année. On ne se bornera donc pas à sortir mais on optera pour un brunch musical en se trémoussant sur une resucée 2010 de David Bowie.

Allez, à toute les amis pour une nouvelle review d'album rock nulle et non avenue.

L'armée des tocards

2010-06-09T10:13:00.000+02:00

Comme si l’on était tous parfaits. Comme si nous étions tous autre chose que des Karl Lagerfeld et des Lady Gaga de salon. On a tous déjà eu ce sentiment, d’être fondamentalement mauvais.
Oui, vous vous souvenez, au collège et au lycée, ce prof qui pensait que vous n’obtiendrez jamais la moyenne demandée en math…
Et bien des fois, la nature humaine se révolte, et l'on travaille d'arrachepied pour leur prouver à tous qu’ils avaient tort, et que pour une fois, une seule et unique fois que l’on valait mieux que ça.On décrochait un onze sur vingt (ou mieux pour les plus motivés) et on avait, par ces quelques traits tracés sur une copie littéralement craché au visage du responsable de nos souffrances.
Si vous avez déjà ressenti ce genre de sentiment, vous partagerez ma passion pour les petits, les habituellement médiocres qui ont sué sang et eau une seule fois pour toute. Le tout pour une petite place au top 50 et voir leurs piles de 45 Tours fraichement pressés fondre comme neige au soleil, avant de disparaitre définitivement dans l’anonymat.
Oui ces gens pour qui j’éprouve une passion particulière sont les « One Hit Wonders » ou «merveilles d’un titre» en français.
Ils fourmillent dans de magnifiques compilations qui comptent des quantités insolentes de gemmes et de pépites cachées.
Les compilations Nuggets, Children of Nuggets ou alors, la quantité chavirante des Pebbles disponibles sur Internet via d’excellents labels pourront vous en convaincre.
Mais vous n’aurez pas toujours besoin de courir après ces merveilles publiées avec amour sur des labels indépendants.
Car parfois des miracles ont lieu, car oui, ce genre d’accidents industriels musicaux arrivent.
Il arrive en effet que de temps en temps des Majors désireuses de rentabiliser leur fond de catalogue pressent les meilleurs hits et faces B de leurs gloires inconnues en petites quantités.
Elles empaquètent le tout sous une Jacquette aussi mensongère que putassière et cèdent cette compilation a bas prix afin de faire vite partir les stocks.

L’affaire est vite oubliée par les protagonistes eux mêmes, l’actualité étant rapidement accaparée par la sortie d’une merde grand public infâme, mais un peu plus rentable pour la boite.
Ces merveilles de bacs à solde oubliées comblent maintenant les mélomanes que nous sommes, bénissant les directeurs artistiques ou les chefs de produits de ces grandes maisons de disque pour avoir été si connaisseurs, ou inconscients. C’est le cas pour la bien nommée « Burning Sounds! 20 power pop killer cuts ! »
On ne rentrera pas ici dans les détails biographiques des divers groupes venus de tous horizons Garage, Punk, Rock et Pop présents sur cette compile.
Cependant le fait marquant pour l’auditeur est qu’un un trait commun les unit tous : l’amour d’une musique aussi flamboyante que rythmée, donnant aux prestations des diverses formations une touchante unité.

Dès le titre d'entrée, on aura compris le ton aigre doux de la compilation avec "Shake Some Action" un titre tardif des héros Californiens du Rock Garage à savoir les Flamin' Groovies. Cette longue complainte posée sur des entrelacs amers de guitares tristes, et déjà nostalgiques d'un temps qu'elles ont crût à peine voire passer.
Le tube suivant est une cathédrale de pop rock Kitsch totalement improbable portant le nom proverbial "Overnight Sensation (Hit Record)" implorant les dieux du succès dans une magnifique supplique. Imaginez vous mélanger du Elvis Presley (pour la voix) , du Beach Boys (pour les harmonies vocales), du Elton John (pour le piano) et du Queen (pour la prestance et les guitares) le tout dans un élan glam anglais. Le pont proprement hallucinant à 3'00 suffira à vous convaincre du génie ignoré des Raspberries.
L'étrange patchwork que constitue ce disque continue avec un groupe de Pub Rock, Brinsley Schwarz, notoirement connu pour avoir pillé Crosby, Stills, Nash and Young et Grateful Dead.
Les traces de ses influences dans "The Ugly Things" ne sont pas si évidentes du tout, et la tristesse et la mélancolie du groupe n'ont pas vieilli. La chanson suivante "SubRosa Subway" dont seul le titre à quelque chose à nous offrir ne restera pas éternellement dans les mémoire, comme le groupe qui l'a produit : Klatuu.
Un groupe qui pour la petite histoire a été vu comme les Beatles de 1976. Une petite hype qui n'a pas empêcher leur unique album d'être un four, la vague pré punk et ses descendant ayant déjà tout emporté.
La création du groupe des anglais The Babys est nettement plus convaincante. "If You've Got The Time" dont les solos ardents sont tout droit tirés des Nuggets et une conviction stupide digne d'un David Lee Roth gonflé aux stéroïdes anabolisants emplissant l'effort d'un souffle épique.
Le groupe suivant, et (oui cher lecteur nous n'égrainons ici qu'une simple liste de damnés du rock, alignés contre le mur de la fatalité attendant le geste du bras d'un commandant de peloton Salvadorien moustachu et suant).
The Boyfriends, au nom aussi magnifiquement cul-cul que bravache produisent quand à eux un surprenant mélange de rock sentimental énergique émaillé de claviers qui pourraient être tout droit sortis des rêves de Steve Nieve. "I'm In Love Today" est un vrai petit bijou de rock pop au sens noble du terme.
"Starry Eyes", une chanson de The Records ressemble fort à un titre de Eddie and the Hot Rods. Encore bourré de références sentimentales amères et tristes, d'histoire de ruptures, de souffrances et de haines passionnées complétement contenues.
Celle ci ayant la simple prétention d'envoyer l'auditeur droit dans le mur et sans autre forme de procès.
La formation suivante, une des plus intéressante de l'album car menée par Glen Matlock, bassiste original des Sex Pistols et fan inconditionnel des Beatles.
Ce dernier ayant été chassé pour cette même raison du groupe qu'il avait contribué pour une grande part à fonder (et oui, c'est sa basse que l'on entend sur plusieurs pistes de "Never Mind the Bollocks"), le tout pour être remplacé par ce petit junkie sans talent ni envergure de Sid Vicious. "Burning Sounds" est le titre éponyme de cette compilation, délivré pas la formation punk que représente les Rich Kids. Tous les ingrédients sont ici au rendez vous: guitares dures et écorchées, riff simpliste batteries sans concessions et morceaux de bravoure (le "Burn !" à 2'08 et le solo qui s'en suit dans un écho de reverb dégoulinante de volts).
Le groupe suivant, The Knack, un groupe de pop de la région de Los Angeles, solidement nourri d'influences sixties (des cœurs de Beatles, et une guitare empruntée aux Kinks aussi mutine que sautillante).
Il ne faut toutefois pas nous laisser berner par la bonhommie de la mélodie et sa livraison emprunte de fraicheur dégourdie. C'est bien de tourments que l'amour dont l'on parle ici (et oui, encore) et de fort belle manière. Je mets personnellement au défi tout mâle hétérosexuel normalement constitué (même votre serviteur) de ne pas se reconnaître dans "That's What The Little Girls Do" et les imprécations empruntes de doutes et d'hésitations adolescentes qu'elle délivre.
La prochaine chanson est une création somme toute originale des Barracudas, ceci pour la simple raison que c'est une des seuls chansons issue de la vague néo Surf des années 80. [What the fuck people?].
Néanmoins on ne pourra que louer cet effort, débutant par une introduction sonore livrant avec un brio dramatique une gravité et une solennité toute maritime (ressac et cris de mouette à l'appui). "His Last Summer" raconte de décès de Ricky, surfeur de son état et frère de vague. Son dernier été, à la recherche de la vague parfaite et du tube de trop. Les refrains entrainants sauront vous convaincre qu'un "surfing suicide" est un concept possible, viable et tout à fait crédible. On passera vite sur "Long Lonely Nights" dont les claviers 80s et les trompettes ont fort vieilli. Le titre suivant étant bien plus intéressant.
Hormis un nom aussi mystérieux qu'improbable The Pale Fountains livre un morceau tout aussi cryptique "Jean's not Happening" un mélange de pop Beatles débuté sur une attaque de guitare tournante destructrice qui meurt dans un dernier relent de Joy Divison fugace. Les violons dramatiques rajoute une touche de beauté tout aussi grandiloquente que solennelle à l'ensemble. Comme un glaviot que l'on aurai craché de Manchester Jusqu'à l'estuaire de la Mersey.
La prochaine chanson "Fell" des Let's active est une ballade sentimentale portée par une voix déçue et plaintive, pleine d'amertume et de regrets. "Vanishing Girls" elle rappellera des souvenirs aux auditeurs émus d'une autre compilation citée precedemment "Children of Nuggets".
Vous pourrez encore me dire que vous en avez marre des noms de groupes proprement mirobolants, mais auvouez tout de même que The Dukes Of Stratosphear" est au moins aussi incroyable que les tressaillements de la basse à 0"15 secondes.
On cessa les pleurnicherie sur un heavy beat de batterie et une batterie turgescente, sans oubliés des paroles stupides d'amertume colérique. Encore le sempiternelle histoire d'un cocu qui souffre "Hard To laugh" est un monument de chœurs collectifs et de cymbale ride. Une belle ironie globale pour un groupe portant le doux nom de Poursuit of happiness, l'histoire no vies en somme, n'est-ce pas ?
On renoue avec la guitare sèche sur "Baby's Coming Back" interprétée par Jellyfish. Autant dire que la chanson est belle malgré des arrangements au sax et au clavier totalement badant (oui, je trouve ce mot tout à fait à propos) et une voix de chanteur à la croisée de celles de Slimmy et Mika des mauvais jours.
Autant le dire, la chanson suivante est un mix de beaucoup de choses, personnellement, je la définis comme une voix de Happy Mondays mixée avec du Beach Boys feats Status Quoi sauce-dance-kitsch-grand-guignolesque. C'était "Everything! (A Song For Dennis Wilson)". Mes amis, je vous le dit de but en blan, la chanson qui suit est juste énorme. L'œuvre d'Orange un combo de punk californien pétris de fuzz et de Beach Boys maniant l'alternance de tempo avec une facilité et une richesse d'arrangements insolents.
Après "Lucy In The Sky" il y aura "Judy Over The Rainbow". Daryll-Ann reprend le flambeau d'une manière tout aussi bouleversante avec des grandes plages de guitare tordue, piquées aux Pixies (caisse claire sèche) et à My Bloody Valentine (guitares velociraptor) mais traitées et arrangées avec un vernis pop-rock faisant la part belle à des solos vibrants et chevrotants.
Le plus beau étant la fin "Good Thing" s'arrète tout net. Quelle audace !
Autant vous prévenir toute suite la piste d'après, Shangri-La vole les premières notes de "A Day In Life". Ne vous méprenez pas, mes amis, ce n'est pas du vol. Ce morceau n'est d'autre qu'un hommage de 7 minutes 30 aux Beatles. Les connaisseurs s'amuseront à reconnaitre des passages de "Hey Jude" et des chœurs et des trompettes de "Magical Mystery Tour".
Decidemment, The Rutles ont été un très bon tribute Band.
Et c’est avec ce fade out sonore interminable que se termine cette compilation.

Oui, la compilation, ce format maudit, celui des inconnus et des sans grades. Méprisé tout entier par certains puristes, car n’étant rien d’autre qu’une liste de courses (comme cette chronique d’ailleurs, pardon à tous).
Avec toute leur humilité ceux-ci nous ont bien montré une chose.
Même englués dans notre quotidien et nos soucis. Il faut essayer de voir plus loin. Comme ils l’ont fait. Dans un élan contemplatif et désintéressé absolu, quitte à se prendre en plein front la vicieuse et ultime balle tirée par la citadelle du destin.
Ces chansons valent le coup, même consommées sur des grandes plateformes d’écoute de musique en ligne, des mp3 surcompressés pourraves, les uns à la suite des autres, à la manière d’un gros gamin gâté et immonde.
Oui, elles valent sacrément le coup, stéréo et mono, prises studio et lives, originales et reprises confondues, petits labels ou grandes maisons de disque.
Elles nous rappellent tous les jours qu’elles valent le coup de se battre pour elles, de toujours combattre, de ne jamais se rendre. De ne jamais nous rendre.
Ils pourront alors mettre nous dépouilles en tas sur une chariotte, avec celles des derniers forcenés du quotidien, ces derniers navrants résistants de la loose.
Le bourreau ventripotent pourra alors distinguer parmi les loques débraillées et malgré les taches de sang caillé sur nos visages un sourire satisfait. Le plus insupportable de tous à ses yeux : celui que seuls les gens heureux arborent.

Point édito

2010-05-15T14:44:00.001+02:00

On me parle de beaucoup de choses. Des choses plus intéressantes les unes que les autres. Avec des amis on parlait d’écriture, de blog.
J’ai avoué que j’en avais un, je l’ai confessé à ma plus grande honte.
On ne m’a pas demandé quel était son sujet, quelle était la vision que je tentais d'y développer de temps à autres.

J’aurais pu dire qu'à cent endroit on parlait principalement de rock et de jeunesse urbaine.
Que je brossais des critiques d’albums de rock bâclées. Que je n’aimais pas l’ironie ni le sarcasme, que j’entretenais une prétention littéraire puérile tout bonnement scandaleuse etc…

Non, rien de tout ça. On ma demandé « C’est quoi ta ligne éditoriale ?». J’ai eu mal au crâne.

(Aussi mal en crâne que maintenant quand j’écris à la première personne du singulier. Cet égocentrisme moche, dénué de tout raffinement, de toute pirouette stylistique. Un type d’écriture direct et simpliste, qui n’a aucune vertu narrative quand vous ne maitrisez pas la stance et le rythme de l’écriture américaine. Un style qui pâlit de mots en mots quand vous ne maitrisez par le langage d’uppercuts chorales chatoyants d’un Faulkner.)

Votre pauvre rédacteur à la petite semaine à du expliquer tout ça, devant un jury circonspect, tatillon et pointilleux. Il s’est dit à l’instant même où il déblatérait tout ça que tout ce ramassis de bêtises ne ferait pas un bon billet, mais un billet quand même, pour rassurer les anciens et mettre à la page les petits nouveaux.

Je voulais vous livrer ces règles de base sous la forme de commandements, mais le poids écrasant des monothéismes conjugués aurait été bien top lourd pour ma petite personne.
L’auteur ici présent se bornera donc à les liste comme elles viennent et s’arroge le droit personnel exclusif de les modifier selon son bon vouloir et sans aucun avertissement préalable.

On ne parle ici que de chose que l’on aime ou qui plaisent. On avale de la merde toute la journée. On ne va pas lui donner le privilège vulgaire de suinter jusque sur ces pages html.

On écrit en français par basse prétention littéraire, fainéantise et chauvinisme déplacé. C’est déjà suffisamment difficile comme ça de cultiver une personnalité dans sa langue maternelle, même si la perspective de pouvoir draguer un lectorat anglophone me plait bien.

On parlera de tout et n’importe quoi, mais on prendra soin de le maquiller habilement dernière un vernis rock et musique de jeunes, bruit, etc…

Le contenu rédigé primera toujours sur le reste.

On ne se prendra jamais la tête (comme je viens juste de le faire, oui je sais, je suis un sale con).

Voilà, c’est le genre de billet chiant à faire (et à lire, oui, pardon à tous, j’en suis conscient) mais c’est utile. Je pense que ça a du être pareil pour la pierre de Rosette, mais en plus sérieux.

Je vous laisse un truc marrant ici et un là pour me faire pardonner.

A toute, pour des choses un brin plus interessantes.

le 27 avril 2010 au Bataclan : American band on Tour et tensions post hippies

2010-05-01T16:11:00.002+02:00

Ils étaient là, à Paris. Les cowboys déchus, les enfants maudits du psyché américain des années 90. Ils trainaient avec eux leur démence, leur talent et leur loose magnifique.
D'aucun diront que c'est la recette du succès à long terme.
Le Velvet Underground, Les Flamin' Groovies, ni Lester Bangs ne vous diront le contraire.
Et bien c'était pour cela que l'on était venu en ce soir du 27 avril, accompagné de tout ce que la capitale compte de rockers stylés et de hipsters.

Dieu merci je ne portais pas de chemises à carreaux ce soir là, sinon j'aurais rejoins la queue au bar en complétant le grand défilé Cochonou multicolore qu'offrait la jeunesse de la capitale.
Ces gens là m'ont déçu comme d'habitude, ils sont restés en rentrait avec leurs verres de bière trop chère et leurs meufs à talons trop bonnes pour être honnêtes.
Ils étaient bien trop intimidés par les working boys qui pogottaient et slammaient avec deux ou trois tarés (des filles aussi petites que folles paumées là et des grands chevelus).
Elles étaient belles à voir ces faces juvéniles dégoulinantes de sueur pressées les unes contre les autres dans un élan suprême.
Les épaules moites et les t-shirts spongieux qui se fondaient dans la chaleur, la musique, les volutes de cannabis et la lumière violette et pourpre.
Ils se tournaient vers un Anton Newcombe ronchon et mentalement absent. Il se barre de la scène une minute, on hésite entre un coup de tête ou un gimmick sur lequel Rock & Folk fera un dossier illustré de 8 pages préfacé par Manoeuvre et postfacé par Eudeline, comme d'habitude.
Au delà de ça on a aussi remarque un Joël Gion hagard comme à son habitude, buvant et cherchant le vide du regard.
Il n'y avait que le reste du groupe vraiment présent mené par un Matt Hollywood qui s'est taillé la part du lion ce soir là.

Le combo de desperados nous a resservi ses grands hits (et tant mieux, car c'était cela que l'on voulait).
"Servo" "Satellite" "Who?" et quelques petites perles de Matt Hollywood comme "BSA", "I've Got my Eye on You" et "Cabin Fever" à mon plus grand bonheur.
C'était très bien, même sans rappel (ahah oui, ça c'est Rock'n'Roll pour les uns, mais vachement moins pour des gamins qui on déboursé plus d'un mois d'argent de poche pour leur place).
La blague était faite, et bien faite. La foule a bien bougé, quelques histrions ont réussi à grimper sur scène, on les a porté, on a bien rigolé, on s'est bien dépensé.

On a même croisé Matt Hollywood qui trainait devant la sortie, causant aux fans. On lui a sincèrement dit que c'était un type génial, un des plus cool que la terre ait porté, que sa musique nous aidé à mieux vivre.
Lui s'en foutait, on a fait gentiment une photo et on est parti en repérant dans le métro qui d'autre avait des blousons en jeans.
En rêvassant le long de la voie on réfléchit, et on pense à ce putain de groupe et aux enjeux qui vont derrière.
Finalement, ce qui était le plus Rock dans cette histoire, c'était de voir remonter sur scène pour des sous un combo de jeunes quarantenaires qui n'ont rien fait d'autre que d'avoir monté un des groupes les plus énormes et les plus branques de l'histoire récente du rock.

"Hey gringo, tant mieux. Si ça peut me rapporter une poignée de dollars de plus"

- Clint Eastwood -

On a eu la chance de les voir jouer leur musique sur notre bonne vieille terre de France, et ça, en soi, ce n'est déjà pas mal.

Trailer Trash Treasure

2010-04-23T00:00:00.002+02:00

Cette journée était pourtant simple. La journée du quotidien, du vrai, du réel. Pas de plans sur la comète, pas de discussions stratosphériques. J’avais signé pour ce genre de samedi.
Deux heures d’auto école et une nouvelle coupe de cheveux.
Ce sont ce genre de journées qui font un bien fou, des leçons d’humilités cruelles et vraies, qui étalent sur votre petite vie leur langueur poisseuse. Celle des endroits où le temps qu’il fait compte vraiment.
Poisseuse comme ton dos sur le siège conducteur de la 307 de l’auto école, poisseuses comme tes mains qui serrent le volant en sky.
Entre deux plissements d’yeux pour tenter de voir si le Renault express blanc de devant risque de violemment déboiter devant l’échangeur de Maison Alfort, on passe le temps.
On se prend alors à chantonner des chansons qui rassurent, des choses simples, des petites comptines rassurantes.
On les chante aussi pour tenter d’apaiser Jean Claude, le proverbial moniteur d’auto école, qu’on a l’impression de déranger pendant 2 heures.
Même si il est très cool et très patient, on sent que quelque chose ne va pas chez lui.
Un type qui allume ses Dunhills avec un briquet tempête à flamme bleue et se désaltère dans un mug en inox a forcement un grain quelque part. Tu n’emportes pas tout un matos de trek dans une bagnole par hasard.
Et puis toi, l’impétrant, tu chante ta petite chanson, de la manière la plus basse et la plus minable du monde.
Mais qu’était-elle, cette fameuse chanson ? A quel genre d’arbre un babouin comme toi pouvait-il trouver des branches assez solides auxquelles se raccrocher dans ces moments de doute ?

Et bien oui, c’étaient les Eagles of Death Metal. Leurs rengaines plus basses que terre et sans prétentions se prêtaient à la situation, à l’instant sublime aussi dramatique que grotesque du créneau.
Et la chanson que tu chantais était «I Really Wanna Be In LA ».
Car sur le coup, sur le moment, c’était vrai, ça avait du sens, tu voulais vraiment être à Los Angeles et ne rien foutre sur Venice plutôt que de suer sur la A 86.
Ah oui, petit lecteur meurtri, comme je te comprends.
Mais reprenons les choses comme elles sont afin de ne pas décevoir nous visiteurs ponctuels (qui de toute façon, ne reviendront jamais).

Les Eagles of Death Metal se sont montés autour de deux leaders charismatiques. Le premier étant Josh Homme, batteur de son état et l’un des gourous du desert rock, un véritable colosse de 1m 94.
Le deuxième (et plus important) taulier du groupe est Jessie Hugues, un roux moustachu magnifique ami d’enfance de Josh Homme, que ce dernier décrit comme étant un membre de la NRA, addict au porno et à la Métamphétamine.
Autour de ses deux personnalités aussi particulières qu’intéressantes sont venu se greffer plusieurs intermittents du spectacle capable de gérer en live les débordements ou les absences assourdissantes de ces deux zigues.
Ils s’appelent David Catching(guitare) Brian O'Connor(basse).
Mais tout cela n’a guère d’importance, ce qui a de l’importance, c’est ce troisième album mirifique et cela pour deux raisons : la première, musicale que je vais mal vous décortiquer bientôt et la seconde picturale et sémiotique : le rapport signifiant/signifié de la jaquette étant proche de la perfection.

L’effort commence sur “Anything 'Cept The Truth”, les handclaps qui entament cet album sont si honteux et la guitare si fainéante que le fantôme de Marc Bolan lui-même n’aurait pas osé les jouer. Ces cœurs tous droits sortis d’un album oublié d’AC/DC et cette guitare crasseuse annonce la couleur. On est clairement ici dans le but de racler le dernier bac à friture du dernier burger shack de ce côté ci de la cote. Et le tout en pleine nuit, le sourire aux lèvres, dans un dernier break de batterie avant le petit jour. Peut importe ce que le policeman vous demandera sur le bord de l’autoroute, vous lui direz tout sauf la vérité.
« Wannabe In L.A », le tube de l’album est encore plus obsédant, tout d’abord ce son de boite à musique à manivelle annonçant ce riff de guitare dédoublé et fuzzy, ces baguettes transformés en claves jouant sur les arceaux, rien n’est normal dans ce morceau. Sauf, peut être les paroles consternantes de classicisme et de stupidité.
« (I Used To Couldn't Dance) Tight Pants » est elle parfaitement normale lorsque que l’on connait le style vestimentaire du chanteur plus que près du corps. Cette chanson sonne comme l’une des Black Keys que l’on aurait staffé à la manière d’un groupe de soul ignorant, reprises chantées faciles et autres farces rythmiques fallacieuses à savoir des ponts et des contretemps alternés. La chanson suivante, « High Voltage » est tout aussi outrancière. On ne parlera même pas du titre, pillé à AC/DC ou encore Electric Six. Les pédales ne font pas tout sur des guitares et même si elles sont rondement bien menées, on passera vite à la chanson suivante.
Cette dernière s’appelle « Secret Plan ». Ne vous moquez pas un instant du titre, cette chanson est tout bonnement fondamentale. J’aboutis à ce jugement par le biais de deux conclusions simplistes et vraies.
La première est que peu de batteurs de Garage rock osent démarrer une chanson à un tempo si rapide.
La seconde réside dans le fait que rarement la guitare est si maitrisée, à la fois entrainante, sure et mutine. Ce genre d’attaque et de maîtrise n’est pas produite par le premier tâcheron venu. Ce serait vous insulter que de vous parler plus en détails de ces ponctuations de notes lustrées et de cette voix magnifique, collant parfaitement au reste de l’ensemble.
On va de calmer un peu et se laisser aller sur la piste suivante. « Now I'm A Fool » ralentit le tempo et nous laisse le temps d’humer l’air tiède d’Hollywood.
Les palmiers, le soleil, le bonheur, les pierres blanches poreuses et indolentes qui chauffent au soleil, éclaboussées par l’eau chlorée des piscines. Rien de tout cela n’est vrai, et bien idiot serait le premier à croire ce qu’il voit sur les collines boisées. Les kids de Palm Desert le savent bien et nous mettent en garde, presque avec tendresse et mélancolie. Comme si ils avaient renoncé à regret aux rêves que leurs dessins animés que leurs Fruits Loops multicolores et trop sucrés leur auraient vendu.
Le moment est maintenant venu de faire donner la cavalerie (une manie dans ces contrées sauvages du grand Ouest…). « Heart On » vous colle une claque de plus, cette petite guitare contenue et scintillante sur laquelle Jessie pose des voix hallucinantes de finesse et de nuance sans en faire trop. Il monte dans des aigus et tente de suivre des guitares sans même avoir l’air de se donner du mal. Le bougre nous parle de son divorce « Falling in love is a loosing game», on parle du petit théâtre quotidien des apparences, des mensonges consentis et acceptés, de ces petites choses qui vous ronge. Votre couple et vous, sans en avoir l’air. Cette guitare qui se dédouble et passe de petites anicroches électriques à un tapis de fuzz lourde et chuintante. « Cheap Thrills » répété par un chorus de serveuses de restau route sexy, le regard blasé, ongles peints, cheveux peroxydés et chewing-gum à la chlorophylle au bec.
Le portrait vivant et réaliste de l’Amérique white trash ne serait pas complet sans avoir brossé le portrait du pal’ buvant sa solitude à l’entrée de son trailer park. Un dude de plus, seul quand il rentre du bowling. C’est le constat trainant, triste et amer de “How Can A Man With So Many Friends Feel So Alone”, qui a le mérite d’avoir un titre assez long pour être explicite.
Le tempo retombe et se pose sur des slides de guitares progressifs, long et appliqués : « Solo Flights ». C’est sûr, on descend vers le sud, vers les frontières lancinantes les plus étranges. Personne n’est là, comme toujours, et il ne faut compter que sur soi même.
La chanson qui suit est encore plus pernicieuse et commence décalée, avant que la voix doucereuse (véritable joyaux renfermé dans l’écrin que constitue cet album) de Jessie débarque. La batterie essaye de mettre un peu d’ordre entre deux échardes électriques fades et passées. Les auditeurs éplorés que nous sommes doivent attendre la moitié de ce morceau pour qu’un break misérable apparaisse. Ce morceau fini comme il a commencé, en dérapant dans le vide, comme suspendu à une reverb d’OVNI.
On s’était bien rendu compte que l’issue de cet album a des goûts de fin de soirée, de descente d’alcool et tout ce qui pouvait trainer d’autre.
Il faut maintenant partir, se casser de cette soirée où les dernières filles encore debout essayent de vous alpaguer comme des sangsues amazoniennes.
Il faut partir, votre cerveau vous en supplie. Il faut respirer l’air frais et ne se fier qu’à cette pulsion, se casser, prendre ses jambes à son cou et se barrer.
Avant de faire n’importe quoi, avant de commettre l’irréparable et de se réveiller dans un appartement inconnu, la bouche pâteuse et le nez bouché par un truc qui ressemble à un Curly saveur vomi.
Oui, c’était bel et bien ce sentiment, celui d’être une cartouche parmi d’autres dans la chambre, attendant patiemment le percuteur. Le fait d’être une simple munition, « I’m Your Torpedo ».

L’album est fini. Les démons californiens fatigués. Comme nous. On a pris notre dose de réel, de quotidien. On a respiré le diesel, la bière et la laque à cheveux bon marché. On s’est extasié collectivement sur des corps de silicone et de Photoshop, ça nous a plu.
C’est bien ça la chose que sont les Eagles of Death Metal : un aperçu brut et pure d’une certaine esthétique rock.

Une chose reste sure : c’était un putain de samedi.

L'heure des comptes

2010-03-23T00:17:00.002+01:00

Hey tout le monde. Enfin je dis monde, mais bon, c'est une vue de l'esprit bien sûr. Cela va faire quelques années que j'ai ouvert ce modeste blog. Et oui, le temps passe vite. Je me suis rendu compte que je ne vous avait jamais gratifié d'un petit point visites, fréquentation, analytics et tout le tintouin.Vu ~~que je suis un gros porc narcissique et égo maniaque~~ que je vous aime je vais le faire ici.Alors, sortons nos lunettes de comptable, retroussons nos bras de chemise de notaire de province et penchons notre nez sur les livres de comptes.

Vous avez été ce mois ci (entre le 19 fevrier et le 21 mars) 255 visiteurs uniques. C'est cool, 255 personnes, c'est une grosse salle de cinoche. Enfin, rapporté à une moyenne ça fait environ 10 par jour, ce qui est nettement moins impressionnant mais me ravit néanmoins. Peu de gens sur terre aiment se farcir des billets immodérément longs, écrits petit et sur fond noir. Et c'est tout à votre honneur.

"Well, it's called tough love kid"

- L'abbé Cottard -

Vous avez passé en moyenne 59 secondes sur le site à chaque visite. Ce qui veut dire que peu d'entre vous lisent les articles en entier (perso, je m'en bat la race, tant pis pour vous). Allez les champions, en vous forçant un peu on peut faire une minute facile. Comment ? Je sais pas moi, soyez créatifs, allez couler un bronze avec le navigateur ouvert sur la page, prenez une bonne BD et c'est marre.

Vous avez regardé 1,35 page par visite, alors allez jeter un coup d'oeil dans les archives bande de feignasses.

Niveau zone géographique le résultat est plutôt sans surprises, la plupart d'entre vous venant de France métropolitaine, de Belgique et de Suisse. Salutations également à nos cousins d'Amérique, j'ai bien nommé les québécois, une bonne quinzaine de visites par mois provenant de la Belle Province.

A propos de Québec, le mot clef me rapportant le plus de visiteurs par mois est l'indéboulonnable "Céline Dion morte" dont je ne suis pas peu fier, hé, 20 visites par moi quand même. Je dois vous avouer que le coup n'était aucunement prémédité, la faute à une chronique enflammée qui a dérapé.Pardon.

Alors vous allez me dire, quelles sont les prochaines étapes?

Pour mettre un peu de piment j'ai créée un groupe facebook, laissé depuis un bail à l'abandon. J'ai même mis sur cette page sacrée (celle que vous lisez en ce moment) une fenêtre widget à la con "devenir fan sur Facebook".

Mais quand j'ai vu cette petite bannière couleur chiotte de restau - route rendre cette page encore plus moche qu'elle ne l'était déjà, j'ai tourné casaque et je l'ai viré.

Elle aura duré en tout une minute vingt secondes, paix à son âme.

Plus j'y pense et plus je me dit que c'est mieux comme ça. Nique cette merde, au diable le clic et le sacro-saint taux de conversion.

Si vous voulez devenir fan, cliquez ici, et ce sera cool de voir enfin vos tronches. Pas de pression. Vous pourrez ainsi tenir compagnie aux autres, ce petit kid du Bengladesh paumé sur la page et une connasse d'ado norvégienne qui a pourri mon seul post. C'est pour ça qu'on aime le web.

Si Facebook et ce délire de trombinoscope néo fasciste vous emmerde, vous pouvez juste laisser un commentaire (bien que ça tombe dans l'escarcelle Google, qui n'est pas mal non plus dans le genre).

Au final, si je vous fais chier, vous avez juste à hurler fuck off devant votre écran et me dire d'aller me faire mettre. Cela me va très bien.

Même si vous ne faites rien de tout cela, je continuerais à suivre la trace ténue de vos clics, et de vos frôlement de pixels, presque charnels, comme les traces des mésanges le matin dans la neige. Et ça m'ira très bien comme ça. Oui, très bien.

Well, I'm just a modern guy

2010-03-12T23:41:00.021+01:00

Je suis un érotomane notoire, vous le savez tous. Quiconque a déjà passé un peu de temps avec moi le sait.

Beaucoup d’entre vous connaissent mes théories fumeuses sur le « métro love » ce jeu de séduction et de regards, lointain ou close contact selon votre heure de fréquentation des transports publics. Je sais d’ores et déjà que des notions telles que le touch point mental, le regard-reflet vitre détourné, la pose désinvolte et eyes motion switch que de nombreuses filles maitrisent bien n’ont plus de secrets pour vous.

Il n’ont plus de secrets pour moi non plus, et autant vous le dire, maintenant je m’ennuie. Je m’ennuie tant et si bien que je vais me mettre à lire de beaux et grands romans avec de la musique sur les oreilles, comme le font beaucoup de gens stupides. Et bien oui, comme tout le monde le sait, soit la musique est si bonne qu’elle procure une jouissance de chaque instant et le fil de la lecture est perdu, situation initiale, personnages, style littéraire et rebondissements nous échappent à tout jamais (un peu comme un Marc Levy au final). Soit la lecture est si bonne que la musique passe pour une sorte de soupe fade et insipide. Si en plus le son est écouté au travers de ces horribles écouteurs ipod, alors là c’est le pompon.

Comme je vous le disais, j’ai trouvé un nouveau jeu de dragouille : quand je descends sur le quai du métro, je remonte au maximum le long de la rame, afin d’épier les créatures par les portes en aluminium brossé du train encore entrouvertes. Suivant la marchandise je lance des regards, des sourires, des poses d’allumeur des eighties (ah les bonnes vieilles mains dans les poches arrières du jean…) dans le but de provoquer des réactions sans conséquences, car suspendues dans le temps durant les quelques secondes de l’exercice. Autant vous dire que celles-ci sont aussi révélatrices qu’anodines.

Dans 70% des cas aucun contact visuel n’est établi (Musso et le 20 minutes sont bien plus intéressants), les 20% restants confinent à l’indifférence. Vous l’aurez deviné chers lecteurs, les 10% en bas de bilans sont les plus intéressants. On peut empiriquement relever 7% de regard mateurs un peu intéressés, 2,5% de sourire ou autre forme de réponse positive (main dans les cheveux, coup d’œil scanneur haut-bas-haut,…) les 0,5% sont mon caviar personnel, mon nirvana de métro man, la part des anges souterrains. C’est la situation que j’appelle de « Home Run ».Quand les portes du métro se referment et qu’il part en te dépassant, il faut essayer de repérer les filles restées dans la rame qui te suivent du regard durant tout le long de leur dépassement.

Bravo ! Elle te matte en train de remonter le quai jusqu’à l’escalier de manière détachée et nonchalante en sachant pertinemment que tu l’a vue et n’hésite pas te dévorer du regard, rongée par le désir et la concupiscence! Certes, vous avez raison, ce jeu est lâche et stupide, les deux parties prenantes étant séparée par 5 centimètres d’aluminium et de plexiglas roulant à 30 km/h. Il est néanmoins fort distrayant, pour un aventurier du quotidien comme moi.

Et bien figurez vous, chers lecteurs, que de temps en temps la vie vous sourie et vous offre un joli combo 3 sourires de suite en provenance du train qui part et un providentiel "Lust For Life" de la part du shuffle de votre lecteur mp3.Ce moment est de ces instants magiques et terribles durant lesquels ciel et terre se confondent et entrent en harmonie transcendantale vous faisant reluire d'une dose d'égo testostéronée aussi irrésistible que capiteuse.

You litteraly are on top of the world my friend.

Ce fix de bien être pur, ces endorphines envahissant mes synapses et mes neurotransmetteurs embrumés a aussi provoqué en moi une vague de gratitude sans précédent envers l'iguane.
Oui, décidément, je devais chroniquer "Lust For Life" et ainsi rembourser ma dette auprès de mes lecteurs déçus et frustrés. C'est une des raisons pour laquelle cette chronique est si grasse et importante. Ce n'est pas un article, c'est une offrande destinée à être immolée sur l'autel d'une des divinités du rock'n'roll. Un héros vivant, mi-homme, mi dieu, le Hercule de Ann Arbor. J'ai nommé Iggy Pop.

Vous savez tous combien mes amis et moi nous vénérons ce rejet, ce grand ordonnateur du festin sonique torse nu. Iggy sort de l'affaire "The Idiot" par la grande porte: ses fans hardcore sont transis d'amour pour ce que les journalistes appellent à présent une œuvre. Le grand public n'a rien compris (comme d'habitude). Oui, décidément, en cette année 1977 qui voit le triomphe de ses fils spirituels, Iggy se sent bien. Il veut muscler encore le son, forcer le propos, partir dans toutes les directions créatives possibles. Aller s'ébrouer dans la pop et le disco ne lui fait pas peur.

Le thème est déjà tout trouvé, il sera la précepte qui a guidé Iggy depuis toujours : "Lust For Life" ou "La Luxure Erigée En Style De Vie" pour les plus francophiles d'entre vous. La décadence commencera dès le titre éponyme, primaire et bas de plafond, sur des accords pillés et volés, qui seront eux même cannibalisés par des australiens sans scrupules. La section rythmique du combo fait mal, c'est le fruit de Hunt et Tony Sales, deux frères livrant une section rythmique percutante su laquelle Iggy s'appuie et scande ses préceptes, parle alcool et drogue, chairs en sueur. Chroniques de la luxure quotidienne. Les petits chœurs totalement kitsch et jusqu'au boutistes sont justes parfaits.
Non content de chanter sa vie et ses mœurs baroques, il les fait déteindre sur des gamines de seize ans, devient fou devant leurs bottes en cuir, veut leur montrer des explosions viriles diverse. On aurait pu faire plonger une armée de Polanskis pour moins que ça.
Ce "Sweet Sixteen" là, pas celui ci hein, prend toute son ampleur lorsque la cowbell débarque pour suspendre dans le temps Mr Osterberg et ses envies contre nature, il devient fou, fou d'amour et se damne, englouti dans un fade de guitares. Une croix de plus sur la crosse du cupidon des pervers désœuvrés. Si le son s'estompe à la fin de cette chanson ce n'est que pour revenir plus fort sur "Some Weird Sin". Comme à son habitude, la batterie débaroule, caisse claire devant. L'iguane prend du recul et s'analyse, hurle annone que tout ce qu'il veut c'est du péché étrange, du bizarre, il ne peut pas se retenir. Bref, du freakshow et rien d'autre.
Bien sûr mes enfants, ce registre n'a pas été inventé par Nikola Sirkis, lui et son érotisme androgyne tout droit sorti d'un design de boite à lunch genre Emily the strange.
Les attaques et le solo de guitare totalement écorché au beau milieu de la tourmente saura vous en convaincre.
Le loup a la patte coincée hurle, et meurt à son propre piège, comme David Carradine dans une chambre d'hôtel thaïlandais. Une toute autre chose que ce que pense votre tante lorsqu'elle entend la chanson suivant, non, ce n'est pas qu'une merde de Cookie Dingler lorsqu'elle entend les premiers accords de "The Passenger". Son rythme cadencé et ses accords empruntés au reggae nous trompent et se jouent de nous.
On a tous été ce voyageur, cette personne en trench-coat gris, sac en bandoulière et clope au bec. Juste de passage, incertain, hésitant au sujet de ce que l'on quittait et de ce que l'on allait trouver. Rien d'autre que cette chanson magnifique et nostalgique à laquelle se raccrocher, en comptant les arbres le long de la voie ferrée.

The Idiot et sa pop décadente a laissé des traces, "Tonight" commence sur des chœurs aussi grandiloquents que la mélodie et le rythme disco qui s'en suit. Iggy prend sa voix de crooner ringard, pour s'ériger en maitre de cérémonie au milieu de cette boum d'adolescents morts vivants.
Tout y est: le ton langoureux et le solo dégoulinant et interminable qui s'accroche aux branches.
Le travail de Ricky Gardner et Carlos Alomar, tout en précision tendue et piquante se ressent ici.
La chanson suivante "Success" (que d'aucun diront destinée à David Bowie ou à Elvis Presley) se moque gentiment du star system qui a toujours eu horreur des artistes portant parfois des jean en plastique transparent et s'entaillant la poitrine lors de concerts.
Tout cela n'est qu'un zoo, comme le dit Iggy, l'idiot est au final peut être pas celui qui le dit. La voix de l'Iguane se révèle sur "Turn Blue" et ses mélodies vocales travaillées entre murmures et cris. Sur cette chanson que l'on pourrait croire volée à Lou Reed, Iggy tutoie Jésus. La mélancolie et le spleen peut aussi tirailler les meilleurs d'entre nous, sur une orchestration qui irait presque tirailler The Dark Side of the Moon (chœurs à gogo et batterie, guitare et synthés aériens).
Avec "Neighborhood Threat" notr ami retrouve sur des territoires plus connus. Car il connait ça le bougre, la délinquance juvénile, le sniffage de colle dans le garage et les fantasmes de catcheur amateur. On le comprendra, hein, après tout, qui ne l'a pas fait me jette la première pierre. Il y a en tout gosse de classe moyenne un loubard de Ann Arbor qui sommeille. Tout le monde le sait, ces immeubles qui s'enchainent, et ces concessions automobiles rendent fous, comme ces guitares retravaillées à l'effet. Cette menace est là, elle vous guette, et on ne peut rien y faire, tout le monde le sait, et il n'y a qu'une façon d'y échapper: partir loin.
L'album se clôt sur "Fall In Love With Me" noyé sur des nappes d'effets vocaux, rendant la voix métallique tout droit sortie d'un interphone de Mc Drive de banlieue. Les synthés prennent peu à peu
le dessus sur Iggy, qui ne peux pas s'empêcher de lâcher ses dernieres stances misérables "You're young and hot, fall in love with me". Ah ouais. Le tout avant que les frères Sales ne sonnent la fin de la recréation, batterie en avant.

On sera d'accord pour se dire entre nous que ces neuf chansons constituent sans doute le meilleur effort solo de l'Iguane à date. Assez grand public pour plaire, et assez détaché et ironique pour plaire à la fille bien trop hip qui vous a esquissé un demi sourire lorsque vous marchiez sur le quai.

Oui, ce sera une bonne journée, et même ce bitume glacé ne vous fera pas changer d'avis. Non, pour rien au monde.

Pop bomb

2010-02-17T00:34:00.012+01:00

Et bien voilà, ça y est, j’ai craqué. Roue moi de coups, crache moi au visage foule ingrate, repais toi de ma souffrance. Déchire de rage les derniers oripeaux de ma crédibilité artistico rock passée et fanée, laisse la vindicte guider ta fureur. Fais moi expirer, et avec moi les premiers serments prononcés par cette pauvre chair meurtrie que tu piétines maintenant avec joie.

Je m’étais juré de ne jamais parler de Phoenix, de me gargariser du coma du rock français et de son cortège de soubresauts, aussi courts que navrants. J’étais heureux de compter paisiblement les convulsions du cadavre, là, assis confortablement dans la pénombre, le cigare aux lèvres et le verre à la main. A cracher mon venin et persifler de ma langue venimeuse de vipère.

Ma vie était facile et simple, pour moi, le quatuor n’était qu’une hype Versaillaise de plus, et en bon républicain, mon devoir sacré était de l’ignorer, voire de la combattre. Qu’avait-elle donc cette ville, domicile de Air, Daft Punk et qui sais-je encore ? La grâce de Louis XIV, bâtie sur des monceaux de cadavres avait-elle rejailli sur ses descendants légitimes, touchés par la grâce absolue ? Les rayons de ce Roi soleil aussi fou que génial qui s’était promis de faire de cette bourgade de lointaine banlieue la capitale du monde connu ont-ils caressé la tête de ces élus ?

J’ai dû me rendre à l’évidence, sacrifier ma fierté sur l’autel de l’honnêteté musicale et intellectuelle. On ne fait pas danser les Anglo-saxon, et on ne passe pas au Saturday Night Live (dédicace au 1,2,3,4 en français dans le texte ) tout a fait par hasard. Comble du comble, une interview dans Rock & Folk à même réussi à me rendre ses bougres sympathiques. Il fallait donc chausser les écouteurs, se rendre compte, et dire, témoigner. Que recèle donc cette french touch, qui a littéralement explosé depuis « Wolfang Amadeus Phoenix » ? Tiens, des références au classique, quoi de plus normal pour l'hétérotopie de style classique par excellence, à savoir Versailles. Décidemment mes amis, les racines du mal remontent loin. Du rock, certes, mais aussi une sacrée dose de pop. Encore cette maudite French Touch.

Dès la première chanson « Lisztomania » la batterie sèche et indéboulonnable ne doit pas vous méprendre. En effet, c’est bien de sentiments et de romantisme que l’on parle ici. Qui de mieux choisi que de Franz Liszt pour vous l’expliquer ? Ce petit orgamond sautillant, et ces grands traits de clavier obsédants, montant vers un crescendo dramatique d’énergie et de saturation sommitale. Majestueux et fragile comme un coucher de soleil, dans son écrin final de flute de pan-clavier 70s digne d’un film de boule de la grande époque (ongles roses et permanentes). Bon, on tient quelque chose.

Cette douce mélancolie va-t-elle se prolonger ? Ce salutaire effort pour faire échapper une partie de la jeunesse à l’avilissement et au lucre gratuit va-t-il continuer ? Et bien oui. « 1901 » est de ces rengaines. On y parle de temps qui passe, de grande boucle de la vie et de choses désuètes, de ce temps qui vous coule entre les doigts, comme du sable. Et toujours ces claviers et ses multiples sons bidouillés qui enrichissent et jouent avec la basse. On dirait que le Pop Rock veut dire enfin autre chose que médiocrité mièvre et plate. La nervosité de la guitare et les arrangements classieux donnent un mélange très proche de la perfection. La piste suivante « Fences » laisse encore libre cours au clavier de ce diable de Deck D'Arcy, échappé du futur des années 2001, bloc de pierre, combis oranges et babouins dansant avec. La voix aérienne de Thomas Mars, tout en légèretés aigues se mêle à cette bande sonore de space opera qui s’écrase par à coups sur le dancefloor, à chaque coup de grosse caisse de Thomas Hedlund. Oui on est bien là, capturé dans cette atmosphère moite de dancing de station orbitale.

Vous ne me croyez pas ? Le réacteur central se rallume après des années d’hibernation sur « Love Like a Sunset Part I ». Des sons de machines organiques, une mélodie qui se réveille peu à peu, à mesure que les voyants ne se rallument sur les consoles poussiéreuses, les uns après les autres, nous poussant dans une marche galactique vers le Soleil. A toute allure, faisant la course avec les protons. On jurerait cette piste échappée de la magnifique bande originale du film « Sunshine ». La suite de cet interlude instrumental qu’est « Love Like a Sunset Part II » retrouve son équipage humain à la barre, réveillés par la chaleur du Soleil, et chantant ce coucher de soleil, qui sait ? Peut-être le dernier ?

« Lasso » laisse toute l’envergure et la distance nécessaire aux musiciens pour s’exprimer, que ça soit la batterie facétieuse, la basse tendue ou la guitare acide des Laurent Brancowitz et autres Christian Mazzalai. Des français savent jouer et mettre en scène leur talent. Je ne suis pas blasé, et c’est réconfortant. « Rome » revient vers des territoires connus par les fans du groupe. Quel endroit de plus romantique que Rome, la ville millénaire qui a vu passer Nerval, Stendhal et les plus grands romantiques de l’histoire française y venir s’y prosterner et clamer sa beauté. Son charme désuet de capitale d’empire patricienne, celui de son colisée et de ses mille fontaines de marbre blanc. Tous ces échos dégradés et ces réverbérations sonnent comme les battements de votre cœur et les sons de vos pas dans les catacombes. Toujours de cette légèreté faite de dentelles brodées.

« Countdown » la chanson suivante débute comme une création de My Bloody Valentine, charpentée par ces sons de claviers perdant complètement mon pauvre cerveau, baignant dans cette vapeur moderne et éthérée. J’incrimine personnellement Air et Daft Punk pour cette ambiance de sons rétro-futuristes assumés. Même si les rythmes se cassent et se syncopent, tous les efforts des musiciens pour saboter l’effort collectif que constitue cet album sont vains. Les thèmes restent les même, le temps, la vérité et la solitude comme autant d’états d’âmes obsédants qui s’envolent et se suspendent dans les airs avec la dernière explosion de clavier.

Si les influences de Daft Punk période « Aerodynamics » étaient clairement visibles, elles percent les oreilles dans « Girlfiend », dans les sonorités futuristes rondes certes, mais aussi dans la manière de passer sur la guitare un traitement funky. Croisé avec de la pop et des tunnels d’electonica (je ne sais pas exactement ce que ça veut dire, mais je trouve que ça sonne bien) qui donnent aux morceaux cette fluidité mélodique remarquable.

Le bal se clôt sur un titre proverbial « Armistice » un mot cher aux imaginaires collectifs français. La fin en somme du bombardement, pictural comme musical qu'a constitué cet album. La bataille est terminée, bouleversée et indécise jusqu'à ses derniers tressaillements. Les derniers moments de bruits et de fureur suspendus au milieu du silence. Comme ces instruments qui vont et qui viennent, avec leurs rengaines morbides et répétitives, dans un vacarme assourdissant jusqu'au silence télégraphique, lancinant et suprême.

Voilà mes amis, le hussard du rock est à terre, anéanti par sa dernière charge. Le sabre sali par la boue du champ de bataille, hébété par le fracas mille fois répété de la chair et du fer. Fourbu par tant de cavalcades et de charges aussi vaines que désespérées. Il lève à présent les yeux au ciel, ébloui par le soleil d'Austerlitz. Et il finit enfin par se rendre compte que c'est de ce celui ci que l'on forge les plus belles gloires.

Oui, décidément, l'empereur n'avait pas menti.

Rock and Roll in your daily life (part 9)

2010-02-06T16:06:00.011+01:00

Occupé par une vie aussi remplie qu'excitante, je n'ai rien pu poster ces derniers temps.
A mon grand désarroi. Alors voilà, je fais un petit retour en douceur avec une modeste contribution à même de redémarrer la machine, tel le starter d'une vielle Volvo. C'est toujours pareil, on sait que ça va être chiant et dur, mais qu'un jour ou l'autre, la caisse va redémarrer dans un hoquet bruyant.
Ce carton qui traine dans ma chambre depuis le retour de big LDN, m'obsède. Bourré de livres et de cours, qui, un jour ou l'autre finiront à la cave. Mais dans cette histoire, le contenu est secondaire.Trop flemmard pour le descendre, je préfère contempler le magnifique logo qui rappelle indubitablement celui du fameux label mancunien Factory Records. Très étrange pour un carton contenant à l'origine du matériel médical.

Quoique, quoique...mais oui :

"In the hand of one of the assistants, she saw the same instrument which they had that morning inserted deep into her body"

Oui, no life at all in the house of dolls, no love lost, no love lost.

Le rock français sur boite vocale (part 2)

2010-01-13T18:30:00.005+01:00

Alors que je rêvassait benoitement sur un escalator du RER, accoudé à une courroie de caoutchouc collante, mon regard perdu dans le vide, quelque part entre les catégories "mattage passif " et "to do list" a eu l'impudence de tomber sur ça:

Je ne voulais absolument pas tomber dans dénigrement à la petite semaine ou le LOL poster, mais la quand même...
Sérieusement les mecs, vous êtes Indochine. Vous battez le pavé médiatique musical français depuis les années 80 (avec de bonnes périodes de creux, certes). Toutes les adolescentes goth-punk-rebelle-clous-larmes de sang de Paris, proche banlieue et Province ont des posters de vous dans votre chambre.
La bande passante réunie de tous les skyblogs qui vous sont consacrés nourriront plusieurs générations d'ingénieurs télécom et leur famille étendue, et vous vendez encore des albums.

Bref, ON CONNAIT VOS TRONCHES LES MECS !!! Pas la peine de nous infliger ça. Sérieux, le shooting avec Mondino, vous êtes surs ? Ben merci de confirmer ma théorie déjà fort ancienne: le rock hexagonal grand public est mort avec Téléphone. Pas convaincus, sceptiques ? Alors mes amis, que pensez vous de ça :

La fameuse pochette de l'album "Crache Ton Venin" sorti en 1979 chez Pathé Marconi EMI. Une pochette qui, une fois le plastique retiré donnait ça :

Roooh, mais comme c'est bizarre ! Je vous le donne en mille, le nom du photographe auteur du forfait est... Jean Baptiste Mondino. Troublant n'est-ce pas ?Oui, je suis d'accord.
Alors de deux choses l'une : soit Mondino est en panne d'inspiration et est devenu une crapule qui recycle ses idées vieilles de trente ans, soit un des groupe les plus sexuellement ambigu de France est en cruel manque d'inspiration.

C'est quand même dommage, surtout quand une maison de disque (aussi en crise soit-elle) et un tourneur (qui se gave) est derrière ton groupe, avec un budget pub avoisinant le budget du ministère de la défense suisse.
Quand tu peux faire du carpet bombing et ainsi repeindre la jungle urbaine à ta fantaisie en payant un magnat des médias fortuné excentrique et son armée de bonshommes fluos, tu fais autre chose qu'une resucée de la fin des 70s.
Des armées de graphistes et artistes en herbes crèveraient pour te pondre des dessins colorés et des designs complétement fous et revolutionnaires à même de rompre la morosité du quotidien.
Puis par là, attirer le regard de ta cible, ou celui des autres connards blasés comme moi qui tirent la tronche. Ça s'appelle "le touchpoint".
Je parle ne même pas de toute la génération qui a connu, écouté et acheté du Téléphone et qui n'est pas dupe une seule seconde de la supercherie. Dommage pour une dépense de plusieurs centaines de milliers d'euros. Pour preuve quelques verbatims de proches amis :

"It's, hum...How do you say it in french...du gachis"

-Mick Jagger-

"Ah-ha-ha. Ever get the feeling you've been cheated?"

-Johnny Rotten-

On pourra juste dire que dans ce post, le plus dur aura été seulement de ne pas porter de jugement de valeur musical. Bonsoir à tous.

Why villains always blink their eyes

2010-01-01T14:10:00.018+01:00

Le Velvet underground est le meilleur groupe de l'histoire du rock.
C'est avec ce genre de phrases péremptoires, presque autant que Lou Reed himself que l'on réveille une bande de glandeurs ensuqués par quelques semaines de bombances festives.
Maux de ventres, selles molles,gueules de bois, bourrelets, alka seltzer et tout le toutime.
By the way, ne comptez pas sur moi pour me faire le pourfendeur de cet autel sacrificiel consumériste de fin d'année. Après mon vibrant plaidoyer pour la douchebag nation, cela ferait désordre.
D'ailleurs, que voudraient-ils, tous ces bobos larmoyants, que l'on réveillonne avec des salsifis cuits à l'eau? Que l'on arrête de se ruer dans les magasins et cesser de consommer, et perdre ainsi les quelques emplois qui nous restent, chez les pâtissiers, les commerçants et autres alcooliers internationaux?
Non, non, un peu de bon sens voyons...Trêve de coups d'épées dans l'eau aussi insignifiants que circonstanciés.
Je ne vous ferais pas l'affront de vous rappeler combien ce modeste blog aime, adule et adore cette formation new yorkaise séminale et fondatrice, vous en trouverez les preuves ici et là.
Seuls quelques albums de ce groupe sont encore épargnés par notre furia velvetomanianesque, tort que nous allons combler un peu plus avec ce billet.
Mais pas de panique mes amis, vos oreilles, déformées quotidiennement par de la pop guimauve insipide, de la minimale merdique (car seulement bien quand elle s'écoute bourré et défoncé le tout entourées de nymphes dévêtues) ou de la varietoche qui ne dit pas son nom (genre chanson à texte sous vernis indé) n'ont ici rien à craindre.
Pas de violon torturé, ni de guitare fuzzy. Niet, nada, wallou.

Que du bon commercial.

Mais comment? Mais pourquoi donc? Comment ne pas retrouver la décadence grise et morbide traduite en notes? Comment ne pas dresser la juste et vraie fresque sonore de ce vice urbain quotidien, de cette dépravation habituellement assumée?
Et bien pour la bonne et simple raison qu'en cette bonne année 1970, Lou Reed et John Cale s'embrouillent, clash final. Le violoniste musicologue surdoué et torturé capitule, range son archet, son lutrin et se taille.
Idem pour Maureen Tucker, la batteuse rouquine cultivant soigneusement ses beats d'Homo Erectus se barre aussi, en cloque jusqu'aux yeux. Les fans moyens sont médusés, cette batteuse à la démarche d'ouvrier du BTP, n'était manifestement pas si lesbienne que ça !

C'est donc avec un nouveau line up que Lou Reed arrive en studio, assisté par un nouveau venu, Doug Yule, un musicien enthousiaste content de faire partie du voyage.
Notre Lou se pointe donc détendu, soulagé ne ne plus avoir à faire face aux tensions continuelles l'opposant à Cale. Il se pointe avec dans ses poches, parmi quelques sachets de substances aussi dangereuses qu'illicites de très bonnes et assez anciennes chansons et une ferme envie de chatouiller le Top 50 US (aussi bien pour des raisons de contrats que d'orgueil personnel, des motivations récurrentes chez le personnage).

Le ton de l'album est donné d'entrée de jeu avec "Who Loves The Sun", la voix mélodieuse de Yule se cale parfaitement aux riches chœurs et harmonies vocales qui se déploient en canon. La richesse mélodique et ces entremêlements de voix prennent à contrepied l'auditeur de la rue, voyant ce groupe comme une clique de drogués nihilistes. Ne nous laissons pas tromper par ces merveilles pop, le Velvet n'a pas changé, les petites comptines douces ont toujours fait partie de l'aventure, et ce, dès le tout premier album.
L'album démarre fort, car il ne faudra pas aller plus loin que la deuxième piste pour trouver un véritable hit, "Sweet Jane" repris par tous les groupes dignes de ce nom et mêmes les fanfarons les plus moqueurs à l'instar des Cowboy Junkies et de Starshooter.
La voix granuleuse de Lou Reed, même fragile au moment de l'enregistrement se déploie avec la rondeur et la bonhomie d'un bagel new yorkais.
Que dire alors de la mélodie simpliste, cette ligne de basse affriolante, de ce tempo parfait, portant admirablement un songwriting poussé, poétique. On est là nous aussi, assis au coin du feu, la TSF branchée en compagnie de ces middle classers compassés.
L'introspection profonde continue avec "Rock And Roll", la fameuse rock and roll radio chantée elle aussi plus tard par les Ramones. Cette chanson est largement autobiographique, Lou Reed ayant toujours affirmé qu'il avait découvert la musique via le poste de radio familial, duquel sortaient les airs les plus merveilleux qu'il n'ait jamais entendu. C'est le petit Lou, fan absolu de Bo Diddley qui chante ici.
Le côté laid back et détendu de "Cool It Down", son piano et ses voies overdubées place directement le groupe dans la grande traditions de ces premiers groupes de pionniers rock (et plus particulièrement rockabilly à l'époque). Mr Reed a d'ailleurs confessé depuis qu'il n'a jamais été capable de sortir un blues décent, seulement des tocades rockabilly héritée de son enfance.
"New Age" est un récit doux amer intimiste narrant la rencontre entre une vieille gloire du grand écran et un fan transi. Les chœurs étouffées et les pistes d'harmonium vous réserveront quelques surprises.
Ces belles exécutions, diablement bien livrées ne doivent pas nous faire perdre de vu le fait que le Velvet est avant tout un sacré groupe de rock. Une base inamovible de guitares grattées à l'os et de batterie percutante "Head Held High" tombe à point pour nous le rappeler. Si la voix se fait plus éraillée et cassée, c'est encore des souvenirs d'enfance que le groupe touille et remue.
Les mythes américains ne sont pas épargnés, "Lonesome Cowboy Bill" mêle cowbell groovy et yodel focenné. Les parties de guitares s'égrènent se suspendent, chutent et repartent. Ce n'est plus une chanson, c'est une bagarre de saloon. Le far west existe encore.
Si la chanson en question fleurait le whisky et la graisse à cuir, la suivante est faite d'un tout autre bois. On jurerait que le groupe a piqué des albums aux Beach Boys et aux Beatles, les détroussant de leurs harmonies vocales. Lou reprend le dessus à mi-chanson, en parlant son texte sur une délicate mélodie, comme l'écrivain-chanteur qu'il a toujours souhaité être.
La seule once de dureté dans "I Found A Reason" est cet effleurement de guitare distordue lancinante.
"Train Round The Bend" prend le contrepied total dans un retour aux sources, piano et guitares chuintantes, irritantes et crispantes comme des cigales électriques méridionales. Le genre de son répétitif qui vous transperce les oreilles pour vous percuter le cerveau. Le chant se libère et avec lui sa cascade d'onomatopées primales.
Lou reed a toujours dit lui même que la plupart de ses chansons tenaient sur 3 accords maximum. On jurerait que la chanson suivante a été calquée sur ceux de "New Age".
"Oh! Sweet Nuthin'" pose la même ambiance Jazzy et décontractée, cultivée dès 1965 avec la naissance même du Velvet Underground. Le solo s'étend, comme si le groupe ne voulait pas refermer le chapitre de l'histoire de l'un des groupes les plus influents de l'histoire du rock.
Et puis l'aventure meurt ainsi, avec un soupir posé sur un dernier accord plaqué. Et un Lou Reed qui se voit à présent dactylo dans la boite de son père (véridique).

Car oui, c'est un des traits majeurs de Loaded, une collection de petites madeleines de Proust.
Des balades plus sucrées, taillées pour un format FM. Certaines réussiront en effet à percer. D'autres, (d'aucun diront les plus intéressantes) iront rejoindre les piles d'invendus poussiéreux de Tower Records sur la 5ème. En attendant qu'un touriste s'en saisisse, à 4$ avant la fermeture définitive, comme un souvenir de NY, au même titre que la casquette des Yankees et de la boule à neige de la Statue de la Liberté.
D'autres paieront plein pot pour des éditions augmentées, valant largement le coup, avec leur plein de face B fortes et magnifiques qui essaimeront jusqu'à la période "Berlin".

C'est peut être ça cette fumée rose qui remonte les escaliers, les bribes vaporeuses d'un pays de cocagne que certains ont une dernière fois relaté, avant s'éclipser, pour réapparaitre ailleurs. Les ferments du Lou Reed solo des vingt prochaines années était bien là, cachés dans la bouche de métro.
Faites gaffe la prochaine fois que vous ferez biper votre passe navigo, vous pourriez bien les croiser.

De l’art d’être un douchebag

2009-12-13T00:58:00.009+01:00

Je suis profondément désolé, mais je quitte quelques instant (comme très souvent) le giron du rock bête et méchant. Nous allons feuilleter ensemble quelques de ces pages HTML poisseuses pour nous rendre directement au rayon « art de vivre »

De nombreuses expressions d’origine nord américaine s’insinuent peu à peu dans nos habitudes culturelles et linguistiques.

Si beaucoup tiennent du milieu professionnel

« Hé Gerard, tu nous fait un reporting du ranking asap concernant le mapping, grouille, enfin, je dis ça, c’est juste pour être corporate… »

Vous remarquerez bien sur que les plus fervents adeptes de ce type de langage ont un niveau d'anglais atrocement en bas.L'acculturation américaine est bien plus intéressante et instructive quand on récupère celui de la rue.

Qu’elles aient battu le huileux macadam new yorkais ou l’aride bitume de Sacramento. Car elles se chargent, au fur et à mesure de leur évolution et de leur développement de significations simples, aussi imagées que croustillantes.

Une des plus merveilleuses est un terme péjoratif, décrivant les beaufs stupides, imbus d’eux même et fiers de l’être. Ce terme est celui de « douchebag », un terme hérité du vocabulaire médical. Décrivant un objet assez spécial, aux usages plus que scabreux.

En bref, le douchebag est un gentil blaireau imbu de lui même, cultivant un style vestimentaire profondément affirmé et revendiqué, ainsi qu’un style de vie communautaire et grégaire.

Leur terrain d’action et d’expression privilégié étant celui des soirées.

Ces aventuriers de la nuit s’adonnent lors de celles ci à leurs activités favorites. C'est-à-dire : la consommation de grosses quantités d’alcool (souvent à l’occasion de jeux à boire régressifs), la démonstration de virilité sans retenue, la blague grasse et stupide et bien sur la drague intensive des filles les plus aguicheuses et légèrement habillées de la soirée.

Et bien, mes amis, c’est ici un plaidoyer, que dis-je, un cri d’alarme lancé dans les limbes du web. Vous allez me demander pourquoi. Et je vais vous répondre.

Que cela vous plaise ou non, les douchebags sont les derniers hommes libres de notre temps.

Dans un monde bridé par les conventions sociales et les certitudes entendues, ces garçons là sont les derniers tenants de la liberté, des poètes du quotidien et des adeptes forcenés du décalage. Aux même titre que les surréalistes, ils traduisent par leurs actes un certain de degré de liberté et d’indépendance.

Le fait d'effectuer des actes réprimés par les conventions éthiques et morales collectives constitue une véritable révolte en soi.

Celle de l’indépendance et de l’insolence, aussi idiote et stupide qu’elle soit. On rejoint ici la première étincelle primaire et sublime dans la prunelle du sans culotte de 1789.

Cette étincelle immédiate et irréfléchie, celle dont ont fait les plus grandes révoltes et les plus grands mouvements.

Sans le relais de ces braves douches, thuriféraires et gardiens sacrés de cette furia irraisonné, celle dont on peut faire émerger (à condition de la maitriser au bout d’un moment) les plus grandes choses.

Croyez-moi, sans cette dernière, Diderot, Voltaire, Rousseau, Danton, Robespierre et consorts ne seraient pas allé bien loin.

Alors certes, leur révolte quotidienne, involontaire, vaine, dérisoire, emprisonnée dans certains contextes et périodes fixes, très strictement limités dans l’espace et le temps.

Les douchebags ne sont pas des Che Guevara sponsorisés par des marques de gel douche.

Disons le, ils sont même atrocement con.

Mais...

La prochaine fois qu’en soirée, vous les croiserez, bien sûr moquez vous d’eux, bien sûr soyez outrés par leur attitude, bien sûr, considérez les de manière hautaine, mais faites le comme vous le feriez d’un attachant ancêtre cro magnon.

Un ancêtre, qui après quelques verres d’alcool nous ramène à nous même et à nos contradictions.

Un reste d'animal politique merveilleux, sociable, fort, et fier de l'être. Chérissez les comme des briques de Lego, celle dont on bâtit les plus beaux édifices

Oui mes amis, renier le douchebag, c’est renier une partie (plus ou moins importante) de nous même. Que vous le vouliez ou non.

Et mesdames, vous pourrez même lui faire un petit bisou, il sera tellement content.

Si vous voulez en savoir plus, voici une mine d'info sur les douchebags du monde entier.

Aller, je retourne écouter quelques bon albums de rock pour vous en parler ensuite.

PS: Je sais que j'ai un probèle de CSS, je bosse dessus, merci.

La danse des zombies

2009-11-15T00:49:00.011+01:00

Comme chacun est sensé savoir depuis Roméro et Argento, les zombies sont insensibles aux balles, du moins sur le long terme. J’aime bien les films de zombies quand ils sont bien faits et souvent quand ce sont les zombies qui remportent la partie malgré les canons sciés, les katanas et les vieilles phaétons 50’s pimpées façon Evil Dead avec des sulfateuses et des gentes platine.
C’est toujours plus drôle quand c’est finalement ces beaufs de undeads squatteurs de Mall qui raflent le pot, arrachant au chrono dans d’ultimes efforts les derniers nichons des héroïnes jailbait- yankees- hystériques qui malgré le fait qu’on puisse se procurer un Glock en allant signer un contrat d’assurance n’arrivent pas à charger une Kalachnikov alors qu’un africain de 10 ans défoncé à l’héro aligne des pièces de cinq centimes à cent mètres sous 40 degrés en matant le dernier Desplechin sur son laptop.
C’est là sans doute l’avantage des undeads d’écouter du garage malgré leur lenteur sans doute causée par des décennies à se faire chier vivant à écouter MGMT et les Fleet Foxes en pensant que peut être le prochain White Stripes ne sera pas trop mal et qu’on pourra prendre le Noctilien ou rouler bourré en Velib en l’écoutant sans avoir honte.
Les zombies sont les vengeurs magnifiques, parangons ad patres de mythologie punk (la seule). Comme tous les autres badass qui ont essayé un jour de changer le monde et ont finis crevés ou retirés à fumer des joints de thaïlandaise dans des vallées californiennes, les damnés sont les justiciers rock n roll post mortem...

Aussi, à l’image de Matt Murdock qui écoutait sans doute Ben Harper avant de devenir DareDevil et passer cash à du Dick Dale en lattant des techniciens braille d’ascenseur, ou Johnny Blaze, forain foireux fan des Eagles, transcendé en Ghost Rider broyant l’asphalte et hurlant du Monster Magnet, on serait étonné de savoir ce qu’écoutent ces anciens bobos quechuas en poussant leur caddie et en bavant d’inextinguibles diatribes (qui pourraient s’apparenter à du Birthday Party en yaourt). On serait étonné de retrouver dans leur Ipod de chair, pelle mêle, ni plus ni moins que du Link Wray, du Hasil Hadkin ou du Teenage Jesus and the Jerks. Ces goules sont la représentation sordide du prix à payer, notre purgatoire et notre apocalypse en somme, étape ultime avant d’accéder à la teuf ad vitam aeternam avec open bar Corona, schoolgirls 60’s lascives et battle slam Adolf versus le reste du monde. Quoiqu’il en soit, on y passera tous un jour, et, forcé d’écouter les Ramones en titubant de notre jambe en lambeau, on arrachera nous aussi fièrement les guiboles magnifiques de nos anciens pairs qui pensaient tout comme nous que tolérance faisant loi, on pouvait écouter impunément Coldplay en faisant ses courses de thé japonais au dailymonop du coin.

Voila comment j’en viens au gun club, car finalement s’il devait y’avoir une divinité testamentaire en un au delà zombie, c’est sans doute Jeffrey Lee Pierce et son gang cannibale qui porterait dignement le flambeau salvateur, haranguant les cohortes boiteuses à aller bouffer les oreos des derniers salauds qui pensent encore que Queen est un groupe respectable. Leur histoire est donc un peu la notre, tantôt glorieuse, tantôt poisseuse, d’une rédemption incertaine. Ici, c’est de malédiction dont on parle, cette même malédiction du génie qui fait encore mouiller la lettreuse en robe-baggy et vans, persuadée que le génie est beau, adolescent, torturé, mélancolique, forcément rimbaldien. Non le génie est gros, sent la pisse et la mauvaise piquette, le génie porte les stigmates de son rayonnement, le génie est un martyre ordinaire, ni plus ni moins qu’un monstre parmi les autres. Cet horrible génie là meurt dans l’indifférence, ayant égrené comme des chapelets des giclées acides de blues blanc dans les bars de L.A, défié le diable avec imprudence afin d’entrevoir un royaume de secrets non révélés. C’est aussi ca être un génie, ne plus être pilote en son navire et naviguer les yeux bandés un étage en dessous de la ligne consciente de flottaison…

Alors que les années 80 et Mtv s’évertuaient rigoureusement à digérer et à vomir sous la forme ignoble des Clapton, Vaughan and co les derniers vrais vestiges de toutes les quêtes de rédemption et de transcendance (le Crossroads de Johnson, l’illumination et la philosophie de Crowley etc), ces fossoyeurs à l’image des Cramps dont ils ont un temps partagé le guitariste Kid Congo Power, s’amusaient en toute impunité avec la sous culture pop/tribal américaine, reprenaient Hasil Hadkins , Elvis , se grimaient en pin up de la Hammer et vampirisaient le blues du delta sur fond de passionnât punk. Fire of Love en ce sens est une déclaration d’intention, le premier volet d’un triptyque éventrant à la hache les racines du mal.

Dirions nous que c’est peut être ça le truc blues authentique, une guitare seule, ivre, trébuchant sur les notes dans des soubresauts convulsifs d’aigus et de graves, des slides paresseux voilant les notes et les énervant jusqu’au mince file tendu de leur agressivité, de leur délicate ultra violence. Aussi le gang De Jeffrey Lee Pierce prêchait le blues, donnant à boire dans des coupes sanctifiées le ventre mou de l’Amérique du Mardi Gras, de Salem et des troubadours cajuns, hurlant à qui voulait l’entendre les psaumes écorchés des terres rouges et les comptines hillbillies de pauvres bougres venus voler le soleil et invoquer la pluie. Le gros Jeffrey jouait à réveiller les morts, pillait les tombeaux des grands mythes nègres, dansait dans des cercles de feux en marchant pieds nus sur les dernières braises incandescentes de la désillusion punk.

Il faut entendre sa voie s’enrouler et percuter à pleine vitesse les lignes de riffs épileptiques de « Sex Beat » qui introduit l’album, décrivant l’attraction malade des corps, la danse convulsive des amants au bord des piscines de motel dans la moiteur du sud californien. Il faut capter l’énergie primitive, tout ce sang qui irrigue le cerveau. Musique déraisonnable, blues psychobilly indécent joué les tripes à l’air devant les falaises. « Preaching the Blues » (repris de Son House) annonce la couleur, c’est un sacerdoce, une quête de sens, une irrépressible ascension profane. Jeffrey s’égorge, fait face aux démons des grandes plaines en chevauchant les arpèges comme autant d’Hurricane cocktails avalés à la volée dans un bar de la Nouvelle Orléans. Et quelle voix, bon Dieu, quelle voix… Celle-ci colle avec la même rage aux complaintes énervées qu’aux ballades lumineuses sur fond de violons à la John Cale. Car Jeffrey était aussi un poète beat, un voyageur des périphéries. « Promise me » comme « Brother and Sister » sur « Miami » ou « Moonlight Motel » sur « Las Vegas stories », suggères les drames de stations services et l’étrange mélancolie des routes de nuit, les phares collées à l’asphalte; romantisme road movie sur fond de swamp country, voyage guidée par les lignes et les flashs lumineux qui passent à toute vitesse et s’effacent en une danse psychédélique dans le fog des marécages.

L’hypnotique bottleneck de Kid Congo entre à nouveau en éruption tandis que Jeffrey retrouve son groove insolent sur le brulot suivant. Si Morrison hurlait touche me, c’est la pointe de l’aiguille qui touche ici sur « She’s like Heroin to me », et à l’amour (physique ou pas) d’être une addiction de plus, une source violente d’extase et une irrépressible chute (« she’s like heroin to me, she can not miss a vein »). Et le prêcheur fou de dégainer à nouveau ses grigris de marabout sur « For the love of Ivy », tribute furieux à la déesse des Cramps ensorcelée où le groupe fait le lien avec ses pairs, la boucle est bouclé, (« You’re just like an Elvis from hell. »). Il en faudra peu après au Pierce pour s’aventurer et se perdre dans un mysticisme païen, descendre dans les enfers après avoir traversé le Styx sur un radeau d’opiacé, voir si Elvis jamme avec Johnson ou si Hendrix tricote des notes de Stratocaster avec des morceaux de lave en fusion.

La verticalité prend ici tout son sens, à la fois Orphée et Prométhée, Jeffrey dégringole dans les abysses et gravit les volcans, portant des coupes de feu et se faisant voyant sur « Fire Spirit » (« I can see clearly from my diamond eyes »). Aussi, cet état révèle les fantômes des larrons maudits qui hantent les tableaux de l’Amérique, voyageurs crucifiés, vagabonds errants écorchés par la vie, zombies d’interstates laissant des trainés de souffrance et de mauvaises histoires. Comme sur « Ghost on the Highway », le furieux « Jack on the Fire » ou le presque goth « Black Train », Jeffrey embrasse à la mort ces spectres qui sont les mythes de l’Amérique alternative, se confondant en bluesman alligator sur l’inquiétant « Cool Drink Water » pour finir dans un dernier soubresaut rock n roll avec « Goodbye Johnny » comme il a commencé, en conteur amoureux et damné.

Un zombie d’opérette finalement que ce Jeffrey, le genre qui pourrait dire des vers de Bukowski en laissant filer sa rage comme un train de nuit dans lequel pioncent encore quelques clodos célestes, arrachant à la lune des histoires à dormir debout. Jeffrey après cela devancera sa propre réincarnation anthropophage et contrairement à Huysmans choisira la bouche du fusil au pied de la croix, c’est quand même beaucoup plus rock n roll.

Maxence

Maxence, le retour

2009-11-14T17:45:00.006+01:00

Les lecteurs les plus fous ou les plus assidus d'entre vous auront repéré parmi ce tas d'immondices scripturaux de belles contributions de rédacteurs extérieurs. Ceux-ci soulageant, éduquant et divertissant à la fois le taulier de ce blog.

L'une de ces plumes (il n'y en a eu que deux après tout) a été tenue par le sémillant et bouillonnant Maxence, un des hommes ayant vécu sur terre les plus concernés par le rock, depuis Iggy Pop.
On lui pardonnera pour cette raison son obsession pour les Jeunesses Populaires et les femmes chauves.
Pour vous faire patienter, vous pouvez vous (re)délecter de son précédent forfait commis sous cette URL.

Vous pourrez ainsi fantasmer sur le sujet et la teneur de son prochain papier, l'un aussi excitant que l'autre.

Le post en question arrivera très vite, je ne suis pas si sadique. Alors sortez le whisky, videz les cendriers et serrez vous sur le canap'.

Thank you, come again !

2009-10-13T17:36:00.018+02:00

L'inde occupe une place à part dans le panthéon des imaginaires du rock.
De la période indienne d'Harrison à la grande utopie Woodstock, on a souvent lié ce pays au mouvement prog' et hippie, joints chargés, patchouli et atonie à tous les étages. Des hordes d'occidentaux partirent pour Pushkar et son lac sacré, certains sont restés et sévissent toujours, en peignant sur des serviettes éponges d'atroces champignons hallucinogènes hilares fluorescents faisant la ronde.
Vous l'aurez compris, ils se trompent. Les Indiens se foutent royalement de toute notion de musique rock.
Je revois encore Kooldip (aussi sympa en vrai que son prénom) faire une petite moue embarrassée sur les plus grands titres des Beatles et jubilant la seconde d'après sur une espèce de merde RNB indienne suraiguë saturée de vocodeurs et de violons électriques.
Autant le dire tout de suite: J'ai compris que le rock hindou était une douce illusion occidentale entretenue par Ravi Shankar, feu Georges Harrison et Anton Newcombe. Tous d'excellents musiciens mais déformant allègrement la réalité (n'est-ce pas d'ailleurs pour cela qu'on les aime autant?).
Il manquait une synthèse, un curry adouci, un tandoori délayé dans un peu de crème fraîche au milieu de cette violence auditive.
C'est heureusement chose faite avec Cornershop (ou l'épicier du coin pour les non anglophones), un groupe monté par deux anglais d'origine indienne. Leur démarche, aussi complexe et variée que drôle (imaginez un rappeur choisir pour blaze "L'arabe du coin de la rue"...). Dans cette formation, les frères Singh s'adjoignent deux autres anglais pour touiller ensemble rock, musique indienne traditionnelle, musique électronique, et parfois RNB tendance vieille soul.

N'ayons pas peur des mots, l'album ouvre en trombe avec une charge aussi choquante que monumentale et bien exécutée, elle a pour nom "Who Fingered Rock'n'Roll". Les cithares aussi fainéantes qu'acérées soutenant un chanteur moderne sur un fond de guitares coupantes outrageusement 60s couplé avec des cœurs évadés d'un double album d'AC/DC, tout est juste irréel.
Le clip est un petit chef d'œuvre à lui tout seul, merci Claude.
Le deuxième morceau, s'ouvre avec autant de facilité et de joie de vivre que le premier rot d'un nouveau né. Ce titre nous embarqué vers un univers pop pscyhé accessible.
Un asile qui n'est pas situé dans la chasse gardée des stoners. Un vrai moment d'hindi pop (aha indie pop...ok) relax et décontracté. Le genre que l'on ressent sur le chemin de l'école par beau temps, les frères Singh vont à la "Soul School", la meilleure, celle où une interro surprise ne vous attend jamais.
Place à présent à ce que l'on pourrait qualifier d'interlude, "Half Brick", la naissance de l'interlude soul-funk tribute, du jamais entendu, à part sur quelque chanson oubliée de Pepe Deluxe.

Place maintenant à la chanson éponyme de l'album, "Judy Sucks A Lemon For Breakfast".
Un titre, qui, rien qu'à la lecture est vecteur de nombreuses promesses délicieusement implicites.
Ne laissez surtout pas votre imagination lubrique prendre le contrôle et penchons nous sur le cas de cette chanson. Une œuvre magnifiquement et délicatement ouvragée où se mêlent toutes sortes d'instruments clarinettes, violons, percussions, grandes harmonies vocales, trompettes,guitares dans une farandole aussi fine qu'équilibrée.
La chose est loin de l'ambiance bal musette Benabaresque que l'on pourrait s'imaginer.
C'est dans ce genre de moment que la pop anglaise habile évite les écueils de notre nation dérivant vite vers la Bourrée Berrichonne.
La ligne de basse gironde et les aiguillions électriques divers ont vraiment tout pour flatter nos oreilles fatiguées. Puis ce texte, que veut-il dire ? Quel est ce citron qu'elle suce au petit déjeuner, quand Jojo boit tout le jus du matin? Mystère.

A rajouter dans les inclassables de cet album "Shut Southwall Down", qui est une sorte de medley dance indianisant reprenant une conversation téléphonique en espagnol dans le texte.
L'influence indienne se fait plus évidente sur les mélodies décalées et ternaires de "Free Love". Chantée en dialecte local (avec le phrasé bouleversant du jeune premier de Bollywood, tous ces Deepaks, Dickeshs et autres Ravis chantant sur le toit des trains ou tout simplement dans l'espace) sur fond de violons et cithares.
Bonne chance pour comprendre le fond du texte, si vous n'habitez pas le quartier de la Chapelle ou si vous ne sortez pas de langues O'.
La magie opère sur "The Roll Off Characteristics (Of History In The Making)", les trombones tous droit sortis de Sergent Pepper ouvrent le bal aidés de cithares et de piano.
La chanson est constamment saupoudrée de petits riffs se mélangeant aux instruments avec virtuosité. La basse charpente tout le morceau et ajoute encore au joyeux et adroit bordel (dieu, ce piano!).
Sans aucun doute, ce groupe appartient bel et bien à une école mélodique anglaise de haute tradition (comme certaines bières d'abbaye).

Les musiciens ne perdent pas la main avec "Operation Push", une chanson si cool qu'on la croirait échappée d'une BO de Shrek ou d'un film de Judd Apatow. Les tresses d'instruments divers se mêlent aux discours de pasteurs évangélistes, on ne sait plus d'où sortent tous ces petits chocs et ces buzzements, cette montagne de micros sons. Les fab four évoqués dans le texte ne sont vraiment pas loin.
"The MIghty Queen" commence de manière plus traditionnelle, on sent que T-Rex n'est situé qu'à quelques décibels au dessus. Voilà du bon pop rock, pas le genre de daube qui traine sur OUI FM.
La piste suivante "The Constant Springs" est une envoutante mélopée vintage, elle débute sur le même riff que "In The Streets" de Big Star.
Ce titre sonne comme qui si vous jouiez à Pong sur votre Commodore, muzak à fond, en calbut' les pieds posés sur votre table basse en formica, un pétard aux lèvres le dimanche matin. Et oui, le bonheur tient à peu de choses.
La chanson suivante s'apparente déjà plus à la pop indienne jouée sur les transistors saturés et suraigus des bouges de Delhi et de Bombay. Les instruments tintinnabulent et les mambos tapent sur "Chamchu" (wtf).
Le folklore indien ne nous quitte pas non plus sur The Turned On Truth (The Truth Is Turned On), il rejoint même des cœurs soul tout de velours vêtus. Un peu plus et on se croirait au Live 8. Le signe que ce combo ouvert à tous les sons est fan de musique noire.
Les cathédrales d'harmonium et de claviers sont tout bonnement affolantes, se déploient et se déroulent comme par magie, un peu à l'image de ces économiseurs d'écrans à formes 3D multicolores qui rendent fous passé quelques secondes d'exposition oculaire.

Oui, c'est cela que nous Livre Cornershop, le psychédélisme du quotidien.
Ces jolies petites choses, si infimes et décalées, qu'elles charment autant qu'on les oublie en un seul éclair. Charge à vous, chers lecteurs, d'en garder le souvenir ému.

Fucking and punching

2009-09-15T17:35:00.016+02:00

Passons directement s'il vous plaît sur le non-événement de la énième séparation du groupe Oasis.
Une douleur que les frères Gallagher cesseront d'infliger à leurs fans, dès que leur pécule aura été transformé en pintes de lager anglaise (faiblement maltée), descendues le coude nonchalamment appuyé sur le bar de bois vernis et ciré d'un pub, lustré par des générations de gros hommes rougeots et quasi-chauves.
Un de mes amis, Claude pour être précis a développé à l'égard de cet album une théorie intéressante.
C'est ce que l'on appelle un album de réconciliation. C'est le seul capable de vous faire changer d'avis sur cette bande de lads en goguette.

Un pur ramassis de hooligans violents, imbus d'eux même, mégalomanes et monomaniaques, bagarreurs et fondamentalement anti-français.
Mes amis, c'est vous dire la qualité de la pièce que nous avons sous les yeux. Un album récent, mais remuant ce qu'il faut d'énergie et de grandiloquence naturelle vulgaire pour qu'elle puisse faire effet. Il faut dire que 2002 était pour le groupe une époque bénie où les tensions semblaient enfin apaisées entres des membres maintenant matures et calmes...
Force est de constater que l'effort démarre en trombe, comme une Austin Mini surgonflée, désireuse d'avaler le plus de route possible, et, pourquoi pas, celles du monde entier.
Les premières minutes de l'album ne nous contrediront certainement pas sur ce point. "Hindu Time", Un orgue sali et des guitares déviantes saisissent d'entrée l'auditeur, la voix du chanteur enrouée et fainéante fait quelque chose que beaucoup de gens avaient oublier : oser.
Oser tout, faire honteusement rimer "soul" et "rock'n'roll", parler de drogues, se laisser porter par des guitares. Cette ballade spirituelle et plane renoue enfin avec une grande tradition anglaise révérée par les frères Gallagher, ces fils d'irlandais composée des Who, des Beatles et autres Kinks.
Faites, vos valises le fucking rock and roll shebang repart, à fond la caisse.
Le complexe bordel s'efface et les sentiments les plus primaires reviennent, colère, haine et excitation pure, l'ADN de l'Homo Erectus se réassemble pour injecter des doses de testostérone comme "Force of Nature". Le surhomme de Nietszche réapparait, cristallisant sur fond de guitare énervées, couinantes et maltraitées. Noel règle ses comptes avec les groupies et profiteurs de tout poils, qui lui fument son herbe et lui piquent son blé, sans se faire trop de mouron.
Le western moderne des années 2000, c'est bel et bien Oasis, compacte et carré qui nous le donne avec "Hung In a Bad Place".
Un larsen brise le silence, laissant place à une cavalcade de Mustang. On imagine facilement les frères desperados dans le bon la brute et le truant, sautillants sur la pierre tombale du magot, une cravate de chanvre autour du cou, les yeux brulés par le soleils et les lèvres marron en lambeaux.
Le nord de l'Angleterre devient celui du Mexique et la tamise prend des goûts de Rio Grande.
Ces forfanteries prennent (momentanément) fin avec une chanson apaisante, pur moment de gentillesse et de consolation, ce qui est véritablement rare de la part de nos larrons. "Stop Crying your heart Out" et ses violons fait soudainement de vous le héros tendre et sincère d'une teen comedy américaine. Notre rêve à tous. Ces monstres auraient-ils in cœur ?
C'est d'ailleurs ce que beaucoup de personnes on reproché à cet album, être un mélange de guimauve facile et de flons flons un rien rentre dedans.
Pas démontés pour deux sous, les deux frères réitèrent le coup de la tartine à la fraise avec "Songbird", dont ont jurerait une reprise des Beatles new age. Les guitares acoustiques, pianos et tambourins se dépoussièrent, et on jurerait entendre le talon de Mac Cartney battre la mesure sur le linoléum d'Abbey Road.
Ils faut dire que les Gallagher on un certain dont pour les formules pleines de morgues, si solanelles qu'on les prendrait pour les auteurs des premiers mots de la constitution américaine. "Little By Little" n'est pas qu'une ôde à la fratrie virile. Il faut entendre la guitare crier aux alentours de 3 minutes 30, et les accords tout droits sortis d' "Heroin", s'éffançant dans le silence pour comprendre la mission druidique de ces payens modernes.
"A Quick Peep" se rapproche quand à elle des petites saillies studios de l'univers 60s et 70s, le petit son d'orgue sonnant comme celui de Deep Purple en est la preuve.
Le groupe reste fidèle envers ses influences, avec des harmonies de voix éhontément piquées aux grand Fab Four. "Probably All In The Mind" tente juste de se demarquer par des solos de guitares, interminables se tordant dans les infinis dyonisiens qui transparaissent dans cet album.
On jurerarais "She Is Love" une trouvaille de titre du Brian Jonestown Massacre. La similitude ne s'arrète pas là, les parties de guitares folk, d'orgues et de tambourins se chargeront de vous en convaincre. Enfin la nouveauté, que de temps parcouru depuis 1995, année autour de la quelle a été touillé pour la première fois sur la côte west des états unis. La musique ne voyage donc pas vraiment à la vitesse su son (ohoh, quel bon mot).
L'album se termine par la plage la plus longue de tout l'album où ces deux blaireaux s'escriment à nous expliquer sans trop de conviction, ni de talent, qui'ls sont nés sur un nuage diffrent. Les choeurs sont vrailent faibles, pour une production de cette envergure, la seule touche un peu décevante sur l'album, dommage qu'il se finissent là dessus, avec des crins crins en bonus.

Mais voyez-vous, je pense qu'il l'ont remarqué, ce petit foirage de fin. C'est peut-être la raison pour laquelle ils ont recommencé à se foutre sur la gueule dès la tournée consécutive à l'album.
Tiens, comme, comme c'est étrange...comme... maintenant en fait.
Certaines choses ne changent jamais, d'aucuns diront que c'est réconfortant, et les autres (dont énormément de festivaliers) que c'est juste super chiant.

Traine - savates

2009-09-04T16:57:00.012+02:00

Pourquoi personne ne m’a jamais parlé plus tôt du mouvement shoegaze ?

Pourquoi mes amis fins connaisseurs, mélomanes de goût et autres musiciens de talent (n’est-ce pas à ses amis que l’on mesure la carrure d’un homme ? *hum hum éclaircissement de voix*) on-t-ils gardés pour eux cette pépite ?

Alors oui, certes, j’en avais entendu parler distraitement au détour d’une conversation, plus attiré par les sourires des filles et le fond de mon verre.

Certes encore, on subodore des choses, des fragments adjacents parmi d’autres discographies.

Des reverbs du Velvet, des plages noise de Sonic Youth, des échos des Pixies…

Puis finalement, dans certains magazines rock, on croise du regard quelques clichés comme autant de théâtres trompeurs et grossiers des apparences.

Ces jeunes au regard perplexe et quasi-absent, aussi bien habillées que des teuffeurs de province en guenilles, n’ont pas retenu plus de quelques secondes de mon attention (c’est mon côté Mauriac un peu réac’ que les filles adorent).

Bref, on s’était planté, mon cerveau et moi, par paresse crasse et fainéantise obtus, notre lot à tous. C’est mon devoir d’homme éclairé que de le combattre, même par le biais de cette tribune plus que confidentielle.

Mon passeport pour la rédemption intellectuelle sera l'album "Loveless", du groupe irlandais My Bloody Valentine. Un groupe moderne, pratiquant la parité avant nos chères lois républicaines (Bilinda Butcher et Debbie Googe aux basses et guitares et Kevin Shields aidé de Colm O' Ciosoig [ wtf ?] aux guitares et batteries).

La raison de ce choix est simple, cet album est sensé être la toute première base du mouvement shoegaze, un de ces blocs de granit ou de calcaire que l'on soit napoléonien ou egyptologue. Notre pinceau d'archéologue en main, nous pouvons nous pencher avec l'excitation intellectuelle du philatéliste sur cette gemme des fort décriées fin des années 1980.

L'album commence par le morceau le plus pop et grand public que le groupe ait réussi à produire sur ce gros gâteau d'échos, de saturation et de reverb. "Only Shallow" attaque fort, avec une guitare réglée par un cinglé, qui sonne comme des hurlements de Vélociraptor.

La voix féminine, pure magnificence éthérée et aérienne mixée en arrière contraste totalement avec le reste des instruments.

Dès l'écoute de la première chanson, on se rend compte que ce groupe d'extrémiste irlandais (un peu comme l'IRA) a l'ambition de dynamiter les conventions et de déstructurer les acquis d'une scène rock alors un peu endormie. Et cela marche. La provocation continue avec "Loomer", morceau déconstruit, tournant en boucle, toutes guitares retenues, attendant d'exploser, obsédantes. Un clavier dégueulasse porte avec lui les derniers oripeaux d'une New Wave mourante. Même le songwriting n'importe plus vraiment.

Les paroles, d'ailleurs s'envolent, sur "Touched" comme emportées par le vent comme des feuilles mortes, disparues, balayées par un clavier, des reverbs et échos de guitares inquiétantes, quasiment immortelles. Retenez bien ce son recouvrant absolument tout. Il étaye une de mes théories fumeuses : My Bloody Valentine est le dernier rejeton de la New Wave nordique.

Il s'agit pour s'en convaincre de prêter l'oreille à la chanson suivante "To Here Knows When".

Ce son qui paraît samplé, entêtant est tout simplement une marque évidente de la new wave tardive du milieu des années 80. Il suffira d'écouter "O Pamela" et "Gruesome Castle", deux bijoux du groupe Écossais aussi talentueux que méconnu The Wake. La ressemblance est flagrante, l'Irlande et l'Ecosse étant séparées par un petit bras de mer. Ces voix sous mixées et ses claviers éthérés attestent de la présence d'une même couche sédimentaire primitive, celle de la New Wave. Une chose qui va disparaitre après quelques accords américain bien bendés.

Ce son subsiste sur la chanson suivante "When You Sleep", qui vous propulse droit dans le futur, un refrain que l'on donnerait pour du Pixies. Une guitare dont la vigueur et le son donnent l'impression que ces notes ont le pouvoir de briser les rêves comme de simples bulles de savon. Les chorales de chanteurs se fondent et se mélangent comme une fête de fantômes vaporeux à la Hacienda de Manchester, avec le défunt Ian Curtis aux platines.

"I Only Said" et ses vagues de décibels parlent d'un ciel rouge, sous lequel on vit, peut-être celui de la jaquette? On ne sait plus si on entend véritablement un harmonica ou si l'on a tout simplement rêvé, la tête posée contre le réacteur n°4 de Technorbyl, avant que notre vision ne se brouille à jamais. Chaleur et lumière des atomes en fusions.

Sur "Come In Alone" on se rend compte que le son des Valentines n'est pas un hasardeux bidouillage mais d'une modulation habile de leurs guitares, qu'ils parviennent à faire sonner comme un baleine mourante (décidément, c'est le jour des métaphores animales).

Ces différentes tonalités leur permettant de brosser toutes sortes de palettes d'émotions.

Ce dont ils ne se privent pas de faire sur "Sometimes", où, groupe féministe oblige, Kevin peut enfin se tailler la part du lion au micro. Le résultat est à la hauteur de celui des demoiselles. Cette chanson nous donne aussi à voir que les thèmes New Wave, solitude, futurisme, poésie et amour en perpétuelle fuite n'ont pas changé.

La chanson suivante, confirme cette orientation, "Blown A WIsh" parle de mort certaine et d'attente, de promesses sur les coups de minuit. A cette heure si étrange ou tout paraît différent. On se laissera impressioner par la discretion de la batterie, laissant toute la place necessaire aux harmonies voix-guitares, la grande spécialité du groupe.

"What You Want" quant à lui a carrément des faux airs de "Teenage Riot" de Sonic Youth. On imagine sans peine à cette époque, à quelle saine émulation ont pu réagir les deux groupes.

L'album se clot sur "Soon" qui envoie la dernière dose d'énergie vitale, sa batterie affirmée, et Bilinda qui surfe sur les dernières saillies de guitares qui paraissent aussi coupantes que rugueuses, clouant sur place la voix trainante qui semble à présent s'étaler comme la traine d'une comète mourante.

Oui, cet album est la preuve de plusieurs choses. La première est que les groupes irlandais ont toujours sû cultiver une différence précieuse avec l'encombrant voisin anglais (des Undertones à U2, des périodes de ce dernier groupe demeurant à peu près valables si vous n'êtes pas un gros hipster de votre race). La seconde est la preuve que le vacarme des guitares saturées peut se permettre d'être majestueux, comme la mer ou un orage d'été. Ceci, en soi, est une grande leçon.

Alors après tout, bon, post-New Wave ou Shoegazing, qu'est-ce qu'on en a à faire?

Voilà, la faute est réparée.

Rock and Roll in your daily life (part 8)

2009-08-21T13:34:00.008+02:00

Beaucoup d'aficionados du Brian Jonestown Massacre savent déjà qu'arriver à comprendre le titre de certaines chansons cryptiques du aussi talentueux qu'allumé Anton Newcombe relève le plus souvent de la gageure.Il savent aussi que leur quête pour la révélation de la vérité les entrainera vers des paysages aussi exotiques que Mysterieux.
Pour ma part, un de leur titres appellé sobrement "Servo" est l'un de mes préférrés.
Mon esprit, complètement envouté par la magie de ces quelques minutes de musique se laissait bercer par des idéees aussi farfelues qu'oniriques. Parle-t-on ici du mental et de l'intellect humain, abrité par un servo déjanté? Est-ce une ôde aux servo-moteurs des fusées, capables de nous propulser vers les confins de la galaxie?

Je vous laisse imagner ma surprise lorsqu'en faisant une pause dans une station service Rajastani, je découvris que Servo était bêtement une marque de lubrifiant pour moteurs indienne. Un pays fort prisé par le sieur Tony. Quand on découvre la bête verité, simple, bien éloignée de toute révélation transcendantalo-mystique, on peut appeler cela...oui, une leçon d'humilité.

Maintenant un groupe de punk français et un groupe de rap anglo-saxon peuvent s'arranger pour négocier un contrat de sponsoring capitalisant sur le nom fort à propos de leur formation.

"Hey man, I'm big in India"

Le phénomène Twilight: tranche de romantisme MDD ou porte des étoile ?

2009-07-20T00:31:00.017+02:00

Ok ok ok, pas mal de gens me connaissent et savent qu’un de mes seuls et uniques buts dans la vie est de poursuivre de mes ardeurs des petites bourgeoises bien nées et aux minois fort plaisants. Si vous ne m’avez jamais rencontré je pense que vous avez pu le subodorer bien que mes goûts oscillent entre la mise en plis, perlouzes et petits fours (pas très rock, bien qu’elles en écoutent plus que la moyenne française, en comptant dans la catégorie les BB Brunes bien sûr) et les white trash du Kentucky, charmantes, fleurant la sueur sucrée, le gloss bon marché embaumant tout entier leur magnétisme juvénile vulgaire et effronté.

Les secondes n’étant pas légion en région parisienne et en proche banlieue, je me vois obliger de tourner mes efforts vers la première famille de nymphes : les bourgeoises.

Ce hobby me force donc naturellement à observer leurs mœurs, leurs us et coutumes, leurs hobbies et toutes sortes d’activités capables de me rapprocher de ces délicieuses créatures.

Celles-ci se pâment justement en ce moment même sur un film, que dis-je ? Une véritable saga realistico-fantastique moderne mettant en scène humains et vampires du nom de Twilight.

N’écoutant que le sens du sacrifice, du dévouement et de l’analyse qui me caractérise je me suis empressé de regarder ce film, un bloc note et une bière fraîche à portée de main.

Et bien je n’ai pas été surpris du tout, encore un teen movie poetico-romantico fantastique sur fond de nuages et de lumière bleuie dans la plus pure veine des experts Manhattan. Le scénario est même plutôt faible, bien qu’attendrissant. Une chose m’a cependant intéressé au plus haut point. Je laisserais ici mes oripeaux de satyre retardé et je vais parler d’un gros mot : la sensibilité. Twilight est avant tout la perpétuation d’un genre très ancien, celui du roman fiction historico-fantastique. Un style et un genre qui a connu de magnifiques heures sous les plumes de Schwob, Matheson, Lovecraft, et Edgar Poe. Il a eu en France des Représentant aussi distingués que Mérimée, et Victor Hugo. Pas le genre de roman de gare à l 'eau de rose pourri que vous pouvez trouver au Carrefour Market de Tournus en Saône et Loire. Je le sais, je les ais feuilleté après un plein de gazole et une traque pour un pack de panaché. Ce genre, ce film ou plus précisément les romans qui en sont à la base découlent en ligne directe de cette noble et prestigieuse lignée.

Nous retombons alors dans ma chère théorie fumeuse qui est celle des « portes d’accès », des succédanés assez intéressants et suffisants pour attiser chez le sujet l’envie d’aller plus loin et de fouiller ce champ culturel dont les racines vont souvent très loin.

Même si ces supports sont souvent considérés par l’intelligentsia comme vulgaires, fades, grossiers, approximatifs, putassiers voire carrément insultants pour l’intellect du consommateur de biens culturels. Ces personnes n’ont pas compris que ces supports sont facilement accessibles et attractifs, massivement diffusés et capable de toucher un public plus large, plus jeune et un peu moins ouverts sur les grands classiques de la littérature française et internationale.

On peut alors se prendre à rêver de voir ces chères têtes blondes se pencher sur tous ces beaux écrits, comme « Loki » ou « La couleur tombée du ciel », des pièces de littératures élaborées, sophistiquées passionnantes, pop, voir pulp avant l’heure et pas du tout prise de tête.

On parle aussi dans le film du morceau « Clair de lune » de Debussy, un grand pianiste romantique qui pourrait pousser ces jeunes adultes vers Satie et Berlioz, voire Chopin…Ils pourraient se cultiver librement, sans contraintes et surtout en se faisant plaisir, bref, l’épanouissement total dans la jouissance de l'esprit.

Je sais pertinemment que vous voyez déjà avec déception le sujet de ce post s’évanouir dans les limbes de mes divagations nocturnes, et vous n’avez pas tout à fait tort.

J’ai bien évidemment conscience de vos attentes et espérances concernant la scène rock mondiale et mes vues plus que hasardeuses et personnelles en la matière. Je vous prie de ne pas trop en tenir rigueur. J’avoue que Twilight comme thème craint un peu, mais je suis un peu comme Wilde (en un milliard de fois moins talentueux, bien sur), je regarde les étoiles allongé dans le caniveau. Ça donne un petit quelque chose agréable, un espoir un brin réaliste.

Puis j’ai fait une chronique de « Valse avec Bachir », donc ça rattrape ma street cred cinoche. La prochaine fois que je voudrais parler de ce que je ne connais pas, j’aurais la décence polie et la correction élémentaire de prendre un Godard que je porterais aux nues.

De toute manière, soyez honnête une seconde et avouez- le :

C’est aussi ça le rock, une conception très romantique de la vie, stylisée et poussée à l’extrême ce qui conduit souvent à des clichés malheureux du genre « Sex, Drugs and Whatever ». Si vous êtes assez bête ou fou pour croire au Rock avec un grand « R », c’est que vous êtes quelque part un romantique, il y a donc un peu de Twilight en vous, que vous le vouliez ou non.

Même si je suis sur et certain que ces crétins d’ados préféreront avant tout trouver sur le net des photos de Robert Pattinson et de Kristen Stewart à poil.

Voilà, la boucle est bouclée. On revient le plus vite possible avec une belle chronique d’album, argumentée, originale, sensée, drôle et intelligente. Promis.

Purple heart

2009-07-01T01:08:00.015+02:00

Tout le monde avait été trompé. Niqué. Entubé. Arnaqué. Une jeunesse stupide, dispersée aux quatre coins des cinquante états des Etats Unis d’Amérique vivait enfin son rêve. Ils avaient obtenu ce qu’ils voulaient. Les copains rentraient enfin du Vietnam, l’herbe circulait, leurs tomates bio poussaient bien. Le gouvernement avait enfin toléré l’existence de communautés autonomes dans le désert, enserrées dans des mobil-homes rouillés, hébergeant paisiblement des hordes d’enfants de l’amour dans d’épaisses volutes de prog rock psyché.

Ces gens là, comme beaucoup, avaient oublié. Oublié beaucoup, voire trop de choses. Surtout oublié que leur pays était finalement le plus génial du monde. Celui qui avait vu naitre le rock and roll et s’envoler Elvis, Chuck Berry, Buddy Holly et Little Richard vers des firmaments incroyables. Cette bannière sur laquelle ils crachaient, c’était eux tous. Cette énergie féroce primaire, cette spontanéité et cette sincérité, ils l’avaient perdu, égaré en route au tournant de la fin des sixties. Elle s’était définitivement étiolée et évaporée à chaque bouffée de joint, à chaque gobage d’acide. Ils s’étaient tout bonnement perdus en route.

Seuls des poignées de parias incompris continuaient en 1972 à touiller ce qui était considéré par la classe hippie bien pensante comme un brouet réactionnaire et passéiste infâme.

Ils répondaient au nom de Stooges, Velvet Underground, New York Dolls. Les francs tireurs, les derniers des mohicans, réunissant des poignées de partisans éparts et agitant le maquis à grands coups d’albums terminaux, de concerts sauvages et de happenings réjouissants. Des passeurs pour les générations futures. Ceux qui nous intéressent ici sont les plus méconnus d’entre eux : les Moderns Lovers.

Les moins connus car les plus classiques, conformes et sages. Cette apparence ne saurait pas égarer le jugement du mélomane averti. Le leader charismatique des Lovers était en effet Jonathan Richman, bon à rien et fan notoire du Velvet qui file rejointe son groupe fétiche à New York sitôt le bac en poche. Il traine 9 mois las bas à squatter le canapé du manager du groupe et rentre dans sa Boston natale (ville aussi fertile de groupes que la grosse pomme, les Pixies vous le confirmeront), métamorphosé, il se met dans la tête de créer chez lui un groupe au moins aussi bon. Il sonne chez un vieil ami d’enfance et guitariste John Felice, le bassiste Rolf Anderson et le batteur David Robinson qui répondent présent. Les deux derniers claqueront la porte un an plus tard. Pour être remplacés par des étudiants de Harvard (oui Madame), Erny Brooks et Jerry Harrison. Richman porte les cheveux courts et le complet cravate, bardé de ses deux nouveaux acolytes, ce groupe n’incarne pas les clichés rock de l’époque. Le groupe joue dur, tourne dans la région de Boston et écrit ses premiers morceaux qu’il enregistre pendant des sessions parfois entrecoupé d’un an. Le combo est finalement signé sur Warner et parvient à décrocher comme producteur John Cale, en bon fanatique du Velvet. L’album éponyme qui nous intéresse ici aura donc été enregistré à la coule, durant maintes sessions et en différents endroits sur plus de 4 ans, car sorti en 1976. Album d'ailleurs sorti après la dissolution du groupe, un véritable patchwork pour que la major puisse enfin se mettre quelque chose sous la dent et remplir les caisses. Une trajectoire cométaire illustrant parfaitement le style détendu et carrément j’men foutiste du combo.

Pas de performance vocale, de torse poilu dégoulinant de sueur. Une nonchalance provocante, pourquoi se donner du mal à hurler comme tout le monde ? Pourquoi le faire quand une poignée de mots jetés dans un micro à la va-vite fait bien plus que 120 db vomis par le premier routier du coin ?

Autant le dire tout de go, l'album commence avec ce qui est devenu avec le temps un classique. "Roadrunner" est aux jeunes automobilistes en fugue et désœuvrés ce que "Born To Be Wild" est aux bikers du monde entier. Le morceau retrace en quelques minutes la plénitude qui vous saisit, lorsque vous vous laissez guider par la direction souple d'une Lincoln, les fermettes du Massachussets déroulant dans leurs écrins de verdure, et la radio crachant ses standards dans son flot de décibels. Le groupe ne renonce pas aux grandes parties de clavier et de cornemuse (John Cale ?), rien n'est trop beau. Rotten, l'avait compris, cette chanson sera une des premières reprises par les tous jeunes Sex Pistols alors appelés "The Strands". Les rêveries et l'ennui adolescent (tonight I'm all alone in my room, I go insane) la décrépitude morale et sentimentale qu'ils engendrent, la source de regrets insondables qu'ils entrainent sont une thématique majeure du groupe. "Astral Plane" parle de solitude et d'abandon, cet avion dans lequel embarque le jeune Richman est celui de ses rêves. Celui qu'il prend avec sa petite amie qui ne se pointe jamais. Un vol de nuit version 1976, servi par des nappes de synthés et une guitare grattée à l'os, rappelant certaines parties de Copperhead.
Le groupe vient de Boston, une des grandes cités patriciennes de Nouvelle Angleterre, une des plus anciennes, fondée par les premiers colons arrivés dans le nouveau monde. Une ville charmante au demeurant que ce groupe adore, elle et son conformisme désuet servi par de gentils parents. La piste commence comme un Morceau du Brian Jonestown Massacre. Bourrée de bons morceaux de l'ancien monde "I love the 50s !" entend-on, le groupe cultive ses racines et ne crache sur rien, surement par sur les mythes de leur enfance. "Old World" est aussi l'occasion d'insister sur un superbe échange clavier-guitare, un ensemble dynamique composé de gammes savamment orchestrées.
Avec "Pablo Picasso", on assiste tout bonnement à la naissance de la New Wave moderne. Tout se trouve sur ce fond de machisme admiratif pour l'artiste: Les parties de guitares des Talking Heads "Pyschokiller" en particulier, le ton modéré de la voix, mixée en retrait, le rythme entêtant de batterie.
Si on Pouvait soupçonner les Modern Lovers de ne pas porter dans leur cœur les hippies, tout doute est levé avec "I'm Straight', où Jonathan crache sur Hippie Johnny, (celui qui n'a pas de colonne vertébrale) le petit copain de la fille qu'il aime. Il explicite clairement qu'il veut prendre sa place, et que c'est lui le plus malin, le meilleur. Aucune chanson ici, juste un monologue, un texte parlé, et si le coup de fil désespéré dont parle Richman était tout simplement cette chanson?
La piste suivante renferme un joyau de l'imaginaire des Lovers, la relation de couple inexistante, et la solitude qui fait gamberger, le doute, les amis qui partent. Le futur, cette lourde chape de plomb qui effraye, mais pas notre héro, il sera "Dignified and old", et plus jamais seul. Ce morceau enferme aussi de petites innovation et des initiatives des plus séminales pour le mouvement punk en général. En premier les chœurs scandés de manière brouillonne et en seconde les parties de guitares agressives, adoucies par une basse langoureuse et des dentelles de clavier.
L'énergie punk se dévoile plus sur la chanson suivante: descentes de bases, rythme binaires et guitares bourrées de treeble, riffant la même chose en boucle. C'est cela "She Cracked", une copine infidèle qui fait des conneries, bien trop de conneries, une complainte énervée de petit ami bafoué, qui partageait pourtant des hobbies avec elle, par exemple "les choses européennes de 1943", comme...comme c'est curieux, les Ramones.
"Hospital" peu se lire en deuxième acte de la première chanson, la copine sort de l'hôpital, et lui le chanteur, est toujours amoureux d'elle, malgré tout. Le désespoir, l'hésitation et le doute, une chose qui a fait faillir bien des hommes, vous, moi y compris. La mélodie hispanisante et le rythme slow chanté par une caisse claire reverb (qui a dit 80s ?) montre la direction que la musique en général, ne va pas tarder à emprunter. Les accès de rage rappellent des Doors et leurs incantations voix-clavier. Ce n'est pas une chanson, mais une déchirure interne tant le chanteur souffre. Ce groupe mérite décidemment bien son nom.

Le break d'entrée de "Someone I Care About" part lui aussi comme une fusée. On remarquera que le thème encore abordé sera la recherche éperdue de l'amour, le vrai. Une quête menée rage au ventre. Aussi tendue que le beat de batterie, aussi aigrelette et monomaniaque que ces guitares rachitiques et obsédante. Aussi lancinante que cette base hypnotique. La recherche de l'amour absolu et suprême comme ultime but, un graal exutoire. Les Lovers veulent y tremper leurs lèvres.

La ballade la plus touchante et mélancolique de l’album est très vraisemblablement « Girlfriend », dont vous aurez remarqué la subtile allusion au thème principale de la chanson. Ici les voix se calment et l’ensemble devise lentement, accords plaqués et caressés sur les manches des guitares, comme le ferait votre propre main sur la paume moite d’une délicieuse inconnue. Le piano et la voix solitaire donne au morceau des airs de vieux dancings trash, du genre que l’on trouve dans les vieux Novotels de province pas encore rénovés. Vous savez, ces lieux aux sous-nappes roses, où les serveurs ont des cravates vert d’eau et où l’on s’assoie dans de grandes chaises en rotin peintes en blanc, qui grincent et crissent. Le morceau se termine sur une partie de guitare exquise.

Après ce court interlude de romantisme new age assumé, c’est justement de ce « Modern World » dans lequel il évolue que parle la chanson suivante. Une décharge d’adrénaline qui commence avec un break de batterie sans appel et mixe de vieilles guitares rockabilly avec un batterie simpliste, les chœurs remettent à nouveau à plat les premiers motifs punk tissés depuis le début de l’album. Cette chanson est un hymne à l’Amérique, ce qui est rare en 1976 après Vietnam et Watergate. Voilà enfin une chanson d’optimisme, qui parle, je vous le donne en mille, encore d’amour: “Well the modern world is not so bad, Not like the students say, In fact I'd be in heaven, If you'd share the modern world with me ”.

Les Lovers croient tellement à ce mode fantastique et rieur qu’ils décident, d’emmener leur sarabande dans les bureaux des fonctionnaires, faire danser dans les postes et les ANPE. L’atmosphère délétère est renforcée par un piano de Luna Park déjanté, grand instigateur de bazar.

Car oui, les Modern Lovers on contribué, directement ou non à le mettre un certain printemps 1976, il allait arriver en Europe en 1977. Le reste de l’histoire, vous la connaissez plus ou moins bien. On n’aura à reprocher à ce groupe qu’une seule chose : avoir eu raison trop fort et trop tôt. Sacrifiés sur l’autel des fulgurances incomprises, et oubliés du grand public, le sort peu enviable des génies.

La minute CNRS

2009-05-18T01:26:00.010+02:00

Non, pas de disque là, pas envie, pas la niaque, pas la grinta du joueur de football sud américain.
Pas de sensations, de frissons, Waterloo morne plaine.
Alors voilà ce que je vais faire comme le marin au port, je vais bourrer de tabac ma pipe en écume , et vous demander de me payer quelques lampées de rhum afin de vous exposer quelques unes de mes théories rock fumeuses.

Voilà, je vais me perdre dans un verbiage socio-politico-musical plus ou moins long et brillant afin de vous distraire, lecteurs chéris, avec la grâce et le brio du clown depressif. Le genre de malade qui dans un dernier soupir, mourant sous la lumière aveuglante des projecteurs serait capable de lancer une dernière blague de toto avant de souiller son pantalon bouffant à pois dans un dernier tressaillement convulsif.

Nous allons aborder ensemble une des grandes questions que je me suis beaucoup posé depuis au moins 5 ans. Pourquoi existe-t-il (du moins médiatiquement) que des groupes de rock dits de riches?
J'imagine souvent dans mes fantasmes musicaux un groupe moderne, contemporain, transpirant l'ennui et l'urbanité agressive, dont les chansons relateraient sans détours des amours brisés et des rixes auprès des tours (poésie quand tu nous tiens). Vous savez, un genre de songwriting que l'on a pas vu depuis Renaud mais en beaucoup moins ringard, en évitant les mobylettes et l'accent titi parisien.
Un groupe dont l'écriture saurait synthétiser la veine à la fois vraie et poétique des bons groupes de rap (clichés d'orient/cuisine au piment/jolis noms d'arbres pour des bâtiments dans la foret de ciment -IAM-) dans un format résolument rock.
Des guitares un peu salies, à mi chemin entre les Hellacopters et les Libertines, mais avec un style bien plus direct, proche et concerné (qui a dit Starshooter et Asphalt Jungle?).
Je n'ai pas peur des chansons médiocres, je suis sûr qu'elles peuvent êtres vraiment nazes, si faibles et décharnées qu'elles en auraient du charme. Ce truc touchant qu'on les mauvais élèves quand ils orthographient mal un mot.
Ce serait, ça un groupe de pauvres, pour une fois, on pourrais même leur pardonner certaines choses comme le fait de faire un clip sur la dalle à carreaux de terracota 70's de la préfecture de Creteil. Jusqu'à présent les groupes de pauvres versent tous dans le ska festif ou l'alernatif 80's chiant comme La Souris Déglinguée et les Garçons Bouchers (que personne ne me parle de Noir Désir).
Ce triste constat nous amène à une question centrale en France (le pays de Saez, aïe, plus de 14 ans s'abstenir sauf si vous êtes une jeune infirmière de province): Pourquoi ne voit-on pas émerger sur la scène médiatique (même restreinte au microcosme du rock) un groupe venant des cités?

Les réponses sont nombreuses et constituent un faisceaux d'obstacles tel que tout jeune sensé préfère s'emparer d'un stylo bic, d'un micro et boucler quelques samples pour s'exprimer.

1) L'investissement financier considérable que représente l'achat d'un matériel de groupe de rock, même bas de gamme. Pour un line up permettant de réaliser de petits concerts il faut que le groupe débourse bien plus de 1000 euros. Le prix de l'indispensable studio de répétition rajoute au marasme financier avec des dépenses régulières à 25, voire 30 euros les deux heures dans une petite salle où la sueur devient par la magie de la physique, vapeur. Le fondateur d'un groupe de rap amateur sortira des sons décents pour le quart de ce budget. La première raison est tout simplement d'ordre économique. Mais les bluesmen du sud? Ils étaient pauvre comme tout, pas une tune, pas un copeck!
Soit, mais une guitare à l'époque du début du phonographe restait un investissement solide, une source de divertissement et de distraction intarissable, inépuisable car liée à la seule volonté de son maître. Maintenant en premier sur la liste des désirs viendraient des matériels électroniques permettant une distraction rapide, des consoles de jeux, des vêtements de marque à la valeur instrumentale très importante dans les milieux plus modestes. L'échelle de valeurs et de priorité à changé dans les pays développés depuis les années 30.

2) La maitrise technique des instruments, sans avoir la prétention de devenir un virtuose, pour jouer, il faut savoir plaquer quelques accords. Pour les apprendre, de deux choses l'une: soit on se paye des cours et cela revient à accroitre la barrière financière, soir on fait l'autodidacte en apprenant avec des copains-copines qui savent en jouer. Cette conjecture n'est pas sure dans les milieux défavorisés où le fait de pratiquer des activités musicales n'est pas courant, l'accent étant mis sur les activités sportives, moins couteuses, et ayant le mérite de fatiguer l'enfant, le calmer et le laisser se défouler loin des milieux confinés. La performance sportive est plus appréciée par les pairs dans la rue, ce succès d'estime garantie aussi une sécurité, et aussi, qui sait, une source de revenus énormes si le gamin joue bien au foot. Carrière considérée comme plus rentable par les parents que la vie de bohème d'un musicien (ils ont vu ce qui était arrivé à Elton John). La vue de ce constat nous amène logiquement à une autre raison.

3) Un environnement culturel et social peu propice, comme l'a exposé Pierre Bourdieu, le comportement de l'individu en société est déterminé par ce l'on appelle "l'habitus" (ahah, très marrant de jeu de mot, bravo bande de génies). Cette notion recouvre tout l'ensemble de savoirs que l'individu a acquis durant sa jeunesse: ses connaissance, ses valeurs, son éducation, ses bonnes manières, reflets de l'éducation donnée dès le plus jeune âge, ils influent directement sur le comportement et les goûts. La majorité des enfants n'ayant jamais été exposé à de la musique rock auparavant, ils ne la connaissent pas, et ont moins de chances de l'apprécier que des enfants habitués plus tôt. Même si votre serviteur ne croit pas au déterminisme social pur (on peu toujours ressentir un choc esthétique à tout âge, une révélation). Il est vrai que si les ponts sont coupés et les gens enfermés dans un style musical de prédilection, unanimement accepté et encouragé, valorisé par la société locale, la marge de manœuvre est d'autant plus faible (haha, dédicace R&F). J'ai moi même grandi en banlieue parisienne proche, pourtant assez classe moyenne où la norme était le rap. Le premier morceau de rock contemporain entendu devait dater de mes 15 ans. Ce qui est tard dans le développement des goûts musicaux, dans un monde où les majors tentent de vous mettre tout et n'importe quoi sous le nez, et ce, le plus jeune possible.

4) Le processus d'identification aux artistes tiens lui aussi un rôle important dans le fait de getthoisser les styles musicaux. La musique et sa diffusion sociale ne tient pas seulement au fait de l'écouter, un processus d'identification liée à l'image de l'artiste s'enclenche alors. Les fans vont se comporter et tout faire pour ressembler à leurs artistes favoris. C'est de ce processus que découle en partie l'envie de créer un groupe en commençant, manque d'expérience oblige à reproduire ce qu'il connaissent déjà.
Il est vrai que la scène rock actuelle, montrant des petits blancs issue de la classe moyenne-bourgeoisie parisienne défendant des idées, des valeurs complètement différentes du monde dans lequel ils évoluent. Ils préféreront se tourner vers des rappeurs français ou américains, défendant des valeurs, des idées et un style de vie auxquels la plupart aspirent. Ils vont donc créer des groupes de rap par envie et imitation et continuer à nourrir une auto-alimentation étanche de leur famille musicale. Le processus est strictement le même pour les rockers.

5) La difficulté fonctionnelle et physique du groupe de rock. Dans les faits techniques et matériels, la fondation d'un groupe de rock en France actuellement est un vrai sacerdoce. Beaucoup de jeunes sont vite lâchés par les MJC, ennuyées par tant d'espace à céder dans leur structure pour que quelques groupes puissent jouer. Le fait d'éviter la nuisance sonore d'une batterie est une priorité pour beaucoup de mairies. D'où la nécessité en environnement urbain de se payer des heures de studio insonorisé. Le fait de transporter le matériel est lui aussi très compliqué, il implique au moins une voiture ou une bonne dose de courage et de force physique.
En bref, les emmerdes quotidiennes sont démultipliées, décourageant les plus convaincus.

Ce ne sont que les raisons principales concourant à un tel désert dans le paysage du rock et plus largement de la musique telle qu'on la connait en France. On pourrait en citer d'autres comme l'image véhiculée par les médias, le poids de l'inertie sociale et les différences culturelles entre modèles français et anglo-saxons.

Voilà, c'était la fin de ma minute CNRS, vous pouvez retourner à vos lectures habituelles, ou aller checker ça (ce qui serait un peu plus utile).

New wolf in the pack

2009-04-25T13:50:00.002+02:00

Bon les mecs et les meufs, juste une petite ligne pour vous dire que ce modeste blog s'enorgueillit d'accueillir une nouvelle plume. Celle de Maxence.
Ce n'est pas n'importe laquelle, aiguisée, trempée dans l'urbanité lyonnaise et le rock high energy le plus pur.
J'ai longuement réfléchi aux adjectifs et épithètes que j'aurais pu lui accoler mais j'ai matière à penser que vous vous rendrez compte par vous même.
C'est à ça que l'on détecte le talent, à l'insolence quasi insupportable de l'évidence.

Bonne lecture à tous.

Nom d'oiseau

2009-04-23T02:02:00.011+02:00

Ok, tout le monde ou presque se reconnaît dans la mythologie stoogienne, la fratrie sonique, le rock and roll à son paroxysme, intransigeant, séminal, déployant des passions fascistes pour le groupe. Les Stooges ont ouvert la brèche électrique balayant d'un revers de wouawoua vicieuse les effluves psyché des sectes de baltringues en sandales et chemises à fleurs. Bowie avait bien compris ce qui se passait, en explorateur-suceur de génie. Dès la fin de Raw Power et alors que l'iguane barbotait dans les caniveaux et les bordels de New York après avoir réalisé l'ultime coup de l'album le plus pervers de l'histoire, c'est le grand sauvetage, la bouée de secours qui va réveiller le lézard avant que celui-ci ne s'écrase définitivement dans une spirale autodestructrice. C'est en H.P. que Bowie va venir chercher le Igg et lui proposer de commettre un dernier forfait avant l'éden berlinois: les saucisses, les squats arty et la coke en tutu japonais. C'est le point culminant d'une époque, le sommet d'une vague qui va influencer toute une génération de crêteux post-punk, batcave, électro indus en tous genres avant de s’écraser sur le marbre des rochers. De cette collaboration va naître deux trilogies (Low, Heroes et Lodger pour Bowie et The Idiot, Lust for Life et Kill City avec Williamson, que je recommande chaudement).

C'est donc un album à deux mains que nous avons là, bâti dans l'atmosphère opaque d'une ville totem comme un manifeste absolu de modernité urbaine et crasseuse. La voix d'Iggy est d'ailleurs beaucoup plus mature, spectrale, chantant comme un Sinatra d'outre tombe sous amphétamine. Le premier morceau Sister midnight pose les bases d'une rythmique robotique jazzy, les guitares en arrière-plan tissent des mirages d'architecture futuriste monolithique, s entrechoquent dans une micro symphonie de synthés orientés gore italien du début des années 70. C'est un peu la réponse clin d’oeil au Sister Morphine des Stones (Dieu que je déteste cette chanson), sauf qu'ici, c'est plus psychanalytique, tendue sur la corde sensible d'une chute vers des horizons électroniques, informatisés, impersonnels. Les S.S. en cravate ficelle de Kraftwerk et Neu! ne sont pas loin et programment déjà leur moog en révisant leur C++.
Il y a du jazz dans The Idiot, du jazz blanc de bar miteux, des lumières diffuses de clubs 70's, des ectoplasmes à iroquoise et perfecto, des couleurs violacées rendues visibles par le prisme d'une cité fantasmée ou se mêlent ironie et errance. Le très kraut (kraut codec) Nightclubbing, où il est question de déambulation nocturne sur le son de guitares furieuses n'arrive pas à se décrocher de cette rythmique synthétique de piano bar nauséabond ou se côtoient putes célestes et freaks cold wave. Tout l'album est dans cette dualité jazz/électro qui se marrie dans le minimalisme et la glace.

Funtime réintroduit l'espace d’un instant le Raw: tempo serré, solos acides, montée crescendo, effervescence métallique soutenue par un Bowie surexcité background qui donne envie de s'arracher en caisse, faire des burnouts sur le parking d'Auchan ou de faire du patin à roulettes sous la pluie ivre mort. La reverb fait très psychobilly, mais le refrain de Bowie noie le poisson dans des chœurs de zombies macrobios en manque (de sexe et de drogue, il va sans dire). Baby, s'enchaîne sur cette drague décomplexée et propose une comptine romantique ou Iggy crooner exulte d'une romance binaire claustro. La voix touche ici par sa gravité burlesque, joue au funambule sur le fil du rasoir sans jamais s'entailler, parfois jusqu'au dernier souffle du dernier cri comme sur China girl, tube stupide de Bowie qu’Iggy arrive malgré tout à façonner en drama d'hôtel de passe tendance Thaïlande un soir de vin mauvais (et dieu sait que le pinard doit être dégueulasse la bas).
Puis viens le grand hommage, la madeleine sonique noyée dans les remords ou Iggy se pose la question suivante : Où sont passés les Dum Dumb Boys. Vous l'aurez compris, il s'agit des frères Asheton dont Iggy déplore l'absence en se remémorant ses conneries passées et le O'mind de ses 22 piges. La fascination première reste intacte mais la force n'y est plus, même sous le riff marteleur typé Asheton, la maturité ayant fait son érosion. Reste juste la silhouette du monstre électrique comme une chimère d'une autre époque. Epoque qui semble s'être terni au gaz néon, aux reflets troubles des grands panneaux électriques comme ce Tiny girls – tragicomédie de comptoir au saxophone - qu'on pourrait prendre pour une chanson d'amour mais qui n'en est pas une avec son timbre de boulard proto goth.

Pour bien faire il faudrait écouter Low en parallèle , même imagerie, même fusion synthétique de boîte à rythme de magasin de jouets et d'ambiance steam seconde guerre mondiale tendance Varsovie et méchants nazis. L'influence est réciproque, quasi consanguine. Cela donc aurait plus de sens quand vient Mass Production et ses 8 minutes d'atmosphère noisy limite shoagaze, industrielle et entêtante comme pourrait l'être la rengaine d'une chaîne de montage issue de 1984 (ou toute autre anti utopie urbaine). L'iguane se mue alors en prophète new age perché annonçant l'ère décadente d'un modernisme dantesque et lobotomisé type métal hurlant et prison haute sécurité.
Et oui, The Idiot... on comprend mieux la chose à la lecture de la théorie punk applicable sans nul doute à la "bonne" musique, musique déconstruite qui se revendique du bruit pur et simple (Music is for zeros, noise noise noise is for heroes hurlaient les Damned). Un truc d'abruti en somme dont le seul intérêt se résume à la recherche d'un shoot d'énergie primale. Iggy et Bowie restant précurseurs c'est un orchestre de bruits qu'ils proposent et avec eux va la musique binaire, concrète, électronique, idiote, dont on antécèdera les genres de "post" ou de "death" mais qui finalement reste le meilleur (donc le pire) reflet de notre époque. La belle merde me direz-vous ? Demandez à Ian Curtis tiens.

Dorénavant, il faudra compter, en cette fin 77, sur le nœud de la corde du pendue, la nausée. C’est peut être ça le post punk, une gueule de bois collective, la conscience que peut être cela n'a servi à rien, que trois power chords n'auront pas changé le monde et que sur les ruines de la bacchanale est née une vision plus profonde de l'enfermement urbain. Eviter d'être ravalé par la société de spectacle, casser les structures musicales qu'on avait entamé sur des bases classiques, ne plus se référer qu'à des dimensions intimes, des mélodies organiques, des relents. Finis le grand Fuck off, il va falloir faire avec un nouveau romantisme, un nouveau lyrisme qui émerge et qui déjà fait pousser des mèches sur les cranes rasés et des gabardines feutrées sur les cuirs tachées à la bière. La fête est terminée, les parents sont de retour dans la baraque, cachez vite les culs de joints et les packs de 8-6, planquez sous le lit les vinyles des ramones et réveillez les derniers mecs en t-shirt fendus jusqu'au nombril qui cuvent dans la baignoire. C’est fini les conneries! Remarquez la cuite était bonne, le lendemain va être difficile.

Maxence

Nuit Blanche

2009-04-17T22:48:00.014+02:00

Vendredi 17 avril : Je viens de louper mon train. Un petit Eurostar qui m'aurait ramené à Londres bien vite et sans encombres.
Mais voilà, je ne me suis pas réveillé à temps et je l'ai loupé, comme un connard.
Donc me voici de retour, dans ma garçonnière parisienne, seul, et je fais le bilan.
Un avenir professionnel pour le moins incertain, un goût naturel pour le stupre et la facilité crasse toujours aussi prononcé, et une vie sentimentale à la dérive (et encore c'est un doux euphémisme). Devant un monceau de ce genre de nouvelles réjouissantes je fais habituellement trois choses:

1) Je me bourre la tronche avec des bons vins de terroir (ce soir c'est fête: Sancerre + Mâcon Village, les deux de grande qualité, s'il vous plaît).

2) J'écris une poésie, de préférence en alexandrins, dans un style bien pesant:

Que sont ces infinis que les étoiles renferment ?
Ces multitudes qui chagrinent l'âme humaine
Oui, j'ai bien cru ce soir les avoir aperçu
Dans leur douceur et la vérité la plus nue

Mais déjà ces vers me paraissent ineptes et morts
Et meurent dans mon esprit tandis que je m'endors
Dans une douce nuit et ses exquis parfums
Qui m'amènera encore trop vite à demain

Car pour la nuit entière, mademoiselle vous êtes mienne
Et la lune pâlit car je suis infidèle

3) En dernier lieu j'écris une chronique rock de qualité moyenne sur un album FM, commercial, et donc sous évalué, que des gens trop satisfait de leur vie ont pu auparavant démolir.
Les Donnas arrivent donc à pic pour me sortir du spleen. Je ne vous ferais pas l'injure, lecteur fidèle, de revenir sur mon coté fanboy absolu de ce groupe californien, le plus éhontément sexué depuis les Runaways. Je n'ai pas dit sexuel bien que Brett Anderson ait toutes mes faveurs (c'est dans ce genre de moment qu'on aurait bien tous aimé être Louis XIV pour une nuit, monarchistes ou pas).

* Interlude TV: Pub pour la Marine Nationale, ces mecs ont l'air de s'éclater, ça contraste avec le "Sans aucun doute" qui débarque après. Pourquoi tous les maris escrocs à la succession ont un accent marseillais, même après brouillage vocal? *

Bref, revenons à la musique, adolescente, pure, rock de pétroleuses, qui vous donne envie d'acheter beaucoup de gallons d'essence au prix de détail. Assez pour faire le plein d'une Chevy et aller faire un tour du coté de la baie, la seule, l'unique.
Tournez les clefs, laissez le V8 ronronner nonchalamment sous votre coupe, plongez une dernière fois les yeux dans le décolleté de votre passagère, il fleure le gloss framboise et le bubble gum tutti frutti.
Nous sommes prêts à passer la nuit entière, le vent dans les cheveux et la radio à fond.

Et bordel, ça commence vachement mal, la passagère veut passer prendre ses copines "It's On The Rocks" ça sent à plein nez le plan loose, à passer pour le chauffeur de service. La voiture avance aussi lentement que les coups de cowbell, heureusement qu'ils sont jouissifs. De toute manière, ces filles ne croient pas à l'amour "Love's like a car crash ...", c'est pour ça que chaque seconde, le kid en vous se sent plus amoureux. Tellement en chien que cette chanson dure et rêche pourrais vous faire faire l'amour à un mur de béton.
Le larsen reste en suspend quelques secondes pour vous faucher avant le prochain feu rouge, avec un "Uh ! " de la chanteuse noyé dans une mer de charley, la guitare se tend, rigide et compacte, la perche qui vous sors de l'eau, avant de vous refaire boire la tasse sur un solo incroyable. La chanteuse, encore humide vous demande de tout tomber. C'était "Take It Off".
Quelle soirée, maintenant elles vous pressentent pour les ramener chez elles, la porte est ouverte, c'est un uppercut dans le bide, elles vous ignorent et font la loi, règlent leurs comptes avec des connards qui ruinent la party "Who Invited You?". Les chœurs coups de pieds et les filtres de saturation rendent bien la cène. Ces filles s'occupent de vous et c'est votre dernier repas, accompagné par une basse oppressante et une guitare encore plus américaine que Charlton Heston pendant un meeting de la NRA.
Mais forcement la soirée se termine mal "All Messed Up" (et quelques chose nous dit que ce n'est pas à cause des coca light comment elles nous le disent). Les avances éhontément graveleuses ne peuvent que nous charmer "Pourquoi ne sautes-tu pas dans mon lit?". Flash and thunder, juste le temps de se souvenir du dernier film de boule qu'on a vu avant de sauter dans pieu, comme dans le train en marche. Un vrai hold up sentimental. Les performances vocales de la chanteuse, à la voix chaude, lascive et suave vous laisse plus que rêveur. C'est juste Bettie Page 2.0 au micro.
On passera vite sur "Dity Denim", même sir les chœurs en colères sont sympa, avouons-le les gueules de bois ne sont jamais brillantes, toute wonder woman que vous puissiez être.
Le ton est plus drôle quand ces demoiselles règlent leur comptes, ce côté catch dans la boue est des plus charmant sur "You Wanna Get Me High". Une sombre histoire de bellâtre de high school qui essaye après des années de moqueries et de quolibets de se taper une des filles maintenant dans le coup. La mi chanson débarque sur fond de ride un solo-tapping du feu de dieu, Thor lui même tordant des éclairs à coup de Gibson Junior (oula, ça va plaire à quelqu'un ça).

Fait cocasse: la chanson suivante est exactement l'opposé, (surement un clein d'oeil à la dualité de l'âme humaine, concept cher à Matthew Modine) la chanteuse se prend un râteau cash et se relève en deux secondes chrono. On se demande d'abord quel crétin a osé decliner l'offre et d'où ces filles tirent leur force : "I Don't Care (So There)". Perso, les râteaux, plus ou moins directs m'ont toujours valu plusieurs mois de prostration confinant à l'autisme.
Là on revient à la maison avec une chanson parlant de fête (eh oui, encore!), mais nous tombons nez à nez avec le morceau le plus riche de l'album "Pass It Around", solos interminables, reprises à la dérive abracadabrantes, chœurs scandés et chantés, apartés parlés, slapping de basse-ponctuation et gros tambourin. Un millefeuille si complexe et si beau de sauvagerie que les filles n'ont jamais osé jouer en live. C'est d'ailleurs le seul point faible de l'album (hormis la récurrence des mêmes thèmes, mais on ne l'a jamais reproché à AC/DC, c'est pour ça qu'on aime!).
Même si la production est carrée et bien léchée, elle l'est des fois un peu trop, et cet écrin précieux fait pâlir les chansons lives, même si ces demoiselles sont des routières forcenée des circuits indés, capables d'abattre autant de barrés seconde que Johnny Ramone.
On retrouve une bulle de fraicheur avec "Too Bad about your girl" au clip assez drôle (devenu introuvable sur youtube) mais là n'est pas important.
La production est plus originale et plus disco pop, les couplets sont plus posés, même si les refrains cognent, on touche là à quelque chose de d'assez novateur, comme du Blondie côte Ouest de l'an 2000. Les chœurs en canon à 1:25 sont justes ahurissants. Les efforts payent toujours comme dirait Juppé.
"Not The One" est a ranger avec leurs autres chansons-râteau, assez dégradantes pour mon orgueil de mâle. Je passe éhontément.

La piste suivante est beaucoup plus intéressante, sans attaque multi instrumentale fracassante d'entrée. L'introduction de "Please Don't Tease" se met en place doucement et en bon ordre guitare - batterie - basse alternant riffs, temps mort et charley. Brett se torture la voix, qui fluctue et se dédouble.
Maya Ford à la basse abat le bois avec une basse gironde, casi groovy. La gratte s'arrête et repart, se ménage des pauses, laisse la place aux handclaps et à une jolie cloche ride bien polie. Brett reprend le lead: "Baby please, I'm getting down on my knees". Quand elles s'y mettent, nos filles savent y faire. La nuance peut aussi être leur truc.
"Take Me To The Backseat" est un appel en règle au sévère tripotage et au roulage de patins hors piste.
Oui, la banquette arrière de la voiture de papa, ce lieu magique sentant la sueur, le slushy fraise, le plastique Valéo et la peau de chamois où tant de jeunes américains ont fait leur apprentissage charnel.
L'album se termine en beauté, avec une Brett impériale, toutes amygdales dehors. Lla section rythmique est aussi bien rivetée qu'un B 52 et porte la guitare d'Allison vers Un Annapurna d'environ 4 minutes (la chanson la plus longue de l'album). L'accord voix- guitare est particulièrement bien organisé, alternant modulations et pics réciproques. Cela fait plaisir de voir des collègues qui s'écoutent et se connaissant depuis si longtemps. "5 O'ClockIn The Morning", se finit au petit matin, comme les dernières heures de la nuit qui s'évanouissent avec la basse serpent de Maya Ford.
Les filles sont reparties aussi vite qu'elles étaient venues, laissant tout le monde en état de choc, les tympans crevés et les yeux luisant de gratitude. Vivement le week end prochain.

L'album est terminé, et on est bien content, pas que la musique s'arrête, non, loin de là.
On est juste satisfait d'avoir écouté un très bon album. Car, après tout, c'est un peu ça un album FM, c'est se payer le luxe de ne pas réfléchir, pour une fois.

PS: Le titre de l'album "Spend The Night" est à ne pas confondre avec le jeux en ligne Spend the Night qui est le théâtre de rencontres virtuelles "érotiques et sentimentales", destiné plus spécialement au public féminin. Spend a Night se veut le premier MMOG romantique pour adulte. Tout un programme...légèrement différent que celui que nous venons de traiter et que l'auteur aura jugé bon de préciser.

Les derniers libertins

2009-03-02T04:07:00.017+01:00

C'est bon? la poussière est-elle retombée? Les vautours sont-ils repus? Les cadavres un peu moins tièdes ?
Le curé hypocrite a fini son oraison funèbre dithyrambique , comme d'habitude et les paroissiens sont repartis, un peu déçus, avec un goût de cendres et de formol dans la bouche.

Il est enfin temps, mes amis de se pencher sur l'épitaphe, encore frais sur la pierre tombale.
Cet épitaphe, c'est tout simplement "Up The Bracket", portant en bandoulière les émeutes argentines (c'est simple, elles arrivent tous les quatre ans, comme la coupe du monde de football, elles sont suivies avec tout autant de ferveur par la foule en délire, remplacez les rencontres de niveau international par un scandale financier liant des politiciens verreux ou alors la énième dévaluation du pesos et vous aurez le tableau complet).
C'est considérations politico économiques passées nous allons pouvoir nous pencher, avec l'amour alcoolisé du fossoyeur sur ce fameux tombeau.

Que renferme-t-il? Une dépouille pourrissante? Quelques joyaux ternis et désuets? Ou la raison de l'état de décrépitude (physique et musicale) avancée de notre ami Peter Doherty?

Ce sont les questions auxquelles nous allons tenter de répondre. Laissez moi juste le temps de prendre un cachet de Vicodin avec une lampée de Vodka pour me mettre dans le bain, furieux et vaporeux de cet album.
J'en profiterais pour oublier aussi tout le mal qu'on dit les principaux intéresses par la critique précédente sur les Libertines.

Car oui, à l'époque nous étions en 2001, et en 2001, il n'y avait aucune odyssée en vue, et en guise de voitures volantes, juste quelques avions qui rentraient dans des tours, sans tuer un seul des Strokes.
Mais là n'est pas le débat, surtout après une demi bouteille de Gamay supplémentaire, mes compétences en termes de géopolitique deviennent plus qu'approximatives.

Parlons musique à présent. La foudre tombe du ciel d'entrée avec "Vertigo", une petite comptine électrique buzzante, douce,du genre que l'on hume en se balladant dans les rues de Londres, les soirs où il fait froid et ou l'air tiède sort des lourdes portes à battant des pubs et des bookies. C'est de ça qu'il s'agit, de nuit et de canailles, d'une pauvre pute, Koreema qui fait le trottoir et ne sait pas ce qu'il passe et eux, sont là. Montent avec elle et se barrent dans les escaliers en riant se poussant dans les poubelles, accrochés au dessus du vide. Ils ne savent pas où ils vont, suivent leurs guitares et s'évanouissent avec le dernier bus de nuit.
Mais ces petits cons se réveillent le lendemain sur "Death On The Stairs", romantiques en diable, parlant de sentiments et de rires. On la sent la patte du producteur - Clash Mick Jones, les solos de guitare rachitiques et les chœurs sucrés. Aussi doux que ces historiettes diaphanes.
Ne nous laissons pas berner, même Si Carl Barât, Peter Doherty, John Hassall et Gary Powell paraissent être de jeunes garçons charmants, ils peuvent retrouver à tout moment la voix rauque du hooligan de Old Trafford. Les guitares des deux frontmen peuvent aussi sonner comme un mur de tronçonneuses sur la chanson bien nommée "Horrorshow".

Cette formation n'est plus un groupe, c'est un monstre, un Dr Jekyll et Mr Hyde qui se cache, se grime et redevient sage. Une tranche d'Angleterre ancienne, un royaume que nos compères on décidé d'appeler Arcadie, où tout serait beau et poétique et le Earl Grey servi à 5 heures sharp.
La preuve en est sur "Time For Heroes".Cette chanson parle d'émeutes et de gosses bien sapés défiant les flammes et la nuit, des gavroches des temps modernes, amoureux de la cause et prêts à mourir pour elle. C'est dire qu'ils sautillent entre les corps et les cailloux nos amis, aussi nonchalants que leurs parties de guitares et déboulonnés comme leur batterie (fait assez rare pour être souligné ici). Et tout ça pour finir par terre, la faute à Thatcher.
Plusieurs siècles ont passé et les muses s'appellent à présent des groupies, au combien dévouées, mais si peu distinguées. Qui se dévoue pour guider les pauvres égarées? Peter et Carl, les "Boys In The Band", les chœurs et les canons de répondent, entre deux ratures de guitare acides virevoltantes.
La leçon donnée, nos compères se recouchent et se posent, ralentissent le tempo et grattent la sèche comme grand papa. En sort une amourette trash 1900, "Radio America" romantique et romanesque, chantée par Oscar Wilde lui même. Un ange passe.

Pour s'écraser en flammes quelques minutes plus loin, la batterie de Mr Powell sonne toujours comme une boite de Mont d'Or, on dirait celle des Red Hot. Les guitares tapent dans le bide fort, comme des chavs en hoodie, les voix sont distordues. Les chanteurs hurlent comme le personnage de la chanson, un petit gars qui se brûle les ailes auprès de caïds locaux, pour finalement finir droit et raide devant un convenience store glauque.
Le pouls se recalme, les chansons de cet album sont superposées douce et dures, un bout de brique du sussex après chaque gousse de vanille. C'est une montagne russe mentale.
"Tell The King" arrive sec mais trompe son monde, point de revendications ici, on est toujours chez Peter et Carl au pays des merveilles. De plus, la chose est dite clairement, ces loyaux sujets s'imaginent un roi en lieu et place du sympa, mais mou, et toujours deux pas derrière sa femme prince consort.
On s'attardera ici sur les mélodies chantées, touchantes et simplissimes. A la troisième minute on se croirait dans du Nerval, au milieu de ruines chantées par les fils des Beatles (période album blanc bien sur). Les hauts le cœur soniques continuent, le cirque est loin d'être terminé.
Nos semelles anglaises quittent la mousse des sous bois et foulent le parquet laqué d'un pub, pour retomber à pieds joints entre une partie de fléchettes, une tournée de Lager et une partie de billard. Le titre proverbial "The Boy Looked At Johnny", une putain de chanson, débaroulant à 100 à l'heure, la bouche pâteuse et les guitares délivrant une gigue folle. Une anecdote de pilier de comptoir spontanée sacrément rock and roll du meilleur ton.

Conformément au schéma de montagne russe mentale précédemment exposé, la piste d'après redémarre lentement. "Begging" commence donc par une batterie solitaire et autiste enregistrée dans des chiottes de pygmée, avant que les instruments ne se mêlent à la partie. La chanson démarre véritablement à mi parcours pour vous déverser un flot électrique, la bande et à genou et implore l'auditeur de leurs voix de gosses.
La chanson suivante annonce une petite modification avec une intro groovy trompeuse, ciselée par John Hassal (décidément, la section rythmique est la plus réglo de la bande). Les zozos de frontmen ont la place pour caser leurs voix et leurs petits arpèges qui mutent et se transforment en accords mélancoliques. Après tout, ce sont leurs "Good Old Days", mélange de tendresse et de blagues de gamins.

Alors la les amis, l'affaire repart, et nous tombe dessus comme un missile Taepodong 2 nord coréen: un grand froufroutement dans le ciel, un tapotement de moteurs et le feu nucléaire communiste d'un autre âge vous vitrifie sur place. La seule chose qui reste de vous est vote ombre imprimée sur le macadam. Peter nous chante que le diable est de son coté, pour le coup il doit être dans sa guitare (qui est le petit malin qui a dit dans son slip?) et on veut bien le croire.
Bon, ben je vais commenter à présent les bonus (les pauvres qui ont le pressage à 12 pistes vous pouvez vous casser et enfin arrêter de reporter ce rendez vous avec votre conseiller carrière de l'agence pour l'emploi la plus proche, tout ça pour lire ce blog de merde).
Oulà ça soulage. Trop de vin. Perte de contrôle éditorial de ma part, je m'en fous, je le laisserais même à la relecture.

Un verre de vin plus loin, un verre de trop: *switch Godard* Mais faut l'dynamiter ce putain de rythme textuel et syntaxique, vas y, innove, écrit comme tu l'sens, caméra à l'épaule, à bout d'soufle quoi, c'est la vie qui se déroule là.
"Waister", c'est d'abord le western sur les bords de la Tamise, c'est un accord qui commence, qui sort d'on ne sait où, puis le pouls se durcit et s'accélère. C'est la ville mon gars, les gosses dans les squats et le gachis. Les violons 1920 distordus, dramatiques, ces crincrins pleurnichards, ce sont vos coeurs, mes amis, rouges et romantiques. Ceux que les libertines titillent allègrement.
Ce moment de déchirure émotionnelle se termine comme il a débuté, avec un buzz de jack bizarre.
La dernière chanson, un petit intermède acoustique tout droit sorti des plans transition de Friends se transforme en chant égosillé de pochetron qui finit sous la table. Touchant ou pathétique, on ne sait plus très bien, mais simple et sans chichis, ça, on en est certain.

Voilà, le roi et sa cour sont passés, les libertins jugés, dispersés et condamnés. La foule prendra plaisir à voir leurs têtes se balader au bout d'un pic. Nous nous consolerons avec cet album et nous lirons leur poésie. En s'extasiant devant la beauté de leurs ratures, comme des Salieris de bas étage.

Let the kids dig this

2009-02-13T16:22:00.024+01:00

Very often in this blog when I speak about very famous and well known bands I feel like I'm giving away my savings to Bill Gates.
It's like adding some sand to the Sahara or put a small rock on the pyramids in Egypt like many stupid tourists do.
This is pointless: Bill Gates has already shitloads of money and doesn't give a flying fuck about your loosy
€ 1654,89, the sahara doesn't give a shit neither, everybody knows there is plenty of sand over there and nobody will notice your silly contribution.
And for the tourists, well, they should apologize to the souls of the thousands slaves that died building the pyramids for imagining one single second that those dumbass easyjets riders can play in the same league.

These metaphores define perfectly the kind of mixed feelings I go through while writing about universaly recognized and loved rockstars.
But when I'm writing about the Brian Jonestown Massacre (get this movie..now!) I feel exactly the opposite way, it's like giving the rest of your lunch money to a lost brilliant alcoholic and junkie bum from your neighbourhood who is so cool you wish he was your grandbrother, even if he stinks.
This guys doesn't care about you neither, but you know he will think about your for a second, counting his money to buy some can of crappy beer.

Sometimes, the bum plays some music, and something like Strung Out in Heaven comes out.
Something he calls "superior greatness", anyway, let's just call it an album.

A rocky ballad takes you directly out on the road, "Going to Hell" is a sweet rocky shaky little tune, gathering all the BJM basics: a skinny guitar, a raging tambourine and a psycheledic key board.
Switch on the engine, let the warm wind blow in your hair, let the dust stick on your shades and just enjoy the desert.
Only listening to the intro, ya can imagine what the Rolling Stones could have sound like if they were born in the 70s and if they were american.
The nest song is totally different, with "Let's Pretend It's Summer" the sun of the american dusty highways has vanished and all you face is the depressing winter grey sky.
The 80's videogames alike orgamon dominates the entire song, funny for a song whose lyrics celebrates pleasures, seasides, laughters and happiness. It's like feeling the wintertime sun on your face, your nose is cold, but it feels alright. Joy and happiness has no season, after all.
"Wasting Away", opening with a shaking harmonica part is one of the only tune featuring some social and society consideration, where Anton is asking himself about how youth is corrupted by school and turned into robots. And what about teachers? Well, according to him, it's not even their fault.

The band's immoderate taste for retro 60's psychedelic music is perfectly illustrated by "Jennifer", a small irreal love song led by some brilliant harmonies and a beautiful doubled voice.
You can easily hear at the end of the sentences where Jack White took his particular "country love" voicetone.
The next tune is much more into the BJM classics in terms of sound, rythm and structure, a bored fan could use the adjective "conventional", but as an hardcore fan I'd go for "classic", because of the women backup singers and the crippled piano. By the way, the title was "Got My Eye On You".
Let's continue with the choral songs starring "Nothing To Lose" and its multi vocal harmonies exposing some very interesting personal statements like "but Jesus wouldn't walk in your shoes,
because you're so fucking stupid got nothing to use".

People are pretty much used of seeing Anton Newcombe going mad on stage, but recorded testimonials of angryness are quite unusual. The fact opposites attract is very true when you listen to the well titled "Love", which is about love that is, after all surrounding you, everywhere you go, a topic reminding you that this band is one of the greatest 60s revivalist bands ever.
"Maybe Tomorrow" and his slow melancholy will come with its sweet lonely and sad guitar pattern, maybe this Anton is just a little punished kid standing in the corner of the room. He just wants to play with the others kids, you, me perhaps ?
The guitar and its special reverbered echo still serves a cajolating and nice song, like if he was trying to give to his little sister a consolating hug: "This boy has shit for brain, you're my sunshine...".
When the backup psychedelic keybords takes the lead helped with some violon and trumpets, nobody can deny the very descent and original Psychedelic garage symphony orchestra approach of the band. Anton Newcombe (him again) being able to play more thant 80 different instruments.
Sometimes the songs can turn into strange irish settler balad tone "I've Been Waiting", a slow raging guitar appearing only at the end of the tune.
"Dawn", a short contemplative song about a girl seen in a dream, will leave you speechless in front the amount of love you can find in this tough heroin cookie.

The great final of the album are, without any doubt plausible "Lantern", a song about freedom and happy achievements that can guide you during your entire life. The soft melody and the smooth voice, the ever carefree guitar with its melancholic tone is a good piece of postmodern American music.
The second masterpiece of the album is also the very last song "Wisdom" and its disrupted weird stoner chords is showing us a total original creative insight, bringing some old new, or some new old on stage.

To be honest my friends, I really don't know what to say apart the fact that this band is my early year crush. That's simple.
No band has ever mixed so well absolute crap and sparks of true genius and spontaneous intelligence. (check when Jeff Davies is Bugging at 4:15, and when he feels really alone at 1:16 in the second video).
Where the hell was I in 1995, oh, hold on, I was 8. I'm 21 now.

Better late than never right? Nobody punched me, so I guess I'm clear.

Rock and roll in your daily life (part 7)

2009-01-26T00:29:00.011+01:00

Have you ever wondered where the first electric sound ever created was coming from?

What was the king of magic thing that was, indeed, able to synthethisze a sound from a simple beam of electricity.

Well, here it is. I guess that this Bremen electric street device is pretty much approaching this kind of pure and raw essence.

This is a wonderful piece of human history. And everyday, random dogs can pee on it, and don't ever mind doing so.

This is maybe why we are better than them (i.e. ruling the world, fighting for oil rather than bones).

Banana split

2009-01-08T17:03:00.013+01:00

Pauvre de moi! Mais qu'ai-je fait, comment ai-je pu oser? Où ai-je trouvé l'inconsciente force de m'attaquer à une telle masse, un tel monument, un ensemble de références, une symphonie rock garage dans sa plus simple expression.
Rien que ça, la suprême évidence, le bloc de béton de 2001, ou plutôt la banane de plastique (symbole phallique par excellence), et les chimpanzés qui dansent autour, fous de curiosité, perdus dans un élan de ferveur soudaine, ardente et brutale ce sont nous !

Ces primates se parlent ensuite, font courir le bruit de hardes en tribus, de groupes en village que, las bas, de l'autre coté du grand océan, des dieux habitaient et qu'il en existe aujourd'hui des vestiges. Des monuments qui touchaient au ciel lui même.
Après ces diatribes Kubriciennes, l'esprit vidé et serein, je peux à présent vous livrer le fond de ma pensée et enfin vous exposer une de mes théories musicales fumeuses (eh oui, une de plus). Et bien la voilà: Cet album marque le premier monothéisme musical, un retour à la source primaire, une voix et une guitare, parfois deux, une basse, et une batterie qui fait plus office de tambour que de kit de virtuose. Juste ce qu'il faut pour charmer l'oreille et lui faire entrevoir le paradis: quelques chœurs et parties de piano et violons. Juste qu'il faut pour lui faire entrevoir l'enfer: sons de machines, reverb et crissement monumentaux ouvrants sur l'enfer de Dante.

Car c'est cela le New York des 60's, un endroit où l'on passe du rêve au cauchemar en traversant une rue, en changeant de quartier. Ce disque n'est pas qu'une chronique réaliste de l'Amérique décadente, c'est un baromètre, une vaste palette de ce qu'un artiste imaginatif, talentueux, pervers et méchant peut ressentir. L'histoire commence un de ces dimanches matin de gamins, où le soleil brille et les rues sont si désertes qu'on les regarde avec étonnement. Le baby piano vous le murmure ainsi que les imperceptibles chœurs des refrains prodigués par Nico, chanteuse allemande du groupe, aussi belle que peu utile, mais les prérogatives d'Andy Warhol étaient à l'époque éloignées de la musique. Sur la prochaine piste, c'est la douche écossaise, Lou nous raconte son voyage pour rencontrer son dealer, sur fond de tambourin et de guitares écorchés, d'enfant on passe en quelques secondes à celui de junkie, attendant son fix au coin d'une rue glauque. Un poète ce cachant pourtant derrière ce peu recommandable personnage, il trouve en quelques mesures le moyen de nous narrer une fresque balsaciennes, d'endroits, d'évènements et de personnages, le tout arrosé de sauce américaine relevée, guitares country trash et piano bar en avant.

On continue dans les frasques vaporeuses, avec un ton plus calme, canté par Nico, quelques octaves avant les infrasons, audibles seulement des chiens, des baleines et des fourmis vertes de Sumatra. Lou reprend la main avec "Venus In Furs", avec un des sujets qui lui est cher, c'est à dire, la perversion sexuelle, narrant une relation d'adoration sadomasochiste, le titre de cette chanson est d'ailleurs le titre d'un roman pornographique, on ne serait être plus explicite.
"Run Run Run" dresse une mosaïque de quatre destinées don chaque complet commence par le nom de son éphèmère héro, chacun faisant partie de l'entourage de la factory. Jamais l'excitation d'assister à une fête n'a été aussi bien rendue que par le chant de Nico sur "All Tomorrow's Party"Je rigole bien sur, c'était pour voir si vous suiviez, les préoccupations superficielles d'une demoiselle en fleur prennent ici la forme de mantras hindous par la voix de l'interprète et des notes claires des guitares sonnants comme des timbales népalaises.
Tout cela n'étais bien sur qu'une ruse visant à nous detourner du véritable Everest de l'album, aussi bien musical qu'emmotionel qu'est "Heroin", une complainte à la fois désabusée et réveuse, consciente et etherée, comme un demi songe qui reposerait sur quelques accords de guitares sybillins et une grosse caisse qui vous bat les tempes, comme votre propre sang.
Drogué ou pas, vous en finissez allongé sur la moquette à fixer le plafond.
Après l'orage, le mythe américain reprend le dessus, les guitares surf et les choeurs, la voix moqueuse, cette fille s'en va, elle part, refaire du mal à quelqu'un d'autre, sans aucuns scrupules, mais que peut-on en faire sinon en rire, ou en écrire une chanson?
Sur "I'll Be Your Mirror" Nico nous relivre sa dose de sédatifs sixties, voilà ce qui arrive quand une écharde mainstream de l'époque, datée et passée se perd dans un disque majeur.
Voyez ça comme une pastille de comparaison dans une pub pour lessive, la lessive "X" marche toujours moins bien.
Le violon reprend du service sur "The Black Angel's Death Song" les horizons connus sur "Heroin" réapparaissent de manière encore plus claire et tordue (bruits de vapeurs et crincrins), une descente au enfers apocalyptique en règle.
La concussion traumatique que représente cet album se termine avec une tranche d'histoire New Yorkaise, celle de l'immigration et du meltng pot sans cesse renouvellé, chaque génération échouée sur les cotes de la nouvelle angleterre lorgnant sur la précédente.
"European Son" dénonce en effet les poseurs et autres soi disants américains de souche crachant sur les autres, un peu à la manière de West Side Story, Lou vitupère juste ce qu'il faut avant de tout finir, mélodies et voix comprises dans des décombres de sifflement fumants.

Voilà, tout est terminé, la statue de la Liberté s'est écroulée, nos musiciens avec.
Nous, les pauvres singes pouvant reprendre pour quelque temps seulement le controle sur nos vies de macaques, en nous demandant, entre deux plats d'insectes, qui a bien pu créer cela.
Car le net s'est éteint, et nous n'avons pas entendu Lou sur Youtube nous dire que ce n'était qu'un disque.

Alain Decaux raconte...Blondie

2008-12-21T20:50:00.004+01:00

"Les dernières volutes de fumée bleue se dispersaient au dessus de la table de Billard.

Le cendrier de verre coca-cola accueillait dans une dernière culbute d’étincelles un mégot encore tiède.

Son propriétaire, un homme à l’air sévère, aux tempes grisonnantes, se tenait dans la pénombre du dinner. Appuyé contre sa queue de billard laquée dans une moue dédaigneuse, il jetait à sa fille un dernier regard humide, aussi implorant que dépité.

Il trempa ses lèvres dans un fond de scotch, la reposa sur la table en formica en faisant tinter bruyamment les glaçons.

Son regard ne se détachait plus du bout de ses pieds.

« - Où vas-tu partir alors ? »

« - New York. »

« - Tu as de l’argent ? »

« - 500 dollars. »

« - C’est tout ? »

« - Oui, je vendrais la voiture en arrivant sur place ».

« - Une Le sabre 1960 ? Tu n’en tireras pas grand-chose »

« - Assez pour payer quelques mois de loyer »

« - Tu ne feras pas de bêtises hein ? »

« - Non papa, au revoir. »

« - Au revoir. »

L’adolescente posa son regard inquisiteur sur le barman au nœud papillon turquoise, en léchant le dos de sa cuiller.

« - La route pour New York City? »

L’homme tout troublé posa sa cafetière et répondit à la jeune femme que le trajet le plus court était l’interstate 95 à la sortie de Jacksonville, direction Annadale.

La petite blonde à l’air menu poussa le battant de la porte, laissant sa part de tarte entamée sur le comptoir.

Dick Harry était amer et déçu. Il aurait voulu dire une dernière fois à sa fille qu’il l’aimait, avant qu’elle ne parte.

Dehors, les pneus de la Buick crissaient déjà sur les gravillons couleurs néon du parking."

Alain Decaux raconte...Kraftwerk

2008-12-15T23:31:00.007+01:00

Voilà, vu que je suis une grosse feignasse (et très occupée en ce moment), je ne me casse pas et je vous publie des notes de derrière les fagots sous la forme pompeuse (mais néanmoins créative, eh oui, au moins on essaye) de bonnes feuilles de romans que j'adorerais lire...si ils existaient. Dégustez moi ce passage des premières pages de Kraftwerk, par Alain Decaux, chez Gallimard, 296 pages de musique électronique allemande à la fois noire, mécanique et romanesque, un chef d'œuvre:

" « - Nein, tu ne m’auras pas ainsi ! » s’écria le Pr.Von Osterlinden.

« - Tu es ma créature et tu aurais dû m’aider à dominer le monde, et non pas vouloir tuer tous ceux de ma race en les anesthésiant avec des rêves synthétiques et binaires.

Tout ça pour que tes rejetons de fer et de silicone échafaudent grâce à leurs cerveaux de circuits imprimés malades, des plans pour le régir en maîtres, selon leur bon vouloir.

Pendant que mes enfants béats se laisseront faire, comme les esclaves serviles que mes parents étaient, obéissant au doigt et à l’œil à leur führer. »

Ce furent les derniers mots du Pr.Von Osterlinden, entendus par sont assistante, Fraulein Weiss, avant qu’il ne soit retrouvé mort, électrocuté en tentant de débrancher une mystérieuse machine automatique allemande, froide, rigoureuse et précise, suivant les canons de l’excellence ultime entretenus outre-rhin : elle s’appelait Kraftwerk. "

Ce serait éblouissant, avouez-le, une fresque musicale dépeinte par un fantastique conteur, comme au bon vieux temps. De toute manière, même si un tel livre existait, je suis quasi-sur que sa publication serait illégale.

Lazy writer

2008-12-06T15:55:00.006+01:00

Sorry everyone I'm too busy to post anything, exams are here and everybody knows it's a pretty hard time. I know, shame on me.

But since it's the St Nicolas today, I write it like that, but of course it depends on where you live. I'm posting you a pretty rare picture of one of my favourite french rock band.
Yes, your visit, even for a dumb picture, is currently worthing its while because you can basically count them on the fingers of a chinese fireworks maker.

So enjoy this piece of clever, creative and provocative insight and please try to be patient.

I'm thinking about posting some exclusive content and random notes that I put aside those years. It will be labelled in a special way. Don't worry it will be still related to music, but it's gonna be in French, and not to say Franco French. At your translating machines people.

Anyway, happy St Nicolas !